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George FitzGerald: El virtuoso DJ y productor que te atrapará con sus beats
En el mundo de la música electrónica, hay un montón de DJ’s y productores haciendo cosas espectaculares, demostrando que este género ha crecido a pasos agigantados desde hace muchísimos años. Sin embargo, en la actualidad tenemos artistas que de plano nos dejan con la boca abierta por las canciones y ritmos que están mezclando en un solo lugar. Tal es el caso de George FitzGerald, quien lleva un buen rato creando beats increíbles.
Este productor británico ha tenido una carrera digna de repasar y que el mundo tiene que conocer. A pesar de que es originario en el Reino Unido y ahí había una enorme escena para desarrollarse, tomó un paso sumamente arriesgado: irse a otro país para arrancar formalmente con su carrera. Eso logró que con el paso del tiempo, concretara un sonido único así como colaboraciones con otros músicos, lo cual lo ha nutrido y dado forma a un estilo único.
BERLIN, GERMANY – MARCH 20: (EDITORS NOTE: Image has been converted to black and white.) Electronic musician George FitzGerald performs live on stage during a concert at Schwuz on March 20, 2018 in Berlin, Germany. (Photo by Jana Legler/Redferns)
¿Quién es George FitzGerald?
George Fitzgerald nació en Watfofrd, Reino Unido, pero creció en un pequeño suburbio cercano a Londres. Desde muy niño demostró no solo que le encantaba la música, también que tenía un montó de talento para interpretarla. Es por eso que a temprana edad empezó a tomar clases de piano, pero gracias a una persona muy importante dentro de su familia, supo cuál era el camino que quería tomar y a la larga sería por lo que el mundo lo conocería.
El propio productor menciona que la más grande influencia en su vida fue su hermano mayor, quien era DJ. Gracias a él, aprendió lo que era la música electrónica, pero lo más importante fue que le heredó sus tornamesas y algunos discos de drum & bass. Es por eso que entre los 12 y 13 años, George comenzó a coleccionar álbumes y sobre todo, tomó todas estas herramientas para empezar a crear sus propias mezclas. Aunque el camino no fue sencillo para él.
Foto: Getty Images
Mudarse de Londres a Berlín para crear música
Resulta que George FitzGerald creció y gracias a su amor por la música –y para estar de alguna manera dentro de lo que sucedía en ese género–, consiguió trabajo en la tienda londinense Black Market Records, uno de los lugares importantes para la escena británica electrónica. A este DJ le tocó el nacimiento de la escena dubstep a mediados de la década de 2000, y tomó esos ritmos como referencia para componer sus primeros beats.
Sin embargo, a pesar de que en esta tienda de discos conoció un montón de artistas espectaculares y que tenía todo para inspirarse en Londres, en 2010 decidió mudarse a Berlín. Una vez instalado en la capital alemana, empezó a reunir todos los componentes que más tarde conformarían su sonido. Pero todo cambió ese mismo año cuando Paul Rose (conocido por el pseudónimo Scuba) fichó a George para su influyente sello Hotflush Recordings.
Foto: Getty Images
Dejando todo para dedicarse a los beats
A partir de ese momento, George FitzGerald dejó todo para dedicarse a la música de tiempo completo. En un inicio, sus canciones eran dirigidas directamente para aquellos que querían sacar sus mejores pasos en las pistas de bailes de los clubes, creando temas malhumorados y melancólicos influenciados por el R&B, comenzando con “The Let Down”. A partir de ahí, comenzó a hacerse de un nombre en la escena berlinesa electrónica.
Luego de este sencillo, presentó otras rolas que continuaban con este estilo y ritmos, como “12” y “Don’t You”. Sin embargo, para 2011, George creó su propio sello discográfico, ManMakeMusic lanzó sus siguientes temas y sus primeros EPs como Child, aunque también colaboró con otros sellos en Berlín como Aus Music e Hypercolour con los que estrenó canciones como “Silhouette” y “Needs You” respectivamente. A partir de aquí, su carrera comenzó a tomar forma.
De una decepción amorosa a lanzar su álbum debut
Para 2012, George FitzGerald creó remixes para artistas respetados dentro del mundo independiente, como Jessie Ware y Throwing Snow, además armó mezclas para Resident Advisor y XLR8R. En 2013, este DJ y productor contribuyó a la serie Essential Mix de la BBC Radio 1, y por si esto no fuera suficiente firmó con el subsello de Domino Double Six Recordings, publicando los singles “Magnetic” y “I Can Tell (By the Way You Move)” a finales de año.
La música de FitzGerald empezó a evolucionar hacia un sonido techno/house más analógico, en lugar del estilo británico influenciado por la música de garage de sus trabajos anteriores. Por distintas cuestiones personales, como una relación fallida y la desilusión con la escena de los clubes, retrasaron la producción de su primer material discográfico de larga duración, aunque finalmente todas esta situaciones que tuvo que pasar
Del Corona Capital y Glastonbury a Coachella
Después de mucha espera y tras varios años de trabajo, el 24 de abril de 2015, George FitzGerald lanzó su álbum debut, Fading Love. En este disco cambiante y difuso contó con varios vocalistas y amigos musicales invitados, como Lawrence Heart y The Box In. Este material le valió el reconocimiento por parte de la crítica especializada e hizo que sus beats sonaran en gran parte del mundo. Sin embargo, esto solo era el inicio de algo más grande.
A pesar de que en 2013 ya se había presentado en una de las carpas de Glastonbury e incluso tocó en el Corona Capital de 2015 , para 2016 s ele presentó una gran oportunidad, pues George tuvo chance de tocar en Coachella, compartiendo cartel con LCD Soundsystem, Guns N’ Roses y Calvin Harris. En ese mismo año, armó un tour por varios festivales de Reino Unido, Holanda, Suecia, Irlanda y Alemania, donde le voló la cabeza a todos aquellos que tuvieron chance de verlo en vivo y a todo color reventando la tarima.
Foto: Getty Images
Su regreso a Londres y ‘All That Must Be’
En 2017, este DJ y productor anduvo de tour por gran parte del mundo, pero también sucedieron un montón de cosas en la vida de George FitzGerald que lo cambiaron para siempre. Tras casi una década viviendo en Berlín, decidió regresar a Londres y por si esto no fuera suficiente, se convirtió en padre. Y aunque no lo crean, todo esto lo tomó como influencia para componer lo que sería su segundo material discográfico.
El 9 de marzo de 2018, FitzGerald estrenó un nuevo álbum de estudio, All That. Must Be. En este disco en el que incluyó 10 canciones, vienen colaboraciones con artistas interesantes como Bonobo, Tracey Thorn y Lil Silva. En aquel año, también se presentó en nuevos países como España, Suiza, Polonia, Bélgica, Líbano, Italia, Francia y Canadá, logrando que su música y beats sonaran en ciudades que antes eran un sueño un tanto lejano.
Un descanso para armar otro proyecto
George FitzGerald cerró el 2018 con todo, lanzando un disco de remixes con los temas de su segundo álbum en el que colaboraron nombres del tamaño de Moby y Tokimonsta. Sin embargo, además de tocar en diversos festivales, el productor decidió darse un descanso de su proyecto personal aunque no dejó de hacer música. De hecho, se nutrió y creció colaborando con un montón de artistas de música electrónica espectaculares.
Cuando llegó la pandemia, George se encerró para trabajar de nueva cuenta con Lil Silva. El resultado de todas esas semanas dentro del estudio fue OTHERLiiNE, un proyecto en el que ambos colaboraron y que dio como resultado un disco homónimo que les recomendamos para disfrutar de todas esas texturas. Pero contra todo pronóstico, en 2021, el DJ británico nos sorprendió estrenando una rola en solitario, “Ultraviolet”.
¿Qué es lo que hace especial a George FitzGerald?
Sin duda, George FitzGerald es uno de los mejores y más interesantes productores de música electrónica que tenemos en la actualidad. Más allá de crear beats pegajosos y otros un tanto experimentales, a través de sus canciones nos demuestra su enorme talento pero sobre todo, nos queda muy claro que ama este género, ama lo que hace y es un nerd de las tornamesas y sintetizadores. Un verdadero melómano en toda la extensión de la palabra.
Pero hablando de su música, lo más llamativo de su trabajo es que ha explorado un montón de ritmos y sonidos. Ha ido desde el R&B y el house de garage hasta el más fino techno, eso da como resultado que tanto sus discos como sus sets en vivo sean una verdadera bomba que nos puede llevar por diferentes fases. Y por supuesto que si tienen chance de verlo en vivo, no pueden dejar pasar la oportunidad porque les volará la cabeza.
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El Teatro Degollado se llenó la noche de ayer de voces jóvenes, familiares expectantes y fragmentos de algunas de las óperas más emblemáticas del repertorio clásico. Más de 120 artistas subieron al escenario para presentar “Grandes Oberturas y Coros de Ópera”, concierto organizado por la Universidad Panamericana como parte de la clausura de su ciclo académico 2026 y del inicio de las celebraciones rumbo al 60 aniversario de la institución.
Desde minutos antes de comenzar, los pasillos del Degollado estaban ocupados por padres, amigos, alumnos y ex alumnos que buscaban sus lugares entre conversaciones, flores y teléfonos listos para registrar la noche.
El recinto lucía prácticamente lleno para un concierto -que forma parte de las actividades del Festival de Mayo- donde el protagonismo no recaía en figuras internacionales o compañías visitantes, sino en estudiantes, jóvenes e intérpretes que por meses prepararon un repertorio colorido y lleno de vida construido alrededor de Verdi, Puccini, Donizetti, Bizet y Borodin.
El programa reunió al Coro de la Universidad Panamericana junto a la Orquesta Sinfónica Juvenil de Zapopan, el Coro Municipal de Guadalajara y el coro de la Preparatoria Número 2 de la Universidad de Guadalajara. El resultado fue un escenario ocupado por decenas de talentos jóvenes vestidos de negro frente a un público que reaccionó ante las piezas corales de la noche.
La velada abrió con el preludio del primer acto de “La Traviata”, seguido por el “Coro de gitanillas y toreros”, también de Verdi. A partir de ahí, el concierto transitó entre distintos momentos de la ópera italiana y rusa: el intermezzo de “Cavalleria Rusticana”, el delicado “Coro a boca cerrada” de “Madama Butterfly”, la obertura de “Don Pasquale” y la “Marcha de los Toreadores” de “Carmen”. Después del intermedio, el concierto continuó con el “Coro de gitanos” de “Il Trovatore”, la obertura y el célebre “Va, pensiero” de “Nabucco”, una de las piezas que despertó una de las ovaciones más fuertes de la noche. El cierre llegó con las “Danzas polovtsianas” de “El príncipe Ígor”, interpretadas por la orquesta y los coros reunidos.
Más allá del repertorio, la noche estuvo marcada por el carácter colectivo del concierto. Varias de las voces que aparecieron en escena pertenecían a alumnos y ex alumnos de la Universidad Panamericana que regresaron para integrarse al montaje junto con músicos y coros invitados. Durante la ceremonia previa al concierto, autoridades universitarias y representantes culturales destacaron precisamente esa dimensión comunitaria del proyecto. El director de Arte y Cultura de la universidad, Ignacio Acosta, señaló que la música permite ampliar la sensibilidad y la comprensión humana, además de recordar el papel que el arte ha tenido dentro de la institución.
Al final, el público permaneció de pie entre aplausos, ovaciones y teléfonos grabando a los jóvenes intérpretes. El concierto, parte del Festival Cultural de Mayo, alternó momentos íntimos -como el coro de Puccini interpretado casi en susurro- con potentes explosiones corales que llenaron el Teatro Degollado.
CT
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La música es una de las manifestaciones artísticas y culturales más especiales para el público, pues tiene la capacidad de reunir a miles de personas de diferentes procedencias en un mismo espacio solo por un gusto en común. Guadalajara, por su parte, es una de las ciudades en las que el entretenimiento y los shows en vivo forman parte de la cotidianidad.
Te puede interesar: Auditorio Telmex: Cartelera del 11 al 17 de mayo
Recintos como el Auditorio Telmex, la Arena Guadalajara, el Teatro Diana y muchos más hacen posible que Guadalajara y la música se vuelvan uno mismo cada semana, ya que combinan todas esas características que los hacen especiales y distintos.
Con una energía que se siente desde el arranque de la semana, la Perla Tapatía brillará durante estos días de mayo con la llegada de algunos de los artistas más esperados, quienes con sus canciones, presencia y espectáculo lograrán impactar al público tapatío.
Con espectáculos para todos los gustos, edades y presupuestos, la capital de Jalisco destaca por su amplia oferta de entretenimiento y por consolidarse como una de las ciudades más importantes del país para la realización de conciertos y eventos musicales.
Cartelera de conciertos del 11 al 17 de mayo en Guadalajara
Esta semana, Guadalajara se prepara para recibir a artistas, bandas y proyectos musicales relevantes del momento, quienes con sus canciones, estilos y energía tendrán la tarea de encender nuevamente la agenda cultural de la ciudad, además de impulsar las actividades recreativas y de entretenimiento dirigidas a la audiencia.
Los 4 Grandes del Rock and Roll
- Fecha: Lunes 11 de mayo
- Lugar: Teatro-Bar ESCENIK | PALCCO
- Horario: 19:00 horas
- Precio: $700
Megadeth
- Fecha: Miércoles 13 de mayo
- Lugar: Arena Guadalajara
- Horario: 21:00 horas
- Precio: $502 – $2 mil 761
Bersuit
- Fecha: Miércoles 13 de mayo
- Lugar: C3 Stage
- Horario: 19:00 horas
- Precio: $500
Caloncho
- Fecha: Jueves 14 de mayo
- Lugar: Auditorio Telmex
- Horario: 21:00 horas
- Precio: $600 – $1 mil 600
Candlelight: Coldplay e Imagine Dragons
- Fecha: Viernes 15 de mayo
- Lugar: PALCCO
- Horario: 19:00 horas
- Precio: $420 – $950
Eterna Inocencia
- Fecha: Viernes 15 de mayo
- Lugar: C3 Rooftop
- Horario: 22:45 horas
- Precio: $500
Edith Márquez
- Fecha: Viernes 15 de mayo
- Lugar: Arena Guadalajara
- Horario: 21:00 horas
- Precio: $400 – $3 mil 514
Las voces del amor
- Fecha: Viernes 15 de mayo
- Lugar: Teatro Diana
- Horario: 20:00 horas
- Precio: $300 – $1 mil 500
Remmy Valenzuela
- Fecha: Viernes 15 y sábado 16 de mayo
- Lugar: Auditorio Telmex
- Horario: 21:00 horas
- Precio: $400 – $3 mil 800
San Venus
- Fecha: Sábado 16 de mayo
- Lugar: C3 Rooftop
- Horario: 21:30 horas
- Precio: $350 – $450
Alex Ubago
- Fecha: Sábado 16 de mayo
- Lugar: Teatro Diana
- Horario: 21:00 horas
- Precio: $600 – $2 mil 200
También puedes leer: Boletos para Junior H en Guadalajara: Precios y fechas
J Balvin
- Fecha: Domingo 17 de mayo
- Lugar: Arena VFG
- Horario: 20:00 horas
- Precio: $917 – $2 mil 694
Leyendas Gruperas
- Fecha: Domingo 17 de mayo
- Lugar: Auditorio Telmex
- Horario: 19:00 horas
- Precio: $400 – $2 mil 400
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La música es uno de esos milagros de la vida conformados por el sonido y por el viento. No puede asirse, es intangible, pero ocasiona sensaciones físicas que para explicarlas ni siquiera bastan las palabras. El pintor tapatío Javier Jiménez, bañado de música, movido por sus vaivenes y sus oleajes invisibles, lleva la inspiración musical y artística a otro sitio, al pintar la música mientras la escucha.
Sentado detrás del lienzo, mientras un trío conformado por guitarra, bajo y saxofón desarrollaban sus acordes, Javier Jiménez, con sus manos embarradas de colores, dio forma a los sonidos, las notas y las melodías que los músicos tocaban: pintó la música.
El performance tuvo lugar esta mañana en el restaurante LuSia, repleto de madres y de familias, que atestiguaron cómo el pintor, guiado por la música, le daba forma con colores sin ver siquiera el lienzo. “Yo empiezo a escuchar la pieza y pinto la música frente a la gente. Aquí yo estoy atrás de mi caballete y la gente está viendo cómo la mano empieza a interpretar la pieza musical en color, porque la música no se ve, se oye”, explica el pintor, conversando con EL INFORMADOR.
Anota que esta manera tan única de entender la música nace porque así es como pudo entenderla desde el arte. “Siempre quise tocar un instrumento, pero a mí se me dio la pintura. Entonces dije: ‘Bueno, si los músicos tienen ese don, ¿por qué no juntar las dos artes?’. Y de ahí salió el proyecto ‘Pintando la música’”.
“Pintando la música” pertenece a la corriente artística del abstraccionismo, que en palabras del pintor, encierra mucho significado más allá de su apariencia infantil. “Tiene significados que hacen que el espectador dé una interpretación muy específica, comparada con una pintura realista o academicista”, dice.
No es la primera vez que Javier Jiménez pinta la música: en 2010, cuando el abstraccionismo cumplió su primer siglo, creó obras espontáneas en el tianguis de antigüedades de El Trocadero, acompañado por la música infalible.
Dieciséis años después, otra vez como homenaje al abstraccionismo, pero esta vez en el contexto del Día de las Madres, el pintor regresó, frente al público, a dar forma a la música mediante sus manos. No usa pinceles, ni mira tampoco lo que sus manos crean: como si fuera un títere movido por las cuerdas de la música, un médium de sus caprichos sonoros, Jiménez se limita a escuchar, a sentir, y sus manos coloridas van trazando caminos de acrílico en la tela.
“Tengo una espátula chiquita por si hay que hacer algún retoque de algo que falle, pero yo siempre voy a estar atrás del lienzo y así comienzo”, explica. “Según vaya escuchando, mis manos se van impregnando de los colores de la música que oigo. Es muy interpretativo; si tú llegas a un museo o a una galería y observas esto, y yo estoy al lado de ti sin conocerte, yo daría una interpretación y tú darías otra. Igual sucede con los colores. Se manejan cálidos y fríos. Yo puedo interpretar una pieza de tango, un bolero o un blues. De acuerdo con los tonos imagino una parte cálida y otra enérgica, más fría. Así voy haciendo mis combinaciones. Porque es como sentir las notas y pasarlas directo al color”.
Necesita sentir el color con las manos
Más allá de la espátula, Jiménez no recurre a pinceles de ningún tipo. Es su mano, directa, la que entra en contacto con la pintura, y para el pintor esto es fundamental. “Tiene que ser con las manos. Eso se me hace muy importante. Porque es ‘Pintando la música’. Sería muy distante hacerlo únicamente con pincel. Tiene que ser con las manos”, finalizó.
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