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La historia del cosplay: cuando el fandom se transforma
En 2010, una de las comunidades más apasionadas de la cultura pop gozó como nunca, cuando una de sus integrantes logró que, a partir de ese año, se reconociera al 27 de agosto como el Día internacional del Cosplay. Apoyada por la asociación sin fines de lucro DC Anime Club, la estadounidense Jennifer Alice consiguió que millones de geeks alrededor del planeta se unieran para celebrar en esta fecha a un arte con una tradición añeja.
Pero ¿por qué celebrar el cosplay? Por ser una forma de vida. Un lienzo que se extiende a lo largo de varias áreas geográficas y que permite derrochar creatividad al máximo sin importar la raza, orientación sexual, género y, por supuesto, los gustos en videojuegos, juegos de mesa, cómics, películas o series. Aquí, se te recibe con brazos abiertos. Aquí, el fandom se transforma.
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Myrtle y Forrest, viviendo a años luz del presente
En 1939, Nueva York fue sede de la edición inaugural de la World Science Fiction Convention (o Worldcon), que es considerada como la primera convención geek organizada por y para fans. Ese día sólo hubo 200 asistentes –entre quienes se presume estuvieron presentes Ray Bradbury e Isaac Asimov– (vía). No obstante, quienes atrajeron todas las miradas fueron Myrtle R. Douglas y su novio Forrest J. Ackerman. Ella era una editora independiente de fanzines y, además, una gran entusiasta del esperanto, la lengua planificada más conocida en el mundo; él, por su parte, pasaría a ser uno de los editores y agentes literarios más reconocidos dentro del género de la ciencia ficción.
La presencia de la pareja resultó relevante por la forma pionera en que se vistieron para la ocasión. Myrtle –a quien dentro de sus círculos se le conocía como ‘Morojo’, por la pronunciación en esperanto de las tres primeras iniciales de su nombre– había tenido una idea nada menos que revolucionaria: confeccionar, desde cero, prendas parecidas a las de los personajes de la película Things to Come (1936), escrita por H.G. Wells. Morojo incluso les dio nombre a sus creaciones: futuristicostumes.
Aquel año nadie más llevó un traje inspirado en tan singular premisa, pero eso estaba por cambiar.
Cosplay en Japón: un nuevo comienzo
No se puede decir que la historia del cosplay es completamente occidental, puesto que gran parte de la evolución de este fenómeno podemos atribuírsela a Japón. De hecho, es sumamente importante mencionar que el término cosplay surgió en el país del sol naciente. La Worldcon continuó llevándose a cabo anualmente y resulta ser que la edición de 1984, celebrada en Los Ángeles, contó con la presencia de Nobuyuki Takahashi. El fundador de Studio Hard quedó fascinado con la cantidad de fans que iban y venían pretendiendo ser quienes no eran.
Rápidamente pensó en un término que se pudiera asociar a su nuevo descubrimiento, ya que quería exportarlo a territorio nipón. El resultado fue una combinación de la primera sílaba en inglés de costume (disfraz) y la palabra play (jugar), lo cual se traduce en japonés como kosupure (コスプレ), o “juego de disfraces”. Takahashi incluiría su palabra compuesta en un artículo para la revista My Anime, que se publicó ese mismo año.
Si bien, con la celebración de la primera Comiket –evento bianual célebre por la compra y venta de manga autopublicado (Dōjinshi)– en 1975, se había vuelto cada vez más frecuente ver a personas caracterizadas como los personajes de sus franquicias favoritas en ese y otros eventos locales de la nación asiática; el verdadero boom llegó después de que Takahashi realizó su cobertura. Para la década de los 90, los primeros café cosplay abrieron sus puertas en Akihabara y la popularidad de esta actividad siguió incrementándose paulatinamente en las décadas posteriores.
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Como lo reporta Japan Daily, el cosplay es actualmente toda una cultura en sí misma a nivel local, pues cada año se celebran concursos y convenciones masivas, y la más importante es la World Cosplay Summit (WCS, por sus siglas en inglés), que tiene lugar en la ciudad de Nagoya desde 2003. En 2018, por ejemplo, los campeones de la competencia mundial fueron Luis Sáenz y Eduardo Peralta –los Banana Cospboys–, ¡ambos orgullosamente mexicanos! Ellos se llevaron el primer lugar encarnando a Chun-Li y Dhalsim del videojuego Street Fighter II: The World Warrior.
“El cosplay no es sólo ponerte un disfraz. Es como llegar a ser un superhéroe o un príncipe, o puedes llegar a ser el personaje que tú quieras, que a ti te gusta”, dijo Luis Sáenz en una entrevista para el blog Kawaii Aichi tras su victoria en WCS 2018. “En México, creo que es muy, muy grande, todo el tema del cosplay (…) Ojalá lo siga siendo y siga creciendo en el país”.
Las reglas
Pese a que entre cosplayers hay mucho orden y respeto, existen varias convenciones que cuentan con reglas claras para garantizar un rato agradable. La mayoría de los eventos enfocan sus lineamientos en que los trajes no sean muy aparatosos; que no se usen props de armas muy elaborados o que las vestimentas no resulten ofensivas para otros asistentes. También hay que tener en cuenta que no siempre los fans que se caracterizan están abiertos a tomarse fotografías con el público, por lo que siempre es importante preguntar antes de hacerlo.
En ese sentido, una de las reglas más importantes es que nunca se debe acosar física, verbal o sexualmente a ningún cosplayer. Precisamente por ello se creó el movimiento Cosplay Is Not Consent (vía), el cual busca crear conciencia de que, muchas veces, estos artistas se enfrentan a tocamientos indebidos de parte de otros visitantes; especialmente, cuando su conjunto de prendas expone alguna parte de su cuerpo. Desde 2013, numerosas organizaciones, incluyendo la Comic-Con de Nueva York, se han sumado a esta iniciativa.
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Cosplay en México: la hermandad crece
La historia del cosplay en México suele asociarse principalmente al éxito del anime en la televisión abierta nacional, con títulos como Dragon Ball o Sailor Moon. Según información de Excélsior y la Universidad de Guadalajara, esta tradición cobraría fuerza en territorio azteca durante la década de los 90.
La primera Feria de la Historieta se realizó en 1993, en lo que ahora es la Facultad de Estudios Superiores (FES) Aragón, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Dicho evento fue organizado sólo para estudiantes, y apenas unas pocas personas acudieron caracterizadas; sin embargo, marcaría un punto de inflexión.
Desde entonces, surgieron numerosos espacios donde todo tipo de cosplayers pueden reunirse y compartir su pasión, como la Conque –desde 1994– o La Mole Comic-Con –nacida en 1996–. Y claro, también son muy conocidos los concursos de cosplay que se llevan a cabo en la Friki Plaza, cerca del Centro Histórico de la Ciudad de México. Ahí se dan cita multitudes que llegan desde varios estados de la República Mexicana.
En entrevista con Milenio, la afamada cosplayer Breentawr declaró lo siguiente:
“Es algo emocionante poder ser por un momento uno de tus personajes favoritos y, cuando se emocionan al verte, te hace feliz. Cuando me pongo un cosplay me siento bien”.
Asimismo, ella hizo énfasis en que realizar un buen cosplay implica una inversión considerable, aunque reconoce que, con creatividad suficiente, puede ser más económico:
“Hay trajes muy variados de precio, pero puedo decir que es caro. El [cosplay] más barato que tengo va desde los mil 500 pesos y pueden llegar a costar 6 mil pesos o más (…) Es mucho más barato hacer tu cosplay, solo gastas en la materia prima. Cuando mandas a hacer uno o lo compras ya hecho, estás pagando por los materiales y el tiempo que esa persona invierte en hacer ese trabajo. La mayor diferencia siempre va a ser el acabado: cuando tú lo haces, decides todo”.
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Tipos de cosplay
De acuerdo con el blog All About Cosplay, estos son algunos de los principales tipos de cosplay que se pueden encontrar en las convenciones:
- El de universo alterno
En la comunidad especializada, el término AU (alternate universe) se refiere a cualquier indumentaria que mantiene elementos que forman parte del canon de un universo de ficción, pero con un elemento que cambia. Por ejemplo: ¿qué pasaría si las princesas Disney conservaran sus respectivas historias, pero fueran estudiantes de Hogwarts?
- El mash-up
Contrario a los universos alternos, aquí se puede dar el caso de que no sea únicamente un elemento el que se contraponga a los demás accesorios, sino que se pueden combinar múltiples detalles de numerosas franquicias a la vez. ¿Qué tal esta Tortuga Ninja Trooper?
- Crossplayer
Son cosplays en los cuales el artista toma el rol de un personaje de distinto género, transformándose por completo –gracias a maquillaje y accesorios–. Alguien que es muy conocida por esto es la cosplayer femenina Pikmin Link que, de manera impresionante y convincente, aquí se vuelve Link de The Legend of Zelda.
- Genderbending
Aquí no se cambia totalmente. Hay artistas que deciden darle a sus personajes favoritos un giro, volviéndolos de un género distinto, adaptando su vestimenta y accesorios.
- Mecha
Como su nombre lo indica, son cosplays basados en robots gigantescos del anime, las series o el cine. Aquí puedes ver algunos de los más impresionantes.
- Kirigumi o Dolliers
Son cosplays que en estricto sentido se podrían considerar botargas –al igual que los llamados furries–, ya que en lugar de maquillaje se utilizan grandes máscaras de los personajes. Muchas personas no los consideran cosplays, pero son una suerte de creación híbrida.
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Esta fue una breve historia del cosplay. Un arte que implica mucho más que sólo ponerse un disfraz.
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Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
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Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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