Los amantes de los conciertos agradecerán la llegada del último miércoles 2×1 en Superboletos del mes, el día de hoy 4 de marzo. Como cada semana, esta boletera te ofrece dos boletos al precio de uno para hasta 47 conciertos y eventos, entre los que se encuentran fechas en Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Puebla, Tijuana y San Luis Potosí. En el caso de la capital de Jalisco, se tienen ocho conciertos al 2×1 todos ellos agendados en la Arena Guadalajara.

En este listado verás TODOS los conciertos que se encuentran al 2×1 en Guadalajara a través de Superboletos. Para poder procesar tu compra dentro del miércoles 2×1 en Superboletos va a ser necesario que cuentes con un perfil en el portal, un correo electrónico disponible y una tajeta bancaria de cualquier tipo para poder realizar el pago de los boletos ¡Alista todo y anímate a comprar tus boletos!

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Lista COMPLETA de conciertos al 2×1 en Guadalajara en Superboletos

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OB
 

La memoria como gesto sonoro, el ritual como forma de comunidad y la orquesta como espacio político. Bajo esa premisa se articula el quinto programa de la Primera Temporada de la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ), que será dirigido por la violinista y directora chilena Alejandra Urrutia, primera mujer en ocupar la dirección de la Orquesta de Cámara del Teatro Municipal de Santiago. Los conciertos serán los días jueves 5 y domingo 8 de marzo, a las 20:30 y 12:30 horas, respectivamente.

El programa, construido a partir de una sugerencia inicial de la propia orquesta, adquirió su forma definitiva cuando Urrutia incorporó una obra de Gabriela Lena Frank, completando así un arco que atraviesa el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, la fisicalidad del sonido percusivo, la espiritualidad andina y el imaginario del oeste norteamericano. 

“Fue una sugerencia de la misma orquesta el repertorio y yo incluí también una obra de la compositora Gabriela Lena Frank”, explica la directora, en entrevista con EL INFORMADOR. El concierto abre con “Variaciones Montgomery”, de Margaret Bonds, una creadora afroamericana discípula de Florence Price cuyo legado comienza apenas ahora a ser plenamente revalorado. La obra fue escrita en 1964, tras los acontecimientos de Birmingham, Alabama, en el contexto del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, y está dedicada a Martin Luther King Jr.; de hecho, para Urrutia, no se trata solo de una partitura con referencia histórica, sino de una pieza que transforma un acontecimiento político en forma musical.

“El programa comienza con una pieza de Margaret Bonds, una compositora norteamericana que escribió una obra que se llama ‘Variaciones Montgomery’, pensando en Montgomery, la capital de Alabama en Estados Unidos. Es una obra que ella dedicó a Martin Luther King Jr. y fue inspirada en todo el movimiento de los derechos civiles de los afroamericanos en Estados Unidos”, explica.

De los siete movimientos originales, la OFJ interpretará tres. La directora detalla que el núcleo emocional del fragmento seleccionado está en la marcha, inspirada en el boicot a los autobuses tras el acto de resistencia de Rosa Parks en los años cincuenta, detonante simbólico de una transformación estructural en la historia estadounidense. La serie completa transita de la esperanza y la determinación a la oración y la acción, reflejando el impulso espiritual y político de aquel momento histórico.

“Nosotros vamos a hacer tres movimientos de esta obra, que tiene siete en total. Vamos a hacer la marcha, que es muy interesante porque ella la escribió basada en los eventos que ocurrieron en los años cincuenta, cuando una mujer afroamericana no le cedió el asiento en un bus a un hombre blanco. Esto fue muy impactante. Debido a este acto específico hubo un antes y un después con el tema de los derechos civiles en Estados Unidos, porque fue en ese momento que comenzaron a tener más derechos, algo tremendamente importante. Esta marcha representa justamente esas caminatas que ocurrieron en esa época”.

Tras la marcha, el programa se desplaza hacia un movimiento de carácter más luminoso, que evoca la vida en el sur de Estados Unidos desde una perspectiva esperanzadora. El cierre de la obra retoma la raíz espiritual que sostiene toda la construcción, devolviendo la partitura a su origen devocional y coral.

“También vamos a hacer otro movimiento, el que sigue a la marcha, que habla de la vida en el sur de Estados Unidos, ya con un carácter más esperanzador. Y terminamos con el último movimiento de la pieza, que es una bendición. Esta obra está basada en un espiritual titulado ‘I Want Jesus to Walk with Me’. El último movimiento tiene ese carácter espiritual y devocional”, dice Alejandra Urrutia.

Dirección con identidad propia

Más allá del repertorio, la presencia de Urrutia en el podio también tiene un peso simbólico. Aunque es la primera mujer en dirigir la Orquesta de Cámara del Teatro Municipal de Santiago, rehúye convertir su trayectoria en un discurso de excepción.

“En general el estar parada en el podio frente a una orquesta ha sido un camino bastante tranquilo en ese sentido”, reflexiona la directora. “Yo creo que tiene que ver con mi formación como violinista, porque esa identidad te da autoridad. Los músicos se dan cuenta inmediatamente cuando uno sabe o cuando uno no sabe. En cada orquesta nueva intento enfocarme en la música y el hecho de que soy mujer lo dejo de lado porque en realidad no debería existir una diferencia. Si los músicos tienen resistencia frente a una directora, hay trabajo que hacer ahí, porque no debería haber diferencia entre quien esté al frente, sea mujer u hombre”.

Tras dos ensayos previos, la directora describe el proceso como un momento de materialización sonora de lo que antes solo existía en la mente.

“Uno se pasa estudiando en su cabeza y me encanta que en el proceso de ensayo uno ya escucha lo que estaba en la cabeza y el proceso es maravilloso. Hemos tenido una linda química con la orquesta y van a ser dos conciertos increíbles. La música está tomando mucha forma, es muy flexible, y la orquesta es una superorquesta. Estoy feliz de que se me haya dado la oportunidad de estar trabajando con la orquesta acá”, finaliza.

El espíritu de los Andes

El segundo eje del programa desplaza la escucha hacia la fisicalidad del sonido: el “Concierto para timbales” del compositor danés Kai Stensgaard, reconocido internacionalmente por su producción para percusión solista y particularmente por su cercanía con América Latina, donde su “Concierto mexicano” para marimba es ampliamente interpretado. De aproximadamente 16 minutos de duración, la pieza combina pasajes que evocan la música medieval con momentos de gran expresividad cinematográfica, y tendrá como invitado a Sergio Quesada en los timbales.

“Con una pieza como esta, la orquesta, en realidad, cambia como cambiaría con cualquier otro instrumentista que pasa a ser solista. La obra es muy transparente en su acompañamiento orquestal, entonces es muy fácil de seguir al percusionista”, dice la directora. “Sergio Quesada es realmente increíble y para mí es especial escuchar al timbal al lado mío y ver lo que puede lograr, que muchas veces uno no se lo imagina cuando los timbales están tocando dentro de la orquesta. Ahora es otra sensación: el solista tiene siete timbales a su alrededor y se va girando a medida que va tocando cada uno de ellos, entonces es una experiencia en 360 grados”.

La tercera pieza, “Apu”, de Gabriela Lena Frank, introduce la cosmovisión andina en clave sinfónica. El “apu” es, en la tradición andina, un espíritu de la montaña que protege y acompaña a los viajeros. La partitura inicia con una evocación del pinkillo -flauta tradicional representada en la orquesta-, continúa con un haillí solemne, una plegaria ritual, y culmina con una aparición intensa y fugaz del espíritu. 

“La obra está muy bien escrita, ella -Gabriela- es una gran compositora y todos los elementos compositivos que usa son muy claros y efectivos. Yo lo único que tengo que hacer con la batuta es asegurarme de que soy precisa, pero además que haya una conexión con la orquesta. Lo que el director siempre busca es que podamos crear una versión en común basada en el trabajo de los ensayos. Para mí la obra de Gabriela Lena Frank no cambia mi rol por ser una obra más contemporánea; el rol es el mismo en todo el repertorio”, comparte Alejandra Urrutia.

CT

A Love of Lesbian no le basta con volver: necesita releer su propia historia en voz alta. En ese gesto -retornar a la ciudad después de la Feria Internacional del Libro (FIL 2025) de Guadalajara, regresar a un escenario mayor como el Auditorio Telmex y hacerlo con un repertorio que mira hacia atrás sin nostalgia paralizante- se cifra buena parte del sentido de su próxima presentación en la ciudad, como parte de una gira que no se anuncia como despedida, pero sí como pausa consciente.

Santi Balmes y Oriol Bonet dejan claro que este regreso a Guadalajara no es un trámite más del calendario. La experiencia reciente en la FIL -un espacio literario convertido en territorio musical- fue vivida por la banda como una anomalía fértil: representar a Barcelona en México y, al mismo tiempo, tocar “en casa”. No desde la costumbre, sino desde una cercanía construida a lo largo de años.

Para Balmes, la FIL fue algo “extraño y hermoso” a la vez. Extraño por el contexto, hermoso por la respuesta. Mientras la banda ensayaba, la gente bailaba afuera; muchos siguieron el concierto desde pantallas improvisadas.

“Para nosotros fue una experiencia muy interesante y un gran honor poder ser una de las bandas que representaban la cultura musical de Barcelona en la FIL”, dice en entrevista con EL INFORMADOR. Fue algo extraño y bonito al mismo tiempo, porque era como venir de parte de Barcelona pero jugar en casa. Guadalajara es una ciudad que conocemos, a la que hemos venido muchas veces, que nos agrada muchísimo, así que era como estar en casa y, a la vez, traer contigo a tus amigos de Barcelona. México siempre supera las expectativas”, agrega. 

El concierto en el Telmex será distinto. Más largo, más amplio, con un gesto claro de revisión del repertorio. No se trata solo de presentar “Ejército de salvación” -disco que ha marcado esta etapa-, sino de permitirse recuperar canciones que habían quedado en pausa. Temas que en México resuenan de un modo particular, como “El astronauta” o “Incondicional”, volverán a escena no como piezas de museo, sino como materiales vivos, atravesados por nuevas experiencias. “Ahora volvemos al Auditorio Telmex y va a ser un concierto mucho más amplio que el que hicimos en la FIL. Tenemos muchas ganas de que sea una especie de punto y aparte. No es una despedida, pero sí una gira en la que queremos recuperar canciones que hace tiempo que no tocamos, canciones que en México han tenido una vida especial y que aquí conectan de otra manera”, dice Oriol Bonet. 

Para Love of Lesbian, tocar canciones antiguas no es un ejercicio de nostalgia, sino de relectura. “Cuando rescatas canciones antiguas, las sacas de la despensa, les da el aire, las revisitas desde quien eres hoy, dice Balmes. “Adquieres una nueva perspectiva de quién eres tú en relación con tu propio repertorio. Las canciones pasan siempre por el filtro de las experiencias que vamos acumulando con los años, y eso hace que el relato que antes te explicabas tenga que adaptarse”. En México, añade, esa vigencia se confirma con una intensidad particular: el público está dispuesto a sentir, incluso cuando la emoción pasa por la tristeza.

“En México sentimos que podemos renovar los votos con algunas canciones. Hay una apertura emocional muy grande por parte del público mexicano, una disposición a sentir, incluso cuando ese sentir pasa por la tristeza. Eso nos permite reencontrarnos con nuestro repertorio desde otro lugar”.

Seguir cantando el pasado 

Esa relación con el pasado no está exenta de tensiones. Hay canciones que nacieron en momentos vitales que ya no existen, emociones que hoy se miran con distancia. Sin embargo, Bonet sugiere que ahí radica uno de los secretos del oficio musical: volver a atravesar esas zonas evita que se sequen los “pozos emotivos”. La revisión constante -volver a gozar, volver a doler- mantiene viva una energía que no entiende de edades. “Quizá el truco del músico para envejecer bien es volver a pasar por esas emociones intensas: el delirio, la tristeza máxima, la euforia. Eso evita que se sequen los pozos emocionales. Creo que ahora nos emocionamos más que antes, somos más líricos en el buen sentido de la palabra, y eso nos mantiene vivos creativamente.”

Después de 30 años de trayectoria, la banda habla de otra palabra clave: desaprender. No como renuncia, sino como ajuste fino. Bonet y Balmes coinciden en que el tiempo los ha vuelto más empáticos, más conscientes del otro. Love of Lesbian no es solo la suma de cuatro personalidades distintas, sino un “ente” que, a veces, parece tomar decisiones propias. Ese organismo colectivo ha aprendido a sostenerse gracias al respeto mutuo: saber quién es cada uno, cuándo pedir ayuda, cuándo dar un abrazo, cuándo ceder.

“Con el tiempo nos hemos vuelto más empáticos y más respetuosos entre nosotros. Somos cuatro personas muy diferentes, pero hemos creado un ente que es Love of Lesbian, que a veces decide por su cuenta. Aprender a respetarte a ti mismo hace que los demás también te respeten, y eso ha sido clave para seguir juntos después de treinta años”, afirma. La madurez, en este caso, aparece como  una ampliación del horizonte emocional. “Hemos pasado de ser personas de treinta años más egoístas a personas de cincuenta con ganas de compartir y celebrar”, dice Balmes. Esa transformación no solo se escucha en las canciones recientes, sino también en la forma en que las antiguas vuelven a escena.

El presente, sin embargo, impone otros retos. La conversación se detiene inevitablemente en las redes sociales y en la presión constante por producir contenido. Balmes es crítico: el algoritmo, dice, convierte al artista en siervo de plataformas que exigen visibilidad permanente. El riesgo no es solo el cansancio, sino la homogeneización. “Firmas un contrato con el diablo de la uniformidad”, advierte. Todo empieza a parecerse demasiado, y la imaginación del público se queda sin espacio.

Desde su posición -una banda con carrera consolidada-, Love of Lesbian puede dosificar la información, resistirse a la exposición constante. Y observa, incluso, un posible punto de quiebre: cada vez más gente se cansa, se retira, vuelve al contacto directo. Balmes lo nota en las generaciones más jóvenes, menos interesadas en la vida virtual que en los encuentros presenciales. El péndulo, sugiere, podría estar cambiando de dirección.

“El problema de las redes es que si no estás delante, no existes. Hemos entrado en un mundo donde el espejismo es más importante que la realidad. Nosotros, por suerte, podemos dosificar lo que mostramos. Creemos que dejar espacios a la imaginación sigue siendo importante, aunque ahora todo empuje hacia la homogeneidad. También estamos viendo un regreso al contacto personal. Por eso es que la gente nunca deja de ir a los conciertos”, finaliza. 

En ese contexto, el concierto en Guadalajara adquiere otra lectura. No es solo una fecha más, sino un acto de presencia: un reencuentro físico, compartido, donde canciones viejas y nuevas dialogan con un público que ha crecido junto a la banda. No hay despedida anunciada, pero sí la conciencia de un umbral. Love of Lesbian vuelve a Guadalajara para tocar, para recordar y para resignificar. Para demostrar que las canciones no envejecen solas: envejecen con quienes las cantan y con quienes las escuchan. Y en ese cruce -entre memoria, emoción y presente- es donde el concierto encuentra su verdadero sentido.

Discografía selecta 

• 1999  “Microscopic Movies”.
• 2002  “Is It Fiction?”.
• 2003  “Ungravity”.
• 2005  “Maniobras de escapismo”.
• 2007  “Cuentos chinos para niños del Japón”.
• 2012  “La noche eterna. Los días no vividos”.
• 2016  “El poeta Halley”.    
• 2021  “V.E.H.N.” (Viaje épico hacia la nada)
• 2024  “Ejército de salvación”.

CT