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Shiva Baby: La presión de una mujer joven
Shiva Baby retrata la ansiedad y presión que vive una mujer a lo largo de un día durante el inicio de la Shiva —periodo de luto tras el fallecimiento de algún miembro cercano de la comunidad judía—. Sin embargo, esta ópera prima de Emma Seligman ha logrado conectar con mujeres que no necesariamente comparten características con la protagonista. Danielle es una joven bisexual interesada en el mundo artístico con un trabajo temporal como niñera; con unos padres que «quieren lo mejor para ella» y los cuales buscan conseguirle un trabajo bien remunerado, una pareja y un comportamiento digno de admiración dentro de la comunidad.
Desde su estreno en festivales, Shiva Baby, ha sido catalogada como una comedia feminista debido a la conexión que ha tenido con mujeres de diferentes parte del mundo sobre la ansiedad que podemos vivir las chicas jóvenes por intentar cumplir con las expectativas que han puesto sobre nosotras.
Emma Seligman, una mujer joven de 25 años que logró posicionar su película —la cual comenzó como un cortometraje escolar— como una de las mejores películas estrenadas en 2020, nos comparte la experiencia de retratar vivencias tan personales y después, conectar de forma universal.
- Has mencionado que viste algunas películas que muestran la ansiedad o el estrés en la mujer para representar las crisis nerviosas de Danielle. ¿Podrías decirme algunas cintas o directores que formaron parte de esta investigación y de qué manera influenciaron en tu película?
Claro. Comencé queriendo ver películas que presentaran historias de un solo día y una locación, o de algunos días pero en la misma locación. Quería ver cómo lograban presentar estas historias de manera exitosa porque yo sabía que nuestra película transcurriría así para mantener bajo nuestro presupuesto y alcanzable pues estábamos juntando el dinero por nuestra cuenta. Vi Krisha, Una mujer bajo la influencia, El casamiento de Raquel y Las vueltas del destino. Todas estás películas que vi eran muy intensas. Después de pensar en otros thrillers psicológicos que ya había visto como El Cisne Negro, me di cuenta de que quería lograr más en la categoría de realismo. Quería tocar el horror de la vida de todos los días. Vi muchas películas de John Cassavetes, en especial Noche de estreno. Ya había visto muchas películas que mostraban lo salvaje de una vida ajena, películas judías, películas coming of age, comedias románticas; pero en lo que concierne a la creación de una película (música, edición, fotografía) me fijé más en los thrillers.
- Ya que tus propias experiencias fueron la inspiración para Shiva Baby, me gustaría saber, ¿en qué punto comenzaste a cuestionarte si estabas de acuerdo con algunas de las tradiciones judías?
Crecí muy reformada, así que el judaísmo fue un punto clave en mi vida diaria y cultura. Mi familia era muy extensa y todos estábamos juntos en Toronto. Las costumbres y tradiciones judías fueron una parte muy importante de mi vida. Cada dos semanas veía a mi familia para algún evento, ya fueran bodas, el nombramiento de un bebé o una fiesta judía. No sé si llegó un punto en el que comencé a criticarlo por mi madre o mi hermana o por mí misma, siempre encontrábamos una manera de hablar de lo molesto que resultaban las preguntas a mí y a mi hermana mientras crecíamos. “¿Qué harás ahora que ya eres mayor?”, “¿Qué piensas hacer de tu vida?”.
Mi hermana y yo éramos las más jóvenes de nuestra generación y mi madre era la más joven de su generación, al igual que mi abuela, así que siempre destacamos como las más jóvenes de nuestro círculo. Nuestros primos comenzaron a tener hijos y ya había gente menor, pero siempre estábamos solas en lo que respectaba a nuestro futuro o nuestras situaciones amorosas. A pesar de esto, creo que este problema va más allá de la cultura judía, creo que es algo que constantemente se les está preguntando a los jóvenes.
- ¿Por qué decidiste enfocarte en la Shiva?
Al crecer en una comunidad reformada y moderna, siempre me pareció gracioso que la Shiva se celebraba como cualquier otro evento, incluso si algún miembro de la familia recién hubiera muerto. Me parecía cómico que hubiera un cadáver cerca y nosotros estuviéramos platicando, riéndonos y contando chismes. No se sentía ninguna diferencia. Creo que la comunidad judía siempre ha sabido bromear sobre la muerte y lidiar con ella. Nuestro humor es muy mórbido. Creo que este contraste que existía en la Shiva me ayudó a plasmar el contraste que siente Danielle al tener dos versiones de ella misma que está tratando de mantener a lo largo del día. También creo que la Shiva es un evento de transformación, pues comienzas estando completamente triste y el objetivo es ayudar con el duelo a los familiares de la persona fallecida. Es como un reconcilio con la muerte mientras pasas por todas esas etapas de duelo, todo esto idealmente en una semana. En un nivel un poco más simbólico, la transición la tiene Danielle en la película.
- ¿Qué tan importante crees que sea la cercanía entre el cineasta y los temas que está representando?
Creo que para tu primera película es genial crear algo tan personal y auténtico, es una gran manera de mostrar tu voz y tu manera de ver el mundo. Prácticamente también es mucho más fácil. Yo escogí este evento judío porque sentía que podía escribir a los personajes de una manera más cercana. Creo que puede ser de gran ayuda, pero no creo que debería ser necesario. Sin embargo, si estás del otro lado tratando de mostrar a una comunidad marginada sin tú mismo haber pasado por su sufrimiento, no creo que esté mal, pero la especificidad de esta experiencia será más difícil de mostrar. Ahora me siento emocionada de mostrar historias que no me sean tan personales, pues me interesa la dificultad de acercarme a otros temas.
- ¿Describirías tu película como una comedia feminista?
Mi objetivo principal no era hacer una película feminista. Yo solo quería crear algo que me resultara auténtico y cercano a mí. Quería acercarme a mi propia experiencia y a mi ansiedad. Creo que todas las ansiedades que las mujeres pasan en su vida vienen de un lugar específico desde su género. Estoy bien con la gente llamando a mi película una ‘comedia feminista’, me hace feliz, pero yo no me propuse hacerla así. Me gusta que lo sientan así, digo, ser mujer es un hecho político, mostrar las ansiedades de Danielle y que los demás lo tomen como un acto político. Recuerdo a una entrevistadora en un festival que me mencionó el aspecto ‘político’ de mi película y la manera en la que yo estaba trayendo a la mesa temas que las mujeres deben soportar a diario. Me gusta saber que lo sienten así, pero nunca fue mi único objetivo.
- ¿Cómo fue el proceso de tocar los temas de la presión laboral, los desórdenes alimenticios, la bisexualidad y el conseguir un sugar daddy sin que se sintiera saturado?
El único problema que me costó plasmar fue la bisexualidad de Danielle porque toma lugar en un solo día, así que no podía mostrarla ese mismo día con Maya y Max, así que tuve que mostrar su relación con Maya de una manera que no se sintiera tan obvio. Siempre me ha molestado que la gente ‘recuerde’ en películas para tratar los temas, porque no se siente natural. Esta relación me resultó muy complicada por el tiempo y porque en un evento familiar no estás hablando abiertamente de tu vida sexual. Sobre los sugar babies, no fue tan complicado, digo Danielle es una sugar baby, pero sí quise hablar de cómo se llega a esa posición y darle a Danielle la oportunidad de contar su historia. Lo judío de la película… es muy judío. A veces no pensaba en ello, pero otras sí tenía que encontrar maneras de lograr mis resultados.
- ¿Cómo se logra una comedia de humor negro sobre la religión sin ofender a los que practican esta religión?
Yo creo que es difícil porque al final siempre ofenderás a alguien. A veces, desafortunadamente, hay verdad en los estereotipos y todas las líneas que escribí en el momento que una mujer intercepta a Danielle en la Shiva. Vienen de una experiencia real que yo viví. Todo es real. No puedes no mostrar estereotipos, en especial en una historia judía, pero traté de enfocarme en lo absurdo de la situación para dejar en claro que no intentaba burlarme de nadie. Creo que lo mejor que se puede hacer en estos casos es mostrar la humanidad detrás de los estereotipos, específicamente con la madre, porque creo que las mujeres judías son un estereotipo muy recurrente en los medios. Quería mostrar a la mamá igualmente amorosa como dominante y al final del día mostrar su relación tan profunda con su hija. Tristemente no tuve todo el tiempo para mostrar todas las relaciones a fondo, pero sí traté de hacerlo con algunos de los personajes.
- ¿Qué efecto te gustaría dejar en el espectador con tu película?
Solamente mostrar (y tal vez esto es lo político/feminista) que es imposible ser todo lo que esperan que seas como una mujer joven. A veces cuando intentas ser todas estas cosas terminas teniendo crisis nerviosas o ataques de pánico, como le sucede a Danielle en la película. Recuerdo que cuando me acercaba a mi graduación sentía la presión por parte de mi familia acerca de mi futuro laboral y mi situación amorosa. También sentía una presión por parte del resto del mundo, en especial de Nueva York, por ser una mujer independiente y sexualmente empoderada. Nos alientan a las mujeres para que seamos sensuales y libres, pero al mismo tiempo esperan que tengamos un novio. Solamente quería mostrar que era imposible hacer todo en nuestra vida.
Shiba Baby estrena este 11 de junio en MUBI.
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La dramaturgia cinematográfica en las escenas de juego: por qué las mesas de cartas ganan a los slots
Pregunte a cualquier cinéfilo cuál es su momento favorito relacionado con el juego en una película y, muy probablemente, la escena que describirá tendrá que ver con un juego de cartas. Ha habido escenas icónicas construidas en torno al blackjack y al poker, con dramáticos primeros planos de jugadores que intentan leer las señales de sus oponentes sin revelar las suyas propias, el empuje de las fichas sobre el tapete verde y, por supuesto, revelaciones a cámara lenta.
Pero lo que no se ve tan a menudo en la gran pantalla son dramatizaciones de jugadores sentados frente a slots. Esto puede parecer extraño, especialmente para aquellos que están familiarizados con los casinos online, donde más del 80 % de los jugadores pasan la mayor parte de su tiempo en slots. Las mejores apps de casinos y también sitios web ofrecen una amplia variedad de juegos con diferentes temas y estilos.
Sin embargo, en las películas, las escenas en las mesas de juego casi siempre predominan. Y quizás por una buena razón. Pero dado que los slots son tan importantes en el mundo real del juego y siguen siendo muy populares, ¿por qué estas máquinas icónicas han sido tan ignoradas en las películas?
Crear conflicto
La primera y más obvia razón por la que los juegos de cartas de casino tienen tanta preferencia sobre los slots en el cine se debe a la creación de conflictos. Todas las buenas historias necesitan el conflicto como fuerza motriz para hacer avanzar la trama, y no hay mejor escenario dentro de un casino que una mesa de poker, donde los jugadores compiten directamente entre sí. En los juegos de cartas como el blackjack y el baccarat, se trata más bien de una competición contra las manos del dealer.
Pero todos los juegos de cartas tienen algo más en común, y es la influencia de la elección sobre el azar. Los jugadores tienen que tomar decisiones conscientes sobre si subir una apuesta en el poker, por ejemplo, o si pedir otra carta o plantarse en una mano de blackjack. Este elemento de elección que tiene el personaje produce una sensación de que controla su destino.
Creación de personajes
La forma en que un jugador reacciona ante un momento intenso en un juego suele ser bastante reveladora de su carácter. ¿Hasta qué punto son reacios al riesgo? ¿Qué tan buenos son para farolear? Cuando la elección de la estrategia de un personaje entra en juego durante una partida de cartas, aporta mucho más a la mesa cinematográfica en términos de drama que cualquier juego en un slot.
¿Por qué? Porque el slot es externo al jugador, y todo lo que haría un personaje sería presionar un botón para girar, el drama llegaría rápidamente a un callejón sin salida.
En una escena dramática de poker, el personaje principal intenta lograr algo, que en gran medida consiste en burlar a un antagonista. A menudo, este es un mecanismo para avanzar en la trama o para resolver algo. Una vez más, el personaje que juega es tan importante como el juego en sí, porque sus habilidades o sus defectos deben influir en el resultado del juego, relevante para el desarrollo de la trama.
Por supuesto, dado que todos los juegos de casino se basan en el azar, la suerte sigue siendo un elemento importante; es la naturaleza misma de los juegos de casino. En el mundo del cine, aunque la suerte sigue existiendo en las representaciones de los juegos de cartas, es realmente la agencia de los jugadores lo que define la escena.
¿Cuál será su decisión cuando sepan que no tienen una buena mano en el poker? ¿Se arriesgarán para ganar una partida de blackjack? Esto introduce factores que también profundizan un poco más en el personaje.
Esto se debe a que lo que está en juego para el personaje es extremadamente personal, lo que genera una gran tensión y dramatismo. Un personaje podría perder fácilmente una oportunidad por falta de criterio, o ver cómo su inteligencia en el juego alcanza un nivel completamente nuevo al enfrentarse a oponentes experimentados y despiadados en la mesa de poker.
Suerte mediocre
Dado que las máquinas de casino funcionan con generadores de números aleatorios para garantizar la imparcialidad, son el epítome de la suerte. Ver a un personaje jugar a una de ellas no tendría el mismo impacto dramático que los juegos de cartas. Imagínese una escena en la que un jugador gana una mano de poker crucial bajo una enorme presión gracias a su astucia, después de apostarlo todo en un último intento desesperado.
Ahora compárelo con un personaje que gana el premio gordo en un slot. Debido a la aleatoriedad de los slots, no habría una tensión intensa; la victoria simplemente ocurriría de la nada y eso, a su vez, probablemente haría que los espectadores pusieran los ojos en blanco ante un momento tan deus ex machina.
Por el contrario, si el personaje no ganara un premio mayor en un slot, sería muy decepcionante, aunque se base en gran medida en la realidad, ya que las posibilidades de ganar uno son matemáticamente muy escasas.
Los juegos de cartas ganan por goleada
Para un drama sobre el juego, nada supera a un juego de cartas en un casino. Desde la configuración hasta la competitividad de las rondas de apuestas y el enfrentamiento final, los juegos de mesa permiten subtextos importantes, como la exteriorización del conflicto interno.
Por eso los juegos de cartas se han utilizado una y otra vez en películas como Apuesta final (Rounders) y Casino Royale; porque son un medio formidable para poner a prueba los nervios y tienen consecuencias enormes, angustiosas y sobrecogedoras.
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La novia! Trailer, estreno y todo sobre la nueva película con Jessie Buckley y Christian Bale
Tras un año en el que el protagonista fue la criatura de Frankenstein, llega el turno de que La novia! reclame el reflector. Tras un aclamado debut como directora con La hija perdida (2021), Maggie Gyllenhaal regresa con una reinterpretación del personaje titular que promete mucho punk. Aquí te contamos todo lo que debes saber sobre la película.
¿De qué trata?
Situada en los años 30, La novia! arranca cuando la criatura de Frankenstein, ansiando terminar con su soledad, le pide a la doctora Euphronious que le haga una compañera. Es por ello que desentierran el cadáver de una mujer que fue asesinada, pero las cosas tal vez no saldrán como lo tenían planeado.
El avance nos deja ver que a partir de la llegada de La novia (como se nombra al personaje estelar) se desencadenarán persecuciones policiales, crímenes, y una revolución social total. Además, podemos esperar mucho glamour y fantasía, gracias a la construcción de los 30s que realizó Gyllenhaal:
«Elegí los 30s porque amo su estética, y las películas incluyen tanta fantasía. Mucho de [La novia!] es acerca de la diferencia entre fantasía, amor de fantasía, estilos de fantasía, sexo de fantasía, todo de fantasía versus la realidad, y cuál es el placer real de un amorío que está plantado en la realidad», contó en conferencia de prensa la directora. Lo que sí aseguró es que es una versión de los 30s muy inspirada en un Nueva York de 1981.
¿A quiénes veremos en La novia!?
Un elenco espectacular nos presentará esta historia, empezando por Jessie Buckley como el personaje titular. Buckley está arrancando un espectacular año en su carrera, pues con su película Hamnet, es la gran favorita a llevarse el Óscar a mejor actriz, luego de hacer lo propio en los Globos de oro 2026. Sobre trabajar con la actriz, Gyllenhaal dijo lo siguiente:
«Sigo sin saber quién más pudo haber hecho este papel. Creo que tiene que ver con su sabiduría en reconocer que todo humano contiene un espectro de sentimiento, tan feroz y poderoso. Y justo a lado de eso se encuentra la más profunda vulnerabilidad. Tan inteligente, también totalmente irracional y a veces horrible. Todo eso, combinado, hace a una persona. Y lo que me parece extraordinario de ella como actriz es que realmente sabe cómo incorporar todas esas cosas en su trabajo».
Acompañándola están Christian Bale (El caballero de la noche, El gran truco) como la legendaria criatura, Peter Sarsgaard (Batman, La hija perdida) como un detective que les sigue muy de cerca la pista, Annette Bening (Belleza americana, Capitana Marvel) como la doctora Euphronious, Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Se presume inocente) como Ronnie Reed y Penélope Cruz (Dolor y gloria, Madres paralelas) como Myrna.
¿Cuándo podremos ver La novia!?
Llegará a pantallas tradicionales y IMAX de cine el 06 de marzo de 2026.
Póster
Trailer
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El universo cinematográfico de James Bond, el agente secreto más famoso del mundo, es tan amplio como su archivo de gadgets imposibles, villanos excéntricos y misiones imposibles. Para quienes desean iniciarse en esta saga que abarca más de seis décadas, seleccionar por dónde empezar puede ser una misión digna del MI6.
Aquí tienes una guía con las películas más emblemáticas para conocer la esencia del 007, su evolución y —por supuesto— la obra imprescindible: Casino Royale.
1. Dr. No (1962) – El nacimiento del mito
La primera película de James Bond estableció los cimientos del personaje y su universo. Con Sean Connery dando vida a un Bond magnético, elegante y peligroso, Dr. No presenta muchos elementos que se volverían clásicos: la presentación icónica, el estilo seductor, el humor seco y la mezcla perfecta entre espionaje y acción.
Por qué verla si eres nuevo:
Es el punto de partida. Si quieres entender cómo comenzó todo y por qué Bond se convirtió en un icono global, este es el lugar.
2. Goldfinger (1964) – La fórmula Bond en su máximo esplendor
Si hay una película que encapsula lo que significa “ser Bond”, es Goldfinger.
Aquí encontramos al villano memorable, el plan extravagante, el Aston Martin DB5, una banda sonora legendaria y algunas de las frases más citadas de toda la saga.
Por qué verla:
Es la película que consolidó el estilo Bond y elevó la franquicia al estatus de fenómeno cultural.
3. On Her Majesty’s Secret Service (1969) – El lado más humano del agente 007
Protagonizada por George Lazenby, esta entrega se ha revalorizado enormemente con el tiempo. Presenta un Bond más emocional, vulnerable y profundo, sin perder la acción clásica.
Por qué verla:
Es esencial para comprender que Bond no es solo acción: también tiene corazón. Además, su final es uno de los más impactantes de toda la saga.
4. The Spy Who Loved Me (1977) – El Bond más carismático y divertido
Roger Moore aportó humor, elegancia ligera y un toque de irreverencia al personaje.
The Spy Who Loved Me es considerada su mejor película, con secuencias espectaculares, la aparición de Jaws y uno de los mejores temas musicales (“Nobody Does It Better”).
Por qué verla:
Representa el Bond más “divertido blockbuster”, ideal si te gustan las películas de acción con un tono más ligero.
5. GoldenEye (1995) – El renacimiento del agente en los años 90
Con Pierce Brosnan, Bond regresó tras una pausa de seis años y lo hizo con estilo moderno, acción explosiva y un villano memorable (interpretado por Sean Bean).
Es también la película que llevó al personaje a una nueva generación, especialmente gracias al famoso videojuego de Nintendo 64.
Por qué verla:
Es un Bond moderno pero fiel a su esencia, perfecto para quienes disfrutan de acción sofisticada y estética de los 90.
6. Casino Royale (2006) – El reinicio perfecto: crudo, elegante y emocional
La película que no puede faltar en ninguna lista.
Con Daniel Craig, el personaje recibió un reboot radical, más realista, más físico y más emocional. Casino Royale explora los orígenes del 007, mostrando cómo se forja su dureza y su frialdad, sin renunciar al glamour y la intriga y, por supuesto, casinos.
La historia con Vesper Lynd añade una profundidad emocional que pocas cintas previas lograron, convirtiéndola en una de las mejores películas de toda la saga y en un punto de entrada ideal para nuevos espectadores.
Por qué verla:
Porque marca un antes y un después. Es moderna, emocionante, intensa y, al mismo tiempo, respetuosa con el legado del personaje.
La puerta de entrada a un universo de acción y estilo
El mundo de James Bond es diverso: ha cambiado de rostro, de tono y de estilo a lo largo de más de 60 años. Ya sea que busques glamour clásico, acción contemporánea o historias de espionaje profundas, hay un Bond para ti.
Si solo pudieras elegir una película para comenzar, Casino Royale sigue siendo la introducción definitiva. Pero recorrer estas seis cintas te dará una mirada amplia, rica y emocionante al universo del espía más famoso del cine.
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