Cine y Tv
Sailor Moon Eternal: Las películas que celebran la saga de los sueños
Cuando era una chica de 14 años en la secundaria, tenía a mí bully personal. Como muchos que han sufrido acoso escolar, no sé bien a bien qué fue lo que hice para provocar su desagrado, pero todos los días hacía algún comentario sobre mi cara, mis coletas o mis cuadernos porque estaban cubiertos con “monos chinos” con lunas y estrellas. Por supuesto, se trataban de dibujos de Sailor Moon, mi serie de anime favorita. En esa historia, yo encontraba el valor para seguir adelante, defenderme de mí “maligna” escolar y soñar con que yo también era una guerrera que un buen día encontraría a su príncipe.
Aunque pueda sonar cliché, sé que no soy la única que se identifica con Usagi Tsukino. No importa si no eres fan del anime o el manga, seguramente has escuchado alguna vez de Sailor Moon: la heroína que es una adolescente ordinaria de instituto, pero se convierte en la Sailor Guardian que lucha por el amor y la justicia para castigar a los villanos en el nombre de la Luna.
No es que la obra de la autora Naoko Takeuchi sea la definitiva del medio –ciertamente, hay otros títulos que a simple vista pueden parecer mucho más profundos–, sin embargo, está impregnada de un no sé qué que ha atraído a públicos de múltiples generaciones por casi tres décadas.
Takeuchi misma es un ejemplo de dedicación para perseguir los sueños. Química farmacéutica de formación, ella presentó su primer manga llamado Chocolate Christmas en 1987, sin tener una educación formal en artes. Más adelante, cuando Bishōjo Senshi Sailor Moon se publicó por primera vez el 28 de diciembre de 1991 en la icónica revista Nakayoshi de la legendaria editorial Kōdansha, la industria sufrió una transformación.
Sailor Moon rompió con los esquemas tradicionales del manga shōjo (historietas japonesas para chicas) al hacer que sus personajes femeninos no fuesen las típicas damiselas en apuros, sino las protagonistas que llevaban todo el peso de la acción en la historia.
“Al principio Usagi Tsukino era llorona y torpe, pero maduró de una manera increíble para ser Sailor Moon. Nos hace decir: ‘yo también quiero crecer así’”, reflexiona Patricia Acevedo, la actriz de doblaje que ha prestado su voz a Sailor Moon desde hace 25 años en Latinoamérica, en entrevista con Cine PREMIERE.
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El reconocido estudio Toei Animation, responsable por Dragon Ball o Los Caballeros del Zodiaco, sería el encargado de llevar su emblemática creación a la pantalla chica tan solo unos meses después en marzo de 1992. Cinco temporadas y 200 episodios después, Sailor Moon se convirtió en una franquicia de peso mundial, en especial, en Europa y América Latina.
A pesar de estar destinada a un público femenino de entre 5 y 15 años, la serie clásica atrajo a personas de todas las edades y géneros, a la par de convertirla en una propiedad intelectual de miles de millones de dólares, auspiciados por juguetes, películas, obras de teatro, un dorama, figuras de acción, maquillaje y demás tipos de promoción comercial.
Como todo –y para tristeza de miles de otakus alrededor del mundo–, el impreso y el anime llegaron a su final. La mangaka oriunda de Kōfu decidió descansar a Usagi, a Tuxedo Mask y al resto de las Sailor Guardians para dedicarse a otros proyectos.
Yo salí de la escuela y dejé a mí bully en el pasado, pero mi gusto por Sailor Moon no disminuyó. Como incontables fanáticos en todo el planeta, seguí consumiendo productos relacionados con esta saga esperando que algún día pudiéramos ver contenido nuevo. Entonces, Takeuchi y Toei decidieron darnos una gran sorpresa en el marco de su 20º aniversario: Sailor Moon Crystal.
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Una nueva versión de una vieja guerrera
Muchos otakus crecimos con grandes memorias de la serie anime de los 90. Nos aprendimos de memoria los diálogos y las coreografías, aunque siempre nos quedamos con ganas de ver una versión más fiel a la visión original de Naoko Takeuchi.
Ese sueño se cumplió el 6 de julio de 2012, cuando Kōdansha y Toei Animation anunciaron el desarrollo de una nueva adaptación animada que tendría su estreno mundial en 2013. No obstante, problemas con la producción retrasaron su lanzamiento hasta 2014.
En marzo de ese año, se reveló el primer arte oficial, la sinopsis y el nuevo elenco de voces en japonés. La euforia se disparó al ver un estilo gráfico muy cercano a las ilustraciones de Takeuchi; no era de extrañarse, considerando que el argumento y el diseño del proyecto han contado con su supervisión desde el principio. Un reboot apegado a la historia del manga.
Pretty Guardian Sailor Moon Crystal gira alrededor de Usagi Tsukino, una joven de 14 años que cursa el segundo año de secundaria y se transforma en la guerrera conocida como Sailor Moon. Junto a sus amigas, las Sailor Guardians, deberá encontrar el legendario Cristal de Plata y a la misteriosa Princesa de la Luna para proteger a la Tierra de las fuerzas del mal. Todo esto, mientras averiguan si pueden confiar o no en su misterioso aliado Tuxedo Mask.
“Lo más importante de Usagi Tsukino es que ella lucha por lo que quiere y lo consigue. Tiene amigas que valen oro, están unidas y juntas cumplen sus metas. Sailor Moon me enseñó que las mujeres podemos lograr lo que queramos”, destaca Acevedo.
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Esta nueva versión dirigida por Munehisa Sakai tuvo un preestreno de su episodio inaugural el 30 de junio de 2014 –fecha de cumpleaños de Usagi–, para luego emitirse el primer y el tercer sábado de cada mes, iniciando el 5 de julio, a través del sitio de streaming Niconico con subtítulos en 12 idiomas. Obviamente, los latinos queríamos ver la versión doblada con las voces originales sí o sí, la cual disfrutamos finalmente en octubre de 2018 por TV Azteca en México.
“Ser parte de Sailor Moon me ha dado varias satisfacciones y retos. He tocado a varias personas gracias a Sailor Chibi Moon”, señala Cristina Hernández, reconocida directora y actriz de doblaje que da vida a la ‘Pequeña Dama’, en exclusiva a Cine PREMIERE.
Sailor Moon Crystal no estuvo libre de controversias. Las dos temporadas iniciales recibieron críticas por una pobre calidad de animación y en el diseño de personajes (se hicieron miles de memes con la excesiva delgadez de Usagi), así como por una colorización muy blanda y un CGI mal terminado en las secuencias de transformación de las Sailor Guardians. Afortunadamente, todos estos errores se corrigieron para las entregas en Blu-ray y la tercera temporada contaría con mucho mayor presupuesto.
En junio de 2017, se anunció que el arco “Sueño”, aquel correspondiente a la cuarta temporada en el anime clásico, sería adaptado en esta ocasión en dos películas bajo el título: Pretty Guardian Sailor Moon Eternal. Dichas cintas estuvieron programadas para llegar a los cines japoneses durante 2020, pero debido a la contingencia sanitaria derivada de la pandemia por COVID-19 pospusieron sus estrenos hasta principios de este 2021.
La pregunta era: ¿tendríamos alguna forma de disfrutar legalmente de ellas en Latinoamérica? Si algo nos ha enseñado Sailor Moon es que siempre puedes contar con un aliado para ayudarte a salvar el día.
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Sailor Moon Eternal en tu casa
Ese socio inesperado fue nada más y nada menos que Netflix. El pasado 27 de abril, el gigante del streaming sorprendió a propios y extraños al anunciar la adquisición de los derechos de Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película – Parte 1 y Parte 2 para su transmisión global a partir del 3 de junio fuera del país del sol naciente.
Ambos filmes –estrenados el pasado 8 de enero y 11 de febrero en Japón, respectivamente– representan el primer proyecto cinematográfico de Sailor Moon en ver la luz en 26 años, es decir, desde el largometraje Sailor Moon SuperS the Movie: Black Dream Hole en 1995. Aquí se narrarán las adversidades que Usagi y Chibi-Usa tienen que enfrentar para derrotar al Dead Moon Circus y salvar al Pegaso de los sueños.
“Este es mi arco favorito porque es cuando se da el contacto entre Chibi-Usa y su amor, Pegaso. Es la parte en la que el personaje desarrolla muchos matices: tiene tristeza, tiene amor, energía, rabia, de todo”, anticipa Hernández.
Para calmar los temores otakus, Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película cuenta con una animación excelente gracias a la mancuerna entre Toei Animation y Studio Deen (Ranma ½). La dirección recayó otra vez sobre los hombros de la veterana Chiaki Kon (Sailor Moon Crystal: Temporada 3) y el staff contó con la incorporación de Kazuo Tadano, el diseñador de personajes de la versión de los 90, quien le brinda a las Sailor Guardians y a Tuxedo Mask una apariencia más entrañable, sin despegarse demasiado del estilo del material de origen.
Esta es la jugada más reciente en la estrategia de Netflix para hacerse de un lugar importante en la industria del anime, luego de generar alianzas de producción con algunos de los estudios de animación nipones más reconocidos, sumar a su catálogo series del momento como Demon Slayer y continuar adquiriendo en exclusiva las licencias de streaming de decenas de producciones de alto perfil, como es el caso de Sailor Moon Eternal.
Al respecto, Fumio Osano, editor de toda la vida de Naoko Takeuchi, dijo en un comunicado:
“Durante mucho tiempo hemos esperado poder llevar la historia de Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película a las personas de todo el mundo, desde el lanzamiento inicial en Japón en enero y febrero de 2021. Hoy, nos complace llevar estas películas a nuestros fans a través de Netflix. En medio de estos tiempos desafiantes, es muy gratificante poder transmitirle al público los sentimientos de valor y esperanza al ver esta historia sobre el amor y la justicia”.
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El anuncio original estuvo acompañado por un dulce extra para las y los fanáticos en todo el mundo, pues Netflix traerá versiones dobladas en varios idiomas.
El doblaje en español latino estuvo bajo la dirección de la propia Patricia Acevedo y tiene como sorpresa adicional el retorno de Rocío Garcel, la querida voz de antaño de Luna, quien se había alejado de las nuevas versiones de la saga por cuestiones de salud y ahora encarnará a la Reina Neherenia.
“Los actores involucrados inmediatamente se sumaron al proyecto y para mi Sailor Moon es lo más maravilloso que me pudo haber pasado. Estoy feliz por estas películas. De verdad, tienen que ver estas películas, pues están maravillosas, muy bien hechas”, comenta emocionada Paty sobre el doblaje latino.
El reparto principal lo completan: Gerardo Reyero como Mamoru Chiba/Tuxedo Mask, Rossy Aguirre como Ami Mizuno/Super Sailor Mercury, Mónica Manjarrez como Rei Hino/Super Sailor Mars, Adriana Olmedo como Makoto Kino/Super Sailor Jupiter, María Fernanda Morales como Minako Aino/Super Sailor Venus, Paulina Soto Oliver como Haruka Tenoh/Super Sailor Uranus, Irma Carmona como Michiru Kaioh/Super Sailor Neptune, Betzabé Jara como Setsuna Meioh/Super Sailor Plut y Luis Navarro como Helios/Pegaso.
Han pasado más de 25 años desde que era una chiquilla en los pasillos de la escuela, pero espero este 3 de junio con ansias para volver a vivir aventuras con Usagi y sus amigas.
Y por supuesto, mis cuadernos siguen teniendo a Sailor Moon.
Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película – Parte 1 y Parte 2 se estrenan este jueves 3 de junio en Netflix.
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Cine y Tv
Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
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Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.
Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.
El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.
CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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