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“Sailor Moon es una serie adelantada a su época”: Gerardo Reyero

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Sailor Moon Gerardo Reyero

A Gerardo Reyero le costó mucho trabajo reconocerse como la voz de Mamoru Chiba, el eterno amor de Usagi Tsukino en la serie de anime Sailor Moon. No fue hasta que una fan se lo dijo firmemente en una convención que entendió que él era la voz de Tuxedo Mask y formaba parte de una saga que rompió con paradigmas y posicionó a la mujer como heroína.

“[Sailor Moon] le da un lugar maravilloso a la mujer y eso me fascina de esta historia”, dijo Gerardo en entrevista exclusiva a Cine PREMIERE con motivo de su participación en Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película, que se estrenó esta semana en Netflix.

El icónico actor de doblaje, reconocido por darle vida a otros personajes como Freezer de Dragon Ball, Han Solo en Star Wars o Capitanazo de La casa de los dibujos, incluso toma con humor su increíblemente popular papel como el interés romántico de Usagi, ya que muchas veces es él quien debe ser rescatado. Pero aún más importante, ve en esta franquicia el valor de sus diferentes representaciones del amor con un sentimiento universal.

Esto fue lo que platicamos con Gerardo Reyero acerca de Sailor Moon:

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Cuando hablamos de Tuxedo Mask, nos referimos a un personaje que originalmente no era tuyo, pero una vez que lo tomaste se volvió tuyo o al menos es así en la mente del fan. ¿Qué significa Darien/Mamoru Chiba para Gerardo Reyero? 

Fíjate que cuando yo entré a doblarlo era de Genaro Vásquez y recuerdo decirle a Paty Acevedo, que ha sido la directora de doblaje de esta serie por muchos años –y volvió a hacerlo ahora en la película–: “Pero… es que la voz de Genaro y la mía no son para nada parecidas. No pensarías en darnos el mismo personaje nunca. Él tiene una voz más juvenil y yo siempre he tenido una voz más madura. Entonces, Paty me dijo: “Justamente eso lo que quiero. Quiero que Darien ya deje de ser tan inmaduro y tan juvenil, que se convierta en alguien más maduro, en alguien de quien Serena se pueda enamorar. Ella quería que Darien se sintiera realmente como un hombre mayor que ella y quería reflejarlo a través de la voz y de la interpretación. “Vamos a rehacer al personaje. No quiero que hagas nada de lo que él hacía. Será completamente diferente. Vamos a transformarlo en un caballerito; esa fue la instrucción de Paty Acevedo. Y creo que fue una muy acertada porque siempre lo trabajamos como un caballerito, como uno de estos jóvenes que en realidad son señores muy jóvenes, que se convierten en señorcitos. A mí me tocó también ser un señorcito. Fui muy serio desde jovencito y ya tenía una voz fuerte, entonces, incluso llegaban a pensar que yo era mayor. Así que Darien me cayó maravillosamente bien. Lo único que tuve que hacer, eso sí te lo puedo asegurar, fue trabajar en mis registros agudos para que tampoco se oyera tan mayor. Pero me encantó, y cuando por fin pude aceptar que yo era Darien en esta nueva convención pude empezar a hacerlo mío.

He tenido gracias a Darien las anécdotas más hermosas y más bizarras que con ningún otro personaje. De verdad, ninguno me ha dado las anécdotas que he tenido con Darien, como este caso de una niña con discapacidad visual de Mérida. He contado esto muchas veces, pero ella se acercó a mí, la llevaron en silla de ruedas, y en cuanto me escuchó, me dijo: “¡Darien, Darien! Yo todavía sonso le dije: “¡No! ¿Cómo crees? Yo no soy Darien. Su acompañante, que era otra mujer, me dijo: “No, señor. Por favor, no le diga eso, porque para ella existe el referente de la serie y para ella mí voz es el personaje. No sabes como me cayó el veinte y puede entender perfectamente lo que es nuestra carrera, pero no solamente lo que es en importancia, sino en responsabilidad y en compromiso con el público que nos escucha, el público que nos reconoce a través de las series. Desde entonces, hago mi trabajo desde otra perspectiva, sabiendo que a alguien más le puede significar toda su juventud, toda su niñez. Darien en ese sentido es quien me cambió la forma de ver y de hacer mi trabajo.

¡Qué maravilloso, Gerardo! Y ahora que ya han pasado 25 años, ¿cómo te has sentido al retomar a este personaje?

Con una gran responsabilidad. Antes los actores de doblaje éramos unos perfectos desconocidos y, de repente, con las redes sociales, pues empezaron a ubicarnos con mayor facilidad. Entonces, llegó Sailor Moon Crystal. ¿Quién van a hacer a Darien? Empezaron una rebatinga entre los fans que me encantó: “Yo quiero a los mismos; “¡No! Yo quiero nuevos porque ya se vayan a oír viejitos. Incluso hicieron encuestas de a quién querían: ¿el señor Vásquez?, ¿el señor Reyero?, ¿algún otro? Yo fascinado, pues tu sabes que todo esto, la publicidad sea buena o mala, nos conviene siempre. Se hizo tanto ruido que llegó a oídos de Toei y dijeron: “Está bien. Vamos a hacer pruebas de voz para ver quien se quedará ahora con Mamoru. Finalmente, me quedé yo, ya sea porque era quien más tiempo lo había hecho o no sé quien escogería allá en Toei, no tengo idea. Y es Toei, así que tenía miedo porque pensaba en que también hago a Freezer y pudieran decir: “¡No queremos a Freezer como Mamoru!“ [ríe]. 

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Esa dicotomía que señalas en bien interesante. Haces a uno de los villanos más maravillosos de la historia, pero también haces a uno de los héroes más románticos. ¿Cómo logras pasar de Freezer a Mamoru? 

¿Sabes? Mucha gente no sabía que yo era Darien; no sabían que yo era Mamoru. Me decían: “Tú, eres Freezer. Entonces, empezaba a hacer a Mamoru y decían: “Oh, ¡también eres Mamoru! [ríe]. Chicos, se llama actuación. Justamente los actores somos adictos a la actuación porque nos encanta interpretar diferentes personajes. Hoy podemos hacer Otelo, de William Shakespeare; mañana, somos alguien en Los albañiles, de Vicente Leñero; y pasado mañana somos otros personajes. El doblaje es maravilloso porque un día somos Superman; otro día podemos ser el Capitanazo; otro día podemos ser La Máscara; otro día podemos ser Freezer. Y eso es una bendición. Claro, siempre y cuando seas actor. Es un hecho que si no eres actor te va a ser muy complicada la carrera. Tenemos que interpretar y ese es el reto.

¿Cuál ha sido la enseñanza más importante que te ha dejado la saga de Sailor Moon?

Sailor Moon es una serie adelantada a su época. Un personaje que sin duda rompió paradigmas y posicionó a la mujer como heroína, le dio un lugar en el mundo de los superhéroes y eso me parece maravilloso. Yo me burlaba, me burlo mucho incluso hasta el día de hoy en las convenciones, cuando digo que Serena tiene un novio que no sirve para nada, porque cada que la quiere rescatar al que tienen que terminar rescatando es a él, pues termina golpeado, todo mallugado o secuestrado, y lo tiene que salvar Sailor Moon. Él sólo avienta una rosa y trepado en un poste perfectamente vestido de frag grita: “¡Hazlo ahora, Sailor Moon!; es lo único que hace [ríe]. La serie le da su lugar al hombre, sí, pero le da un lugar maravilloso a la mujer y eso me fascina de esta historia. Sailor Moon habla también del poder del amor y eso es importante. La fuerza del amor que está presente en la amistad entre ellas; la fuerza del amor entre pareja; la fuerza del amor de padres a hijos, en el caso de Chibi-Usa; la fuerza del amor entre parejas no convencionales. Todo eso me parece maravilloso porque el amor es amor, el amor es universal. Eso es lo que me deja a mí como gran enseñanza Sailor Moon y es lo que tratamos de proyectar a través de nuestro trabajo, lo que trato de proyectar yo haciendo a Mamoru Chiba, un ser totalmente amoroso, tierno, caballeroso, respetuoso y quien ama profundamente a Usagi, a su hija y al planeta entero. 

Pretty Guardian Sailor Moon Eternal: La película  Parte 1 y Parte 2 ya está disponible en Netflix. Puedes leer nuestra crítica AQUÍ mismo.

La entrada “Sailor Moon es una serie adelantada a su época”: Gerardo Reyero se publicó primero en Cine PREMIERE.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

La entrada Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato se publicó primero en Cine PREMIERE.

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