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Leonora Carrington y sus lazos con el cine mexicano
La pintura, la literatura, la escultura o la escenografía… El arrojo artístico de Leonora Carrington, en su insaciabilidad, supo dirigirse a distintos mecanismos de creación que erigieron aquello que hoy en día atesoramos como un legado invaluable. En los años 40, escapando de los estragos de la Segunda Guerra Mundial, una veinteañera Carrington (nacida en Inglaterra) encontró un hogar definitivo en la Ciudad de México, donde su obra pudo evolucionar y proliferar hasta convertirla en una de las exponentes del surrealismo más relevantes del mundo.
Si bien la corriente surrealista –al igual que gran parte del vanguardismo del siglo XX– hizo alarde del cine como medio de expresión, curiosamente Carrington prefirió eludir la imagen en movimiento y mantener su enfoque en las letras y artes plásticas. Sin embargo, la imaginación desbordante de la creadora y su afinidad con los intelectuales mexicanos la llevaron a colaborar en un par de filmaciones, al frente y detrás de cámaras. Así lo hizo a partir de los años 60, sin necesidad de desprenderse de su excepcional visión subversiva. Todo lo contrario: sus créditos en cine, aunque mínimos, habrían servido para reafirmar semejante cualidad.
Abrazar el surrealismo implicaba postularse en contra de la norma y de cualquier ejercicio de represión, derivado de la moral imperante en la sociedad. Sin tratarse estrictamente de cine surrealista –donde Un perro andaluz (1929) de Luis Buñuel ocupa las posición más venerada–, las contadas películas en las que intervino Leonora Carrington habrían presumido de un espíritu rebelde afín, por no decir revolucionario, en un momento en que la cinematografía mexicana exigía una bocanada de aire fresco.
La pintora vuelta actriz
Muchos podrían pensar que el primer acercamiento de Leonora Carrington al séptimo arte fue a través del diseño de producción o quizá por medio de algún guion de su autoría… Pues no, en realidad ella nunca estuvo acreditada como guionista de cine e independientemente de su oficio como escenógrafa, su debut para la pantalla grande estuvo limitado a cameos en dos películas de 1965. Una de ellas fue el mediometraje El alma pura, de Juan Ibáñez, inspirado en el homónimo cuento de Carlos Fuentes y versado sobre la relación incestuosa entre dos hermanos. Su segunda aparición fue en el largometraje En este pueblo no hay ladrones de Alberto Isaac, sustentado en el relato homónimo de Gabriel García Márquez, donde una pequeña población se vuelve víctima de un insólito robo.
Ambos títulos se produjeron poco después de que el Grupo Nuevo Cine cambiara las reglas del juego. Dicho colectivo estuvo compuesto por una joven generación de cineastas y críticos que, para 1961, soñaba con superar «la crisis económica y creativa» padecida por el cine mexicano (vía). Juan Ibáñez y Alberto Isaac fueron hijos de esta revolución fílmica en nuestro país y justamente sus primerísimas películas son las que mencionamos líneas arriba, con Leonora Carrington a cuadro. En El alma pura, la prestigiosa artista dio vida a una madre y esposa refinada y conservadora, mientras que para En este pueblo no hay ladrones, encarnó a una viuda devota a través de una escena en la cual también destaca un cameo de Luis Buñuel, en el papel de un cura.
Estos roles cinematográficos de Carrington habrían sido una apropiación burlona de aquellas ideologías que –como surrealista y feminista– sencillamente no concordaban con su propia manera de pensar, según es argumentado en Leonora Carrington on and off Screen, artículo académico de 2019, respaldado por la Universidad Edge Hill en Reino Unido. En la vida real, la británica nacionalizada mexicana creció bajo la sombra de la religión católica y del conservadurismo, inherentes al sistema patriarcal, pero nunca se dejó esposar por tales grilletes de moralidad. Al establecerse como una opositora del status quo, su interpretación de un personaje de mentalidad cerrada o uno entregado al catolicismo era entonces sólo un acto de sátira consciente de sí misma.
Fuera de cuadro y casi una década después, Leonora Carrington fungió como supervisora de arte en el largometraje de terror La mansión de la locura (1973) de Juan López Moctezuma, siendo éste su tercer y último crédito como colaboradora en una producción cinematográfica. Los escenarios ideados por ella habrían nacido del mismo interés en la magia y el simbolismo que brindó sentido a sus pinturas y esculturas, además de que la historia de la cinta aparentaba ir en la línea de escritos suyos, como La casa del miedo (1938) y de su propia experiencia en un hospital psiquiátrico.
Habiendo expuesto sus lazos con el cine mexicano, finalmente conviene recordar que Carrington también ha sido el centro de atención en varios documentales que abordan su abundante trabajo en las artes plásticas. Uno de ellos se titula Invocación Surrealista. Leonora Carrington (2007) el cual pueden ver gratis desde el canal de YouTube de TV UNAM.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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