Cine y Tv
Audrey Hepburn: Sus mejores películas

Audrey Hepburn siempre quiso ser bailarina, pero las secuelas de la II Guerra Mundial le impidieron concretar el sueño. Esto la hizo apuntar hacia la actuación. Y no pasó mucho tiempo para que se posicionara entre las actrices más talentosas y queridas de su generación. Su talento le permitió deambular por distintos géneros con gran éxito, pero su carisma le convirtió en todo un referente de la comedia romántica. No conforme con ello, su porte y su elegancia la inmortalizaron como un símbolo del glamour que imperaba en la industria cinematográfica de la época. A continuación las mejores películas de Audrey Hepburn.
Romance al atardecer (Dir. Billy Wilder, 1957)

Audrey Hepburn y Billy Wilder se reencontraron tres años después de Sabrina con Romance al atardecer. Inspirada en la sensual Ariane de Claude Anet, relata la historia de una joven enamorada del amor, aunque poco familiarizada con él. Lo que le motiva a ayudar a un conquistador en riesgo de ser asesinado por el esposo de su amante. La cinta fracasó en Estados Unidos, no sólo por la controvertida naturaleza de su historia, sino por la marcada diferencia de edad entre Audrey y Gary Cooper.
Su recepción fue considerablemente mejor en Europa, donde se le considera una joya poco valorada muy al estilo del escritor y director Ernst Lubitsch. También se le considera un filme clave para su consolidación de la belga en la comedia romántica. Pues ésta y La Cenicienta en París (1957) fueron las cintas con las que intentó retomar el rumbo al año siguiente de su poco memorable adaptación de Guerra y paz (1956).
Un camino para dos (Dir. Stanley Donen, 1967)

Tercera y última colaboración entre Audrey Hepburn y Stanley Donen. Quienes tal y como hicieron con La Cenicienta en París y Charada, jugaron con las variantes de la comedia romántica. Esta vez con una tragicomedia que explora los altibajos al interior de una relación sentimental. Esto la obligó a realizar una interpretación más aterrizada y madura, lo que desembocó en una de las mejores actuaciones de toda su carrera. Así como en uno de sus personajes más icónicos. Su labor fue brillantemente complementada por Albert Finney, cuyo talento y buena química con la actriz demostraron las razones por las que le ganó el puesto a los más cotizados Paul Newman y Michael Caine. Finalmente, está la presencia de Henry Mancini, un recurrente en la obra de Hepburn y quien consideró que la música compuesta para esta película fue la mejor de toda su carrera.
La Cenicienta en París (Dir. Stanley Donen, 1957)

Se dice que Audrey Hepburn pudo ser todo un referente del cine musical de haber participado en Gigi (1958), título que rechazó en beneficio de Funny Face. Lejos de arrepentirse por la decisión, siempre lo consideró uno de sus proyectos más queridos. Ya que le permitió cumplir sus sueños de bailarina y compartir pasos con el mítico Fred Astaire. La actriz interpreta a la intelectual empleada de una librería que termina convirtiéndose en fuente de inspiración de un cotizado fotógrafo. Lo que desemboca en el inicio de una carrera como modelo. Lo que ella ve como su oportunidad para conocer París y asistir a las pláticas de un prestigiado filósofo.
Fracasó durante su estreno e incluso se le consideró uno de los peores exponentes del musical norteamericano, destacando únicamente el trabajo de su elenco. El tiempo le hizo justicia, pues sólo unos años después ganó aceptación y hoy es una cinta indispensable en la filmografía de su protagonista.
Espera la oscuridad (Dir. Terence Young, 1967)

Aunque suele ser considerada un referente de la comedia romántica, Audrey Hepburn tuvo un paso memorable por el thriller con Espera la oscuridad. Donde interpreta a una mujer que recién se ha quedado invidente tras un accidente automovilístico y cuya tranquilidad se ve usurpada cuando tres criminales ingresan en su apartamento. Su preparación fue intensa, pues tomó clases de lectura en braille y uso del bastón en un instituto especializado. Lo que le resultó especialmente útil en el perturbador tercer acto sucedido en una oscuridad casi absoluta. Estos esfuerzos también serían reconocidos por la Academia, que le concedió una quinta y última nominación al Oscar en toda su carrera. La cinta también tiene un lugar especial entre los aficionados de la actriz. Ya que representó su último trabajo en nueve años, un semiretiro para dedicarse a su familia y que terminó con Robin y Marian (1976).
Sabrina (Dir. Billy Wilder, 1954)

Un auténtico cuento de hadas urbano, sobre una modesta joven que debe decidirse entre un hombre desobligado del que siempre estuvo enamorada. Pero que sólo le prestó atención cuando se tornó refinada tras un viaje europeo, o su sobrio hermano que siempre la apreció por cómo era. A pesar de la buena química entre la actriz y su coprotagonista Humphrey Bogart, el rodaje fue complicado porque este último se decía incómodo con el género, lo que no afectó el resultado del filme que suele ser considerado uno de los más memorables en las carreras de ambos actores.
Como prueba, sus seis nominaciones al Oscar destacando Mejor director para Billy Wilder y Mejor actriz para la propia Hepburn. La cinta también marcó la primera colaboración de la fémina con el diseñador Hubert de Givenchy, una alianza que sería determinante para que la belga se convirtiera en todo un emblema del glamour hollywoodense.
Historia de una monja (Dir. Fred Zinnemann, 1959)

Historia de una monja no tiene al personaje más popular de Audrey Hepburn, pero sí que tiene la mejor interpretación de su carrera. La adaptación a la novela homónima de Kathryn Hulme explora la historia de una joven que abandona una vida de comodidades para integrarse a la religión y con ello a las misiones europeas que buscaban mejorar las condiciones de distintos pueblos africanos. También se le considera el rol que cambió para siempre el destino de la actriz: su naturaleza dramática reveló una faceta pocas veces vista en su carrera y la afianzó entre las más talentosas de su generación; sus exigencias le enseñaron a usar su propio dolor en la construcción de los personajes que así lo requirieran; sus satisfacciones al momento de ayudar a otros le motivaron a realizar toda clase de ayuda humanitaria en colaboración con Naciones Unidas.
Mi bella dama (Dir. George Cukor, 1964)

Uno de los roles más divertidos en la carrera de Audrey Hepburn, cuya modesta Eliza Doolittle pasa de tener serios problemas de dicción a ser confundida con toda una dama de la alta sociedad británica gracias a la intervención de un profesor de fonética. Una interpretación memorable, pero opacada por la polémica cuando la actriz fue elegida por encima de una poco conocida Julie Andrews. Quien había interpretado al personaje en la puesta teatral homónima. A esto sumemos el doblaje a la voz de Hepburn para las canciones. Una decisión de último minuto que fue devastadora para la actriz y que resultó determinante para su omisión en los Premios de la Academia, que reconocieron a Mi bella dama con ocho estatuillas, incluyendo Mejor actor, director y película.
Charada (Dir. Stanley Donen, 1963)

Audrey Hepburn estuvo cerca de trabajar con Alfred Hitchcock en la nunca realizada No Bail for the Judge. Pero rechazó el proyecto porque incluía una escena de violación. Por ello su presencia en Charada es tan curiosa, pues sus similitudes con la obra del Maestro del suspenso le han llevado a ser etiquetada como la mejor película de Hitchcock que no fue realizada por Hitchcock.
Hepburn interpreta a una mujer perseguida por un grupo de extraños sujetos que quieren hacerse con una fortuna robada por su recién asesinado marido. Su único apoyo recae en un no menos enigmático sujeto interpretado por Cary Grant, quien curiosamente fue uno de los actores más recurrentes en la obra del cineasta británico. El carisma y la buena química de ambos actores resultó en uno de los thrillers más cautivadores de todos los tiempos, gracias a que sus giros y sus atinados usos de la violencia coexistieron perfectamente con sus numerosos toques humorísticos.
Vacaciones en Roma (Dir. William Wyler, 1953)

Muchos se sorprendieron cuando William Wyler se decantó por una poco conocida Audrey Hepburn por encima de la experimentada Jean Simmons para Vacaciones en Roma, primera película hollywoodense filmada completamente en Italia y cuya protagonista debía ser todo lo contrario de las sensuales actrices italianas de la época. La incógnita se despejó con su brillante interpretación de la princesa Anna, quien dominada por la jovialidad y la inocencia, aprovecha cada minuto de su inesperada libertad al lado del periodista Joe Bradley, interpretado por un memorable Gregory Peck. Su éxito se concretó cuando fue reconocida por el Premio de la Academia, primero y único de su carrera, en una complicada terna donde superó a las míticas Ava Gardner y Deborah Kerr. La cinta también marcó la primera de tres colaboraciones entre Hepburn y Wyler, quienes se reencontraron con La mentira infame (1961) y la muy querida Cómo robar un millón (1966).
Desayuno con diamantes (Dir. Blake Edwards, 1961)

Quizá no sea la mejor adaptación a la novela homónima de Truman Capote. Aunque la esencia del personaje impreso es respetada durante el primer acto, ésta se difumina con los minutos para desembocar en una comedia romántica al más puro estilo hollywoodense. Lo que invariablemente resulta en la pérdida del mensaje original sobre una Cenicienta contemporánea incapaz de vivir feliz para siempre a consecuencia de sus errores y ambiciones. Aun así, la película se ha convertido en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos gracias al talento y carisma de Audrey Hepburn. Cuya interpretación de Holly Golightly resultó en un cuento de hadas completamente distinto, aunque igual de imperfecto. Al cimentarse sobre la inocencia de una joven que lo abandona todo para perseguir sueños de riqueza en la gran ciudad, los cuales son reemplazados por el amor de un hombre tan necesitado emocional y sentimentalmente como ella.
Y como toque final, la exquisita Moon River que se mantiene firme entre los grandes temas musicales de todos los tiempos. Se dice que el autor nunca estuvo satisfecho con la protagonista y que siempre vislumbró a Marilyn Monroe en el papel. Quizá habríamos visto un filme más fidedigno, pero difícilmente tan querido como el que tenemos hoy en día.
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ARIEL 2026: Lista completa de nominados
La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) continúa con su objetivo de promover e impulsar la calidad del cine en nuestro país, es por eso que este 2026 celebra una nueva edición de los Premios Ariel.
Desde su resurgimiento en 1972, el Ariel no para de reconocer públicamente a los mejores profesionales del cine en México. Para su 68ª edición, este no deja de ser su propósito; así que entérate aquí sobre quiénes son los nominados en las 25 categorías que premia la AMACC este 2026.
Rumbo al Ariel 2026
Aunque para la edición de este año se recibieron 151 películas, 67 largometrajes, 84 cortometrajes y 10 películas iberoamericanas, la lista oficial consta únicamente de 49 películas nominadas, mismas que se podrán ver a lo largo del ciclo de exhibición “Rumbo al Ariel 2026”.
Durante este ciclo, las películas se presentarán de forma gratuita, incluyendo las transmisiones de los cortometrajes de ficción, animación y documental en los canales que conforman la Red de Radiodifusoras y Televisoras Educativas y Culturales de México. Asimismo, pensando en las preferencias del público, también se podrán disfrutar en funciones diarias a través de la plataforma de streaming, FestivalOpen!
¿Cuándo se celebrará la ceremonia del Ariel 2026?
La ceremonia de entrega del premio Ariel 2026 se llevará a cabo el próximo 3 de octubre.
Nominaciones por categoria
Actor
- Andrés Catzín | Cosmos
- Ernesto Rocha | Adiós, amor
- Hoze Meléndez | Cocodrilos
- Mauricio Isaac | Café Chairel
- Osvaldo Sánchez | En el camino
Actriz
- Ángela Molina | Cosmos
- Diana Sedano | Juana
- Emma Dib | La eterna adolescente
- Mónica del Carmen | Las mutaciones
- Natalia Reyes | Aún es de noche en Caracas
Coactuación femenina
- Arcelia Ramírez | Cocodrilos
- Margarita Sanz | Juana
- Ángeles Cruz | Las locuras
- Ruth Ramos | La eterna adolescente
- Teresita Sánchez | Cocodrilos
Coactuación masculina
- Bernardo Gamboa | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Héctor Kotsifakis | Pérdida total
- Manuel Cruz Vivas | Cocodrilos
- Mariano López Sosa | En el camino
- Roberto Sosa | Las locuras
Cortometraje animación
- Azulesepia | Dir. Luis Manuel Villarreal Dávila
- Desdoblándome | Dir. Natalia Pájaro
- Te prometo violencia | Dir. Juan María León Piña
- Teatro Secreto | Dir. Diego Martínez Gutiérrez
- Wing Shop | Dir. Andrea León Gutiérrez, Gabriela Rojas Bustos, Sascha Schmit
Cortometraje documental
- La mar | Dir. Jean Chapiro Uziel
- Las voces del despeñadero | Dir. Victor Rejón, Irving Serrano
- Mácula | Dir. Mariana Xochiquétzal Rivera García
- Mujer de barro | Dir. Concepción Vásquez
- Toda la vida para siempre | Dir. Sebastián Molina Ruiz
Cortometraje ficción
- Azul | Dir. David Karlak
- Crónica menor | Dir. Francisco Usiel
- Oc ni temiki (sigo soñando) | Dir. Misael Alva
- Techiq | Dir. Missael Sánchez Arce
- Una torreta en llamas | Dir. Humberto Flores Jáuregui
Dirección
- David Pablos | En el camino
- Ernesto Martínez Bucio | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Gabriel Mascaro | O último azul
- Lucía Gajá | Vidas en la orilla
- Pablo Pérez Lombardini | La reserva
Diseño de arte
- Belén Estrada | En el camino
- Christian Alfredo Galindo García, Consuelo Ileana Martínez Ruiz | Autos, mota y rocanrol
- Daniela Rojas | Juana
- Ezra Buenrostro | Aún es de noche en Caracas
- Salvador Parra | Vainilla
Edición
- Alfonso Gastiaburo, Ana García, Lucía Gajá | Vidas en la orilla
- Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata, Odei Zabaleta | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Jonathan Pellicer | En el camino
- Jorge Marquéz | Gerry Adams: El hombre de Ballymurphy
- Omar Guzmán, Sebastián Sepúlveda | O último azul
Efectos especiales
- Arturo Vázquez | Contraataque
- Gerardo Muñoz, Omar Israel Ayala de la Peña | Un cuento de pescadores
- José Martínez «Josh» | Mujeres del alba
- Luis Ambriz | Cocodrilos
- Ricardo Arvizu | Aún es de noche en Caracas
Efectos visuales
- Amet Ramos | Un cuento de pescadores
- Gaston Alvárez | Autos, mota y rocanrol
- Jorge Palma Bermúdez | En el camino
- María José Straffon | Soy Frankelda
- Paula Siqueira, Raúl «Ratón» Luna | Aún es de noche en Caracas
Fotografía
- Germinal Roaux, Inti Briones | Cosmos
- Guillermo Garza | O último azul
- Juan Pablo Ramírez | Aún es de noche en Caracas
- Moritz Tessendorf | La reserva
- Ximena Amann (AMC) | En el camino
Guión adaptado
- Javier Peñalosa, Mariana Chenillo | Los dos hemisferios de Lucca
- Jimena Montemayor Loyo | Mujeres del alba
- Jorge Hérnandez Aldana | La sombra del catire
- Jorge Ramírez-Suárez | Las mutaciones
- Mariana Josefina Rondón García, María Teresa Ugás Castro | Aún es de noche en Caracas
Guión original
- David Pablos | En el camino
- Ernesto Martínez Bucio, Karen Plata | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Gabriel Mascaro, Tibério Azul | O último azul
- Germinal Roaux | Cosmos
- Pablo Pérez Lombardini | La reserva
Largometraje animación
- La gran historia de la filosofía occidental | Dir. Aria L. Covamonas
- Soy Frankelda | Dir. Arturo Ambriz Rendón, Rodolfo Ambriz Rendón
Largometraje documental
- Brigada 2045 | Dir. Olivia Luengas Magaña
- Gaza, la franja del exterminio | Dir. Rafael Rangel
- La libertad de Fierro | Dir. Santiago Esteinou
- Llamarse Olimpia | Dir. Indira Cato Cortes
- Vidas en la orilla | Dir. Lucía Gajá
Maquillaje
- Adam Zoller | En el camino
- Alejandra Velarde | Vainilla
- Gerardo Muñoz | Un cuento de pescadores
- Karina E. Monroy | Autos, mota y rocanrol
- Karina Rodríguez | Aún es de noche en Caracas
Música original
- Andrea Balency-Bearn | En el camino
- María Giménez Cacho Goded | Juana
- Memo Guerra | O último azul
- Yolihuani Curiel Balzareti | Brigada 2045
- YOM | La reserva
Ópera prima
- Cocodrilos | Dir. J. Xavier Velasco
- El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) | Dir. Ernesto Martínez Bucio
- Juana | Dir. Daniel Giménez Cacho
- La reserva | Dir. Pablo Pérez Lombardini
- Vainilla | Dir. Mayra Hermosillo
Película iberoamericana
- Belén (Argentina) | Dir. Dolores Fonzi
- La misteriosa mirada del flamenco (Chile) | Dir. Diego Céspedes
- Los domingos (España) | Dir. Alauda Ruiz de Azúa
- Manas (Brasil) | Dir. Marianna Brennand
- Un poeta (Colombia) | Dir. Simón Mesa Soto
Revelación actoral
- Aurora Dávila | Vainilla
- Carolina Guzmán | La reserva
- Donovan Said | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Laura Uribe Rojas | El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
- Victor Miguel Prieto Simental | En el camino
Sonido
- Alex de Icaza, David Montero | Autos, mota y rocanrol
- Antonio Porém Pires, Lena Esquenazi, Nayuribe Montero | Aún es de noche en Caracas
- Arturo Salazar, Liliana Villaseñor, María Alejandra Rojas, Vincent Sinceretti | O último azul
- Carlos Cortés Navarrete (C.A.S.), Miguel Mata, Odín Acosta Ascencio | Brigada 2045
- Denis Sechaud, Ivan Dumas, Raphaël Sohier | Cosmos
Vestuario
- Brenda Gómez | Aún es de noche en Caracas
- Felipe Criado | En el camino
- Felipe Criado | Cosmos
- Gilda Navarro | Vainilla
- Gilda Navarro, Joanna Nogueiras Yankelevich | Autos, mota y rocanrol
Película
- El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) | Mandarina Cine, Dir. Ernesto Martínez Bucio
- En el camino | Animal de Luz Films, Dir. David Pablos
- La libertad de Fierro | Javier Campos López, Santiago Esteinou, Dir. Santiago Esteinou
- O último azul | Cinevinay, Desvia, Dir. Gabriel Mascaro
- Vainilla | Huasteca CC, Redrum, Dir. Mayra Hermosillo
Te invitamos a que no te pierdas la transmisión de este evento, en el cual este año se galardonarán con el Ariel de Oro al documentalista Demetrio Bilbatúa y la actriz Rosita Arenas.
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Cine y Tv
Películas que marcaron tendencia en moda, belleza y preferencias olfativas
Las películas tienen la capacidad de influir en mucho más que las conversaciones posteriores a una función. A lo largo de la historia, numerosas producciones lograron modificar hábitos de consumo, inspirar estilos de vestimenta y popularizar determinadas formas de entender la belleza. Algunas incluso dejaron huella en aspectos menos visibles, como las preferencias relacionadas con perfumes y aromas.
La conexión entre cine y tendencias existe prácticamente desde los comienzos de la industria. Los espectadores observan cómo se visten los personajes, qué accesorios utilizan, cómo se peinan y qué tipo de estilo proyectan. Con el paso del tiempo, muchas de esas características terminan trasladándose a la vida cotidiana, impulsando fenómenos culturales que trascienden la pantalla.
Desayuno en Tiffany’s y el nacimiento de un ícono
Cuando Desayuno en Tiffany’s llegó a los cines en 1961, pocos imaginaban el impacto que tendría en la cultura popular. La imagen de Audrey Hepburn vestida de negro frente a una joyería neoyorquina se convirtió rápidamente en una referencia global de elegancia.
La película ayudó a consolidar una idea de sofisticación basada en la simplicidad, donde los accesorios, el maquillaje y la actitud tenían tanta importancia como las prendas elegidas. Décadas después, continúa siendo una fuente de inspiración para diseñadores, estilistas y amantes de la moda.
Además de influir en la vestimenta, este tipo de producciones contribuyó a reforzar la asociación entre glamour, cuidado personal y determinados hábitos vinculados con la imagen.
Sexo en la Ciudad y el lujo cotidiano
Aunque nació como serie televisiva, Sex and the City tuvo una continuidad cinematográfica que consolidó aún más su influencia cultural.
Los personajes no solo marcaron tendencias en moda, sino también en accesorios, cosméticos y estilos de vida. La narrativa presentó una visión del lujo integrada a la rutina cotidiana, donde cada elección estética parecía formar parte de una declaración personal.
Este fenómeno impulsó el interés por marcas exclusivas y productos asociados a una determinada imagen de sofisticación. Dentro de ese contexto más amplio, comenzaron a ganar relevancia numerosas conversaciones relacionadas con fragancias masculinas y femeninas que complementaban determinados estilos.
En algunos espacios especializados dedicados a la perfumería, por ejemplo, aparecen referencias a bharara king dentro de discusiones vinculadas con tendencias contemporáneas y preferencias aromáticas.
Casino Royale y el regreso de la elegancia masculina
La llegada de Daniel Craig al papel de James Bond marcó una nueva etapa para uno de los personajes más emblemáticos del cine.
Casino Royale presentó una imagen masculina basada en la elegancia clásica, los trajes bien confeccionados y una estética refinada que influyó en tendencias posteriores. A diferencia de otras producciones centradas exclusivamente en la acción, la película otorgó gran importancia a la construcción visual del protagonista.
La influencia de James Bond sobre la moda masculina tiene décadas de historia. Sin embargo, esta versión logró acercar nuevamente ciertos códigos tradicionales a una audiencia contemporánea.

El cine y el universo de las fragancias
Aunque los perfumes no pueden percibirse directamente en una sala de cine, numerosas películas han contribuido indirectamente a despertar interés por el mundo de los aromas.
Los personajes elegantes, los ambientes sofisticados y las historias vinculadas al lujo suelen generar curiosidad sobre los detalles que completan una determinada imagen. Entre ellos, las fragancias ocupan un lugar destacado.
Actualmente, las redes sociales amplifican este fenómeno. Los espectadores ya no se limitan a comentar una película; también investigan productos asociados a los estilos que observan en pantalla.
Por ese motivo, búsquedas relacionadas con el perfume Bharara King pueden aparecer entre personas interesadas en explorar opciones vinculadas a una determinada estética o perfil de sofisticación.
La construcción de una identidad visual completa
Uno de los aspectos más interesantes del cine es su capacidad para presentar personajes coherentes en todos sus detalles.
Vestuario, maquillaje, accesorios, lenguaje corporal y entornos forman parte de una construcción cuidadosamente planificada. Esa coherencia suele resultar atractiva para el público, que muchas veces intenta incorporar algunos elementos a su propia imagen.
En la actualidad, algunas personas interesadas en perfumería investigan opciones como versace eros cuando exploran fragancias asociadas a estilos contemporáneos de elegancia masculina.
Tendencias que trascienden generaciones
No todas las películas mantienen su influencia con el paso del tiempo. Sin embargo, ciertas producciones logran conservar relevancia incluso décadas después de su estreno.
Esto ocurre porque sus propuestas estéticas consiguen superar modas pasajeras y transformarse en referencias culturales más amplias. Los personajes, los vestuarios y los códigos visuales continúan inspirando nuevas interpretaciones adaptadas a cada época.
Dentro de ese ecosistema de recomendaciones e intereses compartidos también aparecen consultas vinculadas con Versace Eros y su precio, reflejando cómo la influencia cinematográfica puede extenderse hacia ámbitos tan diversos como la moda, la belleza y las preferencias olfativas que acompañan la construcción de una identidad personal.

Grease y el poder de una estética reconocible
La década de 1970 encontró en Grease una de sus expresiones más influyentes. Aunque la historia estaba ambientada en los años cincuenta, la película revitalizó tendencias relacionadas con peinados, maquillaje y estilos de vestimenta que volvieron a ganar popularidad entre nuevas generaciones.
Las camperas de cuero, los pantalones ajustados y los peinados cuidadosamente trabajados se transformaron en símbolos fácilmente identificables. La producción demostró cómo el cine podía rescatar modas del pasado y convertirlas nuevamente en objeto de deseo.
El fenómeno también puso en evidencia que la construcción de una imagen personal no depende exclusivamente de la ropa, sino de una combinación de elementos visuales y actitudinales.
El Diablo Viste a la Moda y la influencia de la industria fashion
Pocas películas exploraron el universo de la moda con tanto detalle como El Diablo Viste a la Moda. La producción permitió que millones de espectadores conocieran algunos mecanismos internos de una industria caracterizada por las tendencias cambiantes y la búsqueda constante de innovación.
Uno de los aspectos más interesantes de la película es la manera en que muestra cómo pequeños detalles pueden transformar completamente una imagen. Accesorios, maquillaje, peinados y elecciones de vestuario aparecen como herramientas capaces de comunicar personalidad, ambición o pertenencia a determinados círculos sociales.
Más allá de la alta costura, esa misma lógica de traducir referencias cinematográficas en productos concretos también llegó a las marcas de consumo masivo. Zara, por ejemplo, lanza colecciones cápsula con guiños constantes a estéticas de época y al universo del cine, y traslada esa propuesta a su línea de fragancias. Quienes buscan replicar determinada atmósfera visual encuentran en el perfume de la marca Zara una alternativa accesible para completar un estilo inspirado en la pantalla, sin recurrir necesariamente a las grandes casas de lujo.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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