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La historia del romance que inspiró “Everlong” de Foo Fighters (y cómo intervino Sonic Youth)
Existen bandas que tiene una canción que resalta sobre el resto de sus composiciones. Y no porque sean precisamente ‘mejores’ -es un asunto subjetivo y debatible, desde luego-, pero estos temas tienen algo; un ‘no sé qué, qué sé yo’ que las hace el sello distintivo del artista en cuestión. En el caso de Foo Fighters, con seguridad se podría decir que “Everlong” recoge esas características.
Por supuesto, cada fanático tendrá su track favorito del grupo comandado por Dave Grohl, pero resulta innegable el legado que este sencillo ha marcado desde su lanzamiento en 1997 como parte del disco The Colour and the Shape. Vaya, no por nada es el tema con el que cierran sus presentaciones.
Foo Fighters en 1997. Foto: Getty
Sin embargo, más allá de eso, el track alberga una interesante historia acerca de su concepción. Incluso, el propio vocalista de los Foo ha revelado que por poco y no se incluye en el corte final del álbum antes mencionado, algo que hubiera sucedido de no ser por la intervención de los miembros de Sonic Youth… Eso es solo un poco de lo que se esconde en la historia detrás de la canción.
Un momento turbio para Dave Grohl
Si algo podemos decir sobre Dave Grohl a lo largo de su carrera, es que es un tipo resiliente. Ejemplos hay muchos y quizá el más claro es que, tras la muerte de Kurt Cobain, buscó la manera de continuar su propio camino en la música. Y lo hizo a lo grande.
Pero como suele suceder con muchas grandes bandas, no todo siempre son buenos momentos. Foo Fighters, con toda la buena vibra que se cargan y que les vemos en una que otra entrevista, también pasaron por una etapa turbia. De hecho, así sucedió en medio de las grabaciones de The Colour and the Shape, esto entre 1996 y 1997.
Portada de ‘The Colour and the Shape’. Foto: Capitol Records.
Por aquel entonces, las tensiones entre los Foo Fighters estaban un poco fuertes respecto a la grabación del álbum y la vida personal de Dave Grohl también era complicada. El vocalista se encontraba separado de su entonces esposa Jennifer Youngblood (de quien se divorciaría definitivamente en el ’97).
“Grabamos en un estudio en las afueras de Seattle que era un granero reformado y podías quedarte ahí. Detrás estaba esto arroyo que tenía salmones saltando en él. Era hermoso pero estabas realmente aislado, fuera de la ciudad a unos 45 minutos. Así que me quedé en ese lugar y mientras estuve allí, mi ex esposa y yo nos separamos”, dijo a Kerrang en una entrevista.
En diciembre de 1996, la banda decidió darse unas vacaciones con motivo de Navidad y Dave se fue a visitar a su familia en la ciudad de Virginia. Con él, se llevó algunos de los demos que habían grabado para ver qué podía agregar, quitar, perfeccionar o modificar.
Dave Grohl. Foto: Getty
El romance que inspiró “Everlong” de Foo Fighters
Aunque la cosa no iba nada bien con su matrimonio y la pareja Grohl-Youngblood básicamente ya había puesto tierra de por medio, sí había alguien de quien el líder de Foo Fighters estaba enamorado. En la misma charla con Kerrang, Dave lo confirmó, aunque nunca reveló la identidad de esa persona como tal.
“Esa canción es sobre una chica de la que me había enamorado y básicamente se trata de estar tan conectado con alguien, que no solo los amas física y espiritualmente, sino que cuando cantas junto con esa persona, te armonizas perfectamente“, decía el vocalista de los Foo.
Como dijimos, Dave nunca ha hablado o mencionado quien es esa misteriosa chica, pero varios fanáticos-y uno que otro clavado en la historia de la banda y su líder- han llegado a la conclusión de que se trata de Louise Post, una de las cantantes de la banda Veruca Salt. Eso sí, como es bien sabido, ese romance no prosperó, pero corre por ahí el rumor de que la propia Post contribuyó con voces en “Everlong” (aunque no recibe créditos en el track del álbum).
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La intervención de Sonic Youth
Dave Grohl recientemente se presentó en el Oates Song Fest 7908 (organizado por el cantante John Oates) durante el mes de marzo para interpretar “Everlong” en acústico. Pero antes, platicó un poco sobre cómo surgió el riff y la música de la canción.
Resulta que él, mientras probaba diferentes acordes, tocó uno muy especial que le llamó la atención. Ese mismo acorde es el que abre la canción. “Lo primero que pensé al tocarlo fue ‘Eso suena un poco a Sonic Youth’. Una de mis bandas favoritas de todos los tiempos es Sonic Youth y me pareció un acordé genial“, mencionó Dave.
Thurston Moore y Kim Gordon de Sonic Youth. Foto: Getty
Una vez que estaba en Virginia en aquella Navidad del ’96, Dave Grohl acudió al estudio de un amigo en esa ciudad para grabar un demo y que no se le olvidara la composición que ya estaba armando. Una vez que tenía su grabación lista, tocaba mostrársela al resto de los Foo Fighters y al productor Gil Norton. Por supuesto, la canción le agradó a los demás miembros, pero aún debía pasar un filtro más para que Dave estuviera convencido de ella.
“Recuerdo de hecho que la toqué para Thurston [Moore] y Kim [Gordon] de Sonic Youth porque tenía miedo de haberme robado alguna canción suya de alguna manera. Yo solo les dije: ‘escuchen esta cosa que grabé [el demo]’… Y ellos dijeron: ‘¿por qué es un demo?.. ¿Por qué no está en el álbum?’. Entonces fui con la banda, la grabamos y ahora es la canción que escuchas en la radio”.
Y así, ya con todo eso a cuestas, Dave Grohl y compañía compusieron y nos entregaron su canción más emblemática de la historia. Esperemos pronto volver a escucharla en vivo.
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Spotify ofrecerá un nuevo plan de suscripción para los usuarios. Se trata de un nuevo plan premium para “superfans” que incluirá funciones adicionales para los suscriptores, según señaló Daniel Ek, director ejecutivo de la plataforma.
Este nuevo nivel llega después de que Spotify y Warner Music Group (WMG) firmaran un acuerdo plurianual que busca ofrecerle nuevas experiencias a los usuarios fanáticos de los artistas pertenecientes a esta compañía.
“El nuevo acuerdo ayudará a ofrecer nuevas experiencias a los fanáticos, un catálogo de música y videos más profundo, más niveles de suscripción paga y paquetes de contenido diferenciados“, señalaron ambas empresas en un comunicado.
¿Qué ofrecerá el nuevo plan de suscripción de Spotify y cuánto costará?
Por el momento ninguna de las dos compañías han brindado detalles sobre qué beneficios tendrá el nuevo plan de suscripción. Sin embargo, consideran que tendría un alto nivel de fidelidad con los usuarios.
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De acuerdo con Ek, esta nueva suscripción de Spotify será más atractiva para los fanáticos y además beneficiara a artistas y compositores por igual.
“Este importante acuerdo ofrece nuevos beneficios para los artistas, compositores y fans, al tiempo que posibilita una mayor colaboración que expande el ecosistema musical“, reafirmó Robert Kyncl, director ejecutivo de WMG.
Las compañías, tampoco señalaron cuánto costará el nuevo nivel de suscripción premium y si este llegará a todos los países en donde tiene presencia a Spotify o será en territorios seleccionados.
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La creación de un nuevo plan de suscripción llega en el primer año de rentabilidad para Spotify, después de 17 años de su creación. Su beneficio operativo para el trimestre alcanzó un récord de 509,48 millones de dólares lo que contribuyó a un beneficio operativo total de 1.495 millones de dólares para el año fiscal 2024.
Con información de SUN
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Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.
Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.
En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan.
¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?
Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.
La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.
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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.
Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.
Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada.
Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.
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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.
Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.
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Lo que necesitas saber:
Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.
Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.
Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.
Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.
Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.
Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground
Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.
La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.
El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.
The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón
The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.
Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.
Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.
Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos
La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.
Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.
La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.
HAIM: un enfoque fresco al power trio
Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.
Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.
Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.
The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica
Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.
Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.
Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.
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