Cine y Tv
«Sundance me cambió la vida»: Eugenio Derbez
En 2007, Eugenio Derbez tenía dos buenas razones para sonreír. Ni siquiera el gélido clima que caracteriza al Festival de Sundance le borraba la felicidad del rostro. Aquel año, uno de los certámenes fílmicos más importantes del mundo celebraba calurosamente a dos películas que incluían su nombre en los créditos. Por un lado, La misma luna, ópera prima de Patricia Riggen fue estrenada con una ovación de pie y logró un acuerdo de distribución nunca visto para una cinta nacional –o hablada en español– en este prestigiado evento. Por otro lado, la coproducción entre Argentina y Estados Unidos Sangre de mi sangre (Dir. Christopher Zalla) recibió el Gran Premio del Jurado en la competencia dramática de Sundance. Aquel año, Eugenio Derbez sonreía. Y las razones de ello iban mucho más allá del triunfo de dichas películas.
«A mí Sundance me cambio la vida», nos dice Eugenio Derbez con mucha felicidad. «En aquellos años, yo estaba intentando entrar al cine. Mis programas en la televisión ya eran muy conocidos y yo quería brincar a la pantalla grande, pero no me daban oportunidad. Me decían que no porque yo era muy comercial o porque era un comediante de la televisión y el cine mexicano, en ese entonces, era muy denso. Decían: ‘¿cómo vamos a meter a Ludovico Peluche o al Longe Moco en una película? La gente se va a reír’. Pero llegó Sundance y me cambió la vida. Me empezaron a tomar más en cuenta, más en serio, y me empezaron a dar más oportunidades en el cine. Le debo mucho a Sundance. Gracias a ese festival se me empezaron a abrir las puertas».
Nuestra charla con Eugenio Derbez ocurre unas horas después del estreno de CODA, filme inaugural de la edición 2021 de Sundance que recibió buenos comentarios del público y la crítica que disfrutaba, virtualmente y desde el confinamiento, uno de los festivales de cine más importantes del mundo. «Estoy muy emocionado», afirma el actor mexicano sobre su trabajo con la directora Sian Heder (Tallulah, 2016). «Desde que supe de esta película, hace varios años, me encantó [la idea] y, cuando me llamaron para ser parte de ella, no lo dudé ni un segundo. La directora es fantástica e hizo un trabajo espléndido. Además, el hecho de tener actores que realmente son sordos ayudó muchísimo a que la historia tuviera otro peso. Todo eso hizo [que CODA] sea una gran película y que le esté yendo tan bien en las críticas».
Apenas dos días después de su estreno, CODA fue adquirida por Apple Studios para su distribución internacional. La venta, de acuerdo con Variety, se convirtió en la transacción económica más alta en la historia de Sundance ya que se pagó cerca de $25 MDD por los derechos de la cinta. El movimiento supera el récord de Palm Springs (Dir. Max Barbakow) obtenido el año pasado cuando fue adquirida por Hulu y Neon por $22 MDD.
El acrónimo CODA sirve para distinguir a los hijos oyentes de padres sordos (Child of Deaf Adult, por sus siglas en inglés). Basada en la cinta francesa La familia Bélier (Dir. Éric Lartigau, 2014), el filme de Sian Heder narra la historia de Ruby Rossi (Emilia Jones), hija de una familia sordomuda que descubre su talento para cantar. Su camino se transforma cuando conoce a Bernardo Villalobos (Eugenio Derbez), un profesor de música que la impulsará a buscar una beca en una prestigiada escuela de música.
Una de las primeras indicaciones de Heder a Derbez fue que debía tocar el piano. Dudoso, el actor aceptó el reto –había tomado clases de niño–, «pero me tuve que meter a un curso intensivo… pero en serio», nos dice entre risas. «Me vino a coachear la misma maestra que tuvo Ryan Gosling en La La Land, y ella me ayudó varios meses para poder montar esas cinco o seis canciones que me hicieron aprender [para la película]. Me enseñaron a dirigir un coro de escuela, a mover las manos, cómo enseñar clases de canto y luego [a moldear] la personalidad del maestro. Yo quería hacer a un personaje diferente a lo que había hecho antes. Quise hacer a un maestro de esos a los que odias porque te trata mal pero que, tiempo después, te das cuenta que es el mejor; porque te exige y se preocupa por ti. Bernardo Villalobos es un maestro que no se toma su chamba a la ligera, que realmente le importa lo que hace y que no quiere perder su tiempo con niños tontos que no quieren tomar su clase. Él se da cuenta del talento de Ruby y por eso la empuja a que tome las riendas de su vida y que deje de ser únicamente la conexión de su familia con el mundo exterior. Creo que, finalmente, mi personaje es el que detona que la niña decida dejar a su familia y seguir con su vida».
Un cine abierto a la diversidad
Gracias a CODA, Eugenio Derbez volvió a Sundance con un personaje muy cercano a su historia. Bernardo Villalobos es un migrante mexicano que llegó a Estados Unidos en busca de una vida mejor e intentando que sea su talento el que hable por él. «Durante muchos años, cada que me llamaban para un papel [en Estados Unidos], me ofrecían ser únicamente el jardinero o el criminal de la historia», nos cuenta Derbez. «Eso te limita mucho como actor y te coarta tus sueños. Te hace pensar que nunca vas a tener oportunidad de crecer. Entonces ahí es donde yo he estado luchando por tratar de romper con ese estereotipo que, de repente, los productores o los directores tienen y no se dan cuenta que la vida no es así. Si tú aquí, en Estados Unidos, vas a una tienda, a un restaurante, a un hospital o a un despacho de abogados, a donde te pares, vas a encontrar a un latino, a un hindú, a un afroamericano o a un asiático. Éso es Estados Unidos. Ése es el mundo que se vive aquí. Entonces: ¿por qué no pensar que, de pronto, un maestro de música –como en este caso– pueda ser latino? O que un astronauta pueda ser latino. O un abogado. Quisiera que no pensaran nada más en los latinos cuando necesitan [cubrir papeles de] jardineros o criminales. Yo, desde mi trinchera, he luchado mucho por tratar de generar un cambio, por romper estereotipos. Al menos así lo hago cada que produzco algún proyecto».
Prueba de ello es Acapulco, la nueva serie que Eugenio prepara junto a Apple y Lionsgate, la cual será dirigida por Gary Alazraki (Nosotros los Nobles; Club de cuervos). «Siempre trato de meter en mis proyectos a talento mexicano» nos dice Derbez. «Cada que puedo, meto a actores mexicanos o, en este caso, a un director talentoso como Gary, quien dirigirá el primer episodio. La serie servirá como una especie de precuela de Cómo ser un latin lover, comedia que recaudó más de $62 MDD en la taquilla internacional en 2017.
«Máximo, el gigoló que vivía de puras viejitas millonarias, le cuenta a su sobrino cómo inició todo para él. Es un poco cómo fue que llegó a donde está. La serie empezará conmigo viviendo en una mega mansión en Beverly Hills , imagínate», nos cuenta Eugenio entre risas. «La serie tendrá mucha comedia. Y mucho corazón, también; como todo lo que hacemos por acá. Eso es un sello que siempre quiero llevar».
El futuro de Eugenio Derbez luce prometedor. Sundance cayó rendido al encanto de CODA y le otorgó cuatro de los premios más importantes de su palmarés este año: el premio de la audiencia, un galardón a Mejor dirección (para Sian Heder), el Gran premio del jurado en la sección dramática y un reconocimiento a mejor ensamble para todo su elenco. De acuerdo con Variety, CODA se convirtió en la primera película en la historia de Sundance en ganar los premios más importantes de la sección dramática de EUA.
14 años después, Sundance hace sonreír de nuevo a Eugenio Derbez. Y esa felicidad se suma a la lista de proyectos que tiene en puerta. De la mano de Amazon Prime Video, el actor mexicano lanzará la segunda temporada del reality De viaje con los Derbez y las temporadas 3 y 4 de LOL. «Viene también una película que íbamos a filmar el año pasado pero por la pandemia se detuvo. Digamos que es mi próxima película grande después de Overboard. Acá protagonizo y produzco. Viene un año bastante ocupado pero ya era hora porque el año pasado estuvo detenido todo».
Su próximo proyecto en la silla de dirección, tras la taquillera No se aceptan devoluciones, se encuentra en desarrollo. «La dirección me ha hecho ojitos toda la vida y muero de ganas [por volver]. Tengo un proyecto a punto de terminar. Ya estoy de verdad a nada. Un mes que me dejen tranquilo y lo termino. Y será mi siguiente película como director. Lo que pasa es que cuando yo dirijo, le dedico un año y medio al proyecto. Por eso, cada vez lo tengo que aplazar porque surgen cosas o compromisos. Pero estamos pensando que esta película se logre antes de que termine 2021».
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Desde películas con efectos visuales sorprendentes, hasta tragedias centradas en historias familiares, esta temporada de premios presentó una gran variedad de cintas que prometen una competencia reñida rumbo al cierre de la temporada, el cual se vivirá en la 98a edición de los Premios Óscar el próximo 15 de marzo de 2026. Aquí las películas con más nominaciones al Óscar 2026.
Aquí las películas que recibieron más nominaciones y sus respectivas categorías. Y revisa nuestra lista completa de nominados al Óscar 2026 y dónde puedes ver las películas (incluso los cortos).
Pecadores – 16 nominaciones
Dirección: Ryan Coogler
Son sus 16 nominaciones, Pecadores se convirtió en la película con más menciones al Premio de la Academia. El récord anterior lo tenían La malvada (1950), Titanic (1997) y La La Land (2016), con 14 nominaciones cada una. Pecadores es una historia sobrenatural, con música excepcional y, además, repleta de emoción y referencias histórico-sociales es lo que el director y guionista, Ryan Coogler, nos da con su más reciente cinta, Pecadores. En ésta, que sigue la historia de los gemelos Smoke y Stack (ambos interpretados por Michael B. Jordan), así como la de su primo, Sammie (Miles Canton), podemos observar lo que es, en realidad, un relato de opresión, racismo, herencia y apropiación cultural.
Pecadores es una producción que no deja de maravillarte, con su fotografía, su elenco y su música inolvidable.
Nominaciones:
- Película
- Actor – Michael B. Jordan
- Actriz de reparto – Wunmi Mosaku
- Guion original – Ryan Coogler
- Actor de reparto – Delroy Lindo
- Música (score original) – Ludwig Göransson
- Música (canción) – «I Lied to You», música y letra de Ludwig Göransson y Raphael Saadiq
- Dirección – Ryan Coogler
- Fotografía – Autumn Durald Arkapaw
- Efectos visuales
- Edición
- Maquillaje y peinado – Ken Diaz, Michael Fontaine, Shunika Terry
- Diseño de vestuario
- Diseño de producción
- Sonido
- Casting – Francine Maisler
Una batalla tras otra – 13 nominaciones
Dirección: Paul Thomas Anderson
Considerada ya como una de sus mejores obras, Paul Thomas Anderson adapta la novela Vineland de Thomas Pynchon para convertirla en una ambiciosa obra cinematográfica. Con un presupuesto de producción de alrededor de $130 millones de dólares es, hasta ahora, también su más costosa.
La cinta sigue la historia de un grupo de revolucionarios (Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Benicio del Toro) que, tras 16 años de haberse separado se ven obligados a enfrentarse a fantasmas de su pasado, esta película brinda cierta frescura al mezclar temas de lealtad, política y amistad.
Nominaciones
- Casting – Cassandra Kulukundis
- Fotografía – Michael Bauman
- Música (score original) – Jonny Greenwood
- Sonido
- Película
- Dirección – Paul Thomas Anderson
- Actor – Leonardo DiCaprio
- Actor de reparto – Benicio del Toro
- Actor de reparto – Sean Penn
- Actriz de reparto – Teyana Taylor
- Guion adaptado – Paul Thomas Anderson
- Diseño de producción
- Edición
Frankenstein (2025) – 9 nominaciones
Dirección: Guillermo del Toro
Uno de los monstruos más importantes de la cultura popular es tomado por Guillermo del Toro para ser llevado a la pantalla grande. Sin duda, el director mexicano plasmó su pasión y obsesión por Frankenstein y convirtió su versión de esta novela en una de las producciones cinematográficas más reconocidas del año.
Una cinta que relata una historia emocional y gótica, invita a uno a cuestionarse qué es realmente la humanidad y si es que ésta es exclusiva del hombre. Frankenstein (2025) innova con los escenarios y elementos tradicionales de la historia y, junto con sus actores y equipo detrás, brinda una nueva perspectiva a la historia.
Nominaciones
- Fotografía – Dan Laustsen
- Maquillaje y peinados – Mike Hill, Jordan Samuel, Cliona Furey
- Música (score) – Alexandre Desplat
- Sonido
- Película
- Actor de reparto – Jacob Elordi
- Guion adaptado – Guillermo del Toro
- Diseño de producción – Tamara Deverell (diseñadora de producción), Shane Vieau (decoración de set)
- Diseño de vestuarios – Kate Hawley
Marty Supremo – 9 nominaciones
Dirección: Josh Safdie
Inspirada en el jugador de tenis de mesa Marty Reisman, esta cinta dirigida por Josh Safdie experimenta con la ficción que se puede crear a partir de una persona real. La comedia dramática sigue el ascenso de Marty (Timothée Chalamet) dentro del mundo del deporte de tenis de mesa profesional, donde muestra cómo la arrogancia del protagonista lo lleva a consecuencias inesperadas. Safdie retrata los límites que puede romper una persona en la búsqueda de la grandeza.
Nominaciones
- Casting – Jennifer Venditti
- Fotografía – Darius Khondji
- Película
- Dirección
- Actor – Timothée Chalamet
- Guion original – Josh Safdie, Ronald Bronstein
- Diseño de producción – Jack Fish (Diseñador de producción), Adam Willis (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Miyako Bellizzi
- Edición – Ronald Bronstein, Josh Safdie
Valor sentimental – 9 nominaciones
Dirección: Joachim Trier
El nuevo drama del director Joachim Trier (La peor persona del mundo, 2021) explora la compleja relación entre un padre ausente y sus dos hijas. Tras años de distancia, Gustav Borg (Stellan Skarsgård) intenta reconectar con su hija, Nora (Renate Reinsve), a través de la única manera en la que sabe relacionarse: el arte. Nora, llena de rencores y de traumas personales, se resiste a formar parte del proyecto de su padre. Trier no sólo retrata la conexión de un director con el proceso creativo de su películas, sino que profundiza en las fracturas personales ocasionadas por la familia y sobre cómo el arte puede ser utilizado como un puente capaz de reparar la conexión entre una familia que se desarrolla en ese ámbito.
Nominaciones
- Película
- Película Internacional (Noruega)
- Dirección – Joachim Trier
- Actriz – Renate Reinsve
- Actor de reparto – Stellan Skarsgård
- Actriz de reparto – Elle Fanning
- Actriz de reparto – Inga Ibsdotter Lilleaas
- Guion original – Joachim Trier, Eskil Vogt
- Edición – Olivier Bugge Coutté
Hamnet – 8 nominaciones
Dirección: Chloé Zhao
Este drama histórico, dirigido por la ganadora del Óscar de dirección en 2021, Chloé Zhao (Nomadland), nos adentra en la creación de la obra más famosa de William Shakespeare: Hamlet. Basada en la novela de Maggie O’Farrell, la película retrata el profundo duelo de Shakespeare y su esposa Anne (a veces Agnes) Hathaway, tras la pérdida de su hijo de 11 años, Hamnet. Zhao experimenta con la representación de este dolor, enfocándose en lo íntimo de la familia, el duelo, la fragilidad de la vida y aquello que nos inspira a crear arte. Con su narrativa contemplativa y emocional propia del cine de Zhao, no es sorpresa ver a esta película entre las principales nominadas.
Nominaciones
- Casting – Nina Gold
- Música (score) – Max Richter
- Película
- Dirección – Chloé Zhao
- Actriz – Jessie Buckley
- Guion adaptado – Maggie O’Farrell, Chloé Zhao
- Diseño de producción – Fiona Crombie (Diseño de producción), Alice Felton (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Malgosia Turzanska
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Cine y Tv
La dramaturgia cinematográfica en las escenas de juego: por qué las mesas de cartas ganan a los slots
Pregunte a cualquier cinéfilo cuál es su momento favorito relacionado con el juego en una película y, muy probablemente, la escena que describirá tendrá que ver con un juego de cartas. Ha habido escenas icónicas construidas en torno al blackjack y al poker, con dramáticos primeros planos de jugadores que intentan leer las señales de sus oponentes sin revelar las suyas propias, el empuje de las fichas sobre el tapete verde y, por supuesto, revelaciones a cámara lenta.
Pero lo que no se ve tan a menudo en la gran pantalla son dramatizaciones de jugadores sentados frente a slots. Esto puede parecer extraño, especialmente para aquellos que están familiarizados con los casinos online, donde más del 80 % de los jugadores pasan la mayor parte de su tiempo en slots. Las mejores apps de casinos y también sitios web ofrecen una amplia variedad de juegos con diferentes temas y estilos.
Sin embargo, en las películas, las escenas en las mesas de juego casi siempre predominan. Y quizás por una buena razón. Pero dado que los slots son tan importantes en el mundo real del juego y siguen siendo muy populares, ¿por qué estas máquinas icónicas han sido tan ignoradas en las películas?
Crear conflicto
La primera y más obvia razón por la que los juegos de cartas de casino tienen tanta preferencia sobre los slots en el cine se debe a la creación de conflictos. Todas las buenas historias necesitan el conflicto como fuerza motriz para hacer avanzar la trama, y no hay mejor escenario dentro de un casino que una mesa de poker, donde los jugadores compiten directamente entre sí. En los juegos de cartas como el blackjack y el baccarat, se trata más bien de una competición contra las manos del dealer.
Pero todos los juegos de cartas tienen algo más en común, y es la influencia de la elección sobre el azar. Los jugadores tienen que tomar decisiones conscientes sobre si subir una apuesta en el poker, por ejemplo, o si pedir otra carta o plantarse en una mano de blackjack. Este elemento de elección que tiene el personaje produce una sensación de que controla su destino.
Creación de personajes
La forma en que un jugador reacciona ante un momento intenso en un juego suele ser bastante reveladora de su carácter. ¿Hasta qué punto son reacios al riesgo? ¿Qué tan buenos son para farolear? Cuando la elección de la estrategia de un personaje entra en juego durante una partida de cartas, aporta mucho más a la mesa cinematográfica en términos de drama que cualquier juego en un slot.
¿Por qué? Porque el slot es externo al jugador, y todo lo que haría un personaje sería presionar un botón para girar, el drama llegaría rápidamente a un callejón sin salida.
En una escena dramática de poker, el personaje principal intenta lograr algo, que en gran medida consiste en burlar a un antagonista. A menudo, este es un mecanismo para avanzar en la trama o para resolver algo. Una vez más, el personaje que juega es tan importante como el juego en sí, porque sus habilidades o sus defectos deben influir en el resultado del juego, relevante para el desarrollo de la trama.
Por supuesto, dado que todos los juegos de casino se basan en el azar, la suerte sigue siendo un elemento importante; es la naturaleza misma de los juegos de casino. En el mundo del cine, aunque la suerte sigue existiendo en las representaciones de los juegos de cartas, es realmente la agencia de los jugadores lo que define la escena.
¿Cuál será su decisión cuando sepan que no tienen una buena mano en el poker? ¿Se arriesgarán para ganar una partida de blackjack? Esto introduce factores que también profundizan un poco más en el personaje.
Esto se debe a que lo que está en juego para el personaje es extremadamente personal, lo que genera una gran tensión y dramatismo. Un personaje podría perder fácilmente una oportunidad por falta de criterio, o ver cómo su inteligencia en el juego alcanza un nivel completamente nuevo al enfrentarse a oponentes experimentados y despiadados en la mesa de poker.
Suerte mediocre
Dado que las máquinas de casino funcionan con generadores de números aleatorios para garantizar la imparcialidad, son el epítome de la suerte. Ver a un personaje jugar a una de ellas no tendría el mismo impacto dramático que los juegos de cartas. Imagínese una escena en la que un jugador gana una mano de poker crucial bajo una enorme presión gracias a su astucia, después de apostarlo todo en un último intento desesperado.
Ahora compárelo con un personaje que gana el premio gordo en un slot. Debido a la aleatoriedad de los slots, no habría una tensión intensa; la victoria simplemente ocurriría de la nada y eso, a su vez, probablemente haría que los espectadores pusieran los ojos en blanco ante un momento tan deus ex machina.
Por el contrario, si el personaje no ganara un premio mayor en un slot, sería muy decepcionante, aunque se base en gran medida en la realidad, ya que las posibilidades de ganar uno son matemáticamente muy escasas.
Los juegos de cartas ganan por goleada
Para un drama sobre el juego, nada supera a un juego de cartas en un casino. Desde la configuración hasta la competitividad de las rondas de apuestas y el enfrentamiento final, los juegos de mesa permiten subtextos importantes, como la exteriorización del conflicto interno.
Por eso los juegos de cartas se han utilizado una y otra vez en películas como Apuesta final (Rounders) y Casino Royale; porque son un medio formidable para poner a prueba los nervios y tienen consecuencias enormes, angustiosas y sobrecogedoras.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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La novia! Trailer, estreno y todo sobre la nueva película con Jessie Buckley y Christian Bale
Tras un año en el que el protagonista fue la criatura de Frankenstein, llega el turno de que La novia! reclame el reflector. Tras un aclamado debut como directora con La hija perdida (2021), Maggie Gyllenhaal regresa con una reinterpretación del personaje titular que promete mucho punk. Aquí te contamos todo lo que debes saber sobre la película.
¿De qué trata?
Situada en los años 30, La novia! arranca cuando la criatura de Frankenstein, ansiando terminar con su soledad, le pide a la doctora Euphronious que le haga una compañera. Es por ello que desentierran el cadáver de una mujer que fue asesinada, pero las cosas tal vez no saldrán como lo tenían planeado.
El avance nos deja ver que a partir de la llegada de La novia (como se nombra al personaje estelar) se desencadenarán persecuciones policiales, crímenes, y una revolución social total. Además, podemos esperar mucho glamour y fantasía, gracias a la construcción de los 30s que realizó Gyllenhaal:
«Elegí los 30s porque amo su estética, y las películas incluyen tanta fantasía. Mucho de [La novia!] es acerca de la diferencia entre fantasía, amor de fantasía, estilos de fantasía, sexo de fantasía, todo de fantasía versus la realidad, y cuál es el placer real de un amorío que está plantado en la realidad», contó en conferencia de prensa la directora. Lo que sí aseguró es que es una versión de los 30s muy inspirada en un Nueva York de 1981.
¿A quiénes veremos en La novia!?
Un elenco espectacular nos presentará esta historia, empezando por Jessie Buckley como el personaje titular. Buckley está arrancando un espectacular año en su carrera, pues con su película Hamnet, es la gran favorita a llevarse el Óscar a mejor actriz, luego de hacer lo propio en los Globos de oro 2026. Sobre trabajar con la actriz, Gyllenhaal dijo lo siguiente:
«Sigo sin saber quién más pudo haber hecho este papel. Creo que tiene que ver con su sabiduría en reconocer que todo humano contiene un espectro de sentimiento, tan feroz y poderoso. Y justo a lado de eso se encuentra la más profunda vulnerabilidad. Tan inteligente, también totalmente irracional y a veces horrible. Todo eso, combinado, hace a una persona. Y lo que me parece extraordinario de ella como actriz es que realmente sabe cómo incorporar todas esas cosas en su trabajo».
Acompañándola están Christian Bale (El caballero de la noche, El gran truco) como la legendaria criatura, Peter Sarsgaard (Batman, La hija perdida) como un detective que les sigue muy de cerca la pista, Annette Bening (Belleza americana, Capitana Marvel) como la doctora Euphronious, Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Se presume inocente) como Ronnie Reed y Penélope Cruz (Dolor y gloria, Madres paralelas) como Myrna.
¿Cuándo podremos ver La novia!?
Llegará a pantallas tradicionales y IMAX de cine el 06 de marzo de 2026.
Póster
Trailer
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