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Roald Dahl: su historia y sus películas

Fue en honor al explorador Roald Amundsen que un 13 de septiembre de 1916, tanto Harald Dahl como Sofie Magdalene eligieron el nombre de su primer hijo. Roald Dahl fue un explorador en sí mismo, explorador de las posibilidades narrativas del cuento con estructuras que más tarde llegaron a las películas y la televisión. También de su puño se configuraron guiones cinematográficos fascinantes, pero sobre todo un sinnúmero de íconos que ahora forman parte de la cultura popular y el saber colectivo.
Su vida fue una inacabada colección de momentos agridulces que nutrieron sus historias y su mirar de la infancia como una prisión de prohibiciones e injusticias perpetuadas por el mundo adulto. Desde diversas perspectivas, Roald Dahl miró a la adultez como una amenaza. Ya sea desde la ejemplificación de una etapa que conlleva responsabilidad, como dirigir una fábrica. O una amenaza en la forma de seres mágicos terribles que buscaban liquidar a los niños al convertirlos en ratones. O simplemente, en una situación más aterrizada, como una dictadura instaurada en un colegio para señoritas.
En cualquiera de sus formas, las historias de Roald Dahl siempre tomaban prestado del humor negro, la ironía y las situaciones perversas, sus mejores formas para construir fábulas que por lo general iban dirigidas a los adultos, más que a los pequeños. El paso de Roald Dahl por el cine, no sólo ocurrió a través de adaptaciones, sino también de contribuciones que el mismo autor y veterano de la Segunda Guerra Mundial configuró para la gran pantalla.
Roald Dahl y su paso por las películas

Más reconocido como novelista y autor de cuentos infantiles, Roald Dahl también realizó en alguna ocasión compilaciones de cuentos de terror para adultos. Además de ello, en la década de 1960 tuvo un breve coqueteó con el cine y la industria hollywoodense. Durante aquellos años se encargó de realizar los guiones para dos adaptaciones cinematográficas, curiosamente ambas sobre escritos de Ian Fleming, el afamado autor de James Bond.
Precisamente su primera incursión en el mundo del cine fue gracias a una película del agente secreto. 007: Sólo se vive dos veces, fue la quinta película en la saga de James Bond y la primera escrita por Roald Dahl. En un inicio Harold Jack Bloom escribió el guion de la película, pero fue rechazado más tarde por los productores. Dahl siendo un amigo cercano de Fleming obtuvo el trabajo, pero cambió casi por completo lo que ya había sido trazado por Bloom y por la misma novela de Fleming.
Sólo se vive dos veces fue la primera película de James Bond que adaptó de manera muy libre las historias originales de quien creara al agente secreto. Roald Dahl incursionó en películas con un guion ligeramente inspirado en el material origen, pero con aventuras completamente nuevas diseñadas por él.

La segunda de sus aportaciones al cine fue Chitty Chitty Bang Bang, una película que fue protagonizada por Dick Van Dyke y Sally Ann Howes. Un musical en forma, sobre un excéntrico inventor que consigue convertir un antiguo coche de carreras común y corriente en un vehículo con la habilidad de volar y flotar sobre el agua. Gracias a las bondades de este automóvil, los protagonistas pueden viajar a otro mundo en donde existen castillos habitados por piratas. Dahl adaptó esta historia de otra novela de Fleming.
Finalmente Dahl tomó en sus manos la adaptación de su propia novela sobre el chocolatero más excéntrico de todos. La clásica Willy Wonka y la fábrica de chocolate dirigida por Mel Stuart y protagonizada por Gene Wilder, contó con el guion del mismo autor, encargándose así de que la adaptación fuera fiel a su historia original, algo que le daría dolores de cabeza con adaptaciones de sus obras, realizadas por otras personas.
Las obras de Roald Dahl hechas películas
Desde que eran escritos e impresos, las historias de Dahl eran populares, pero al llegar al cine alcanzaron una cota de popularidad que les ha posicionado en la memoria colectiva hasta el final de los tiempos. A ello contribuyeron cineastas como el mencionado Mel Stuart, Tim Burton, Danny De Vito, Henry Selick y hasta Wes Anderson. Éstas son las películas cuyas historias provienen de la mente de Roald Dahl.
Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971)
La primera adaptación de esta historia al cine con un guion del propio Dahl. Se trató de un relato fiel a comparación con la novela, especialmente porque fue el mismo autor el que estuvo detrás.

Las brujas (1990)
En 1991 Nicolas Roeg realizó este filme con Anjelica Huston, Mai Zetterling y Rowan Atkinson como protagonistas. Aunque el filme recibió elogios de la crítica, el mismo Dahl se mostró inconforme con la adaptación, especialmente en lo que respecta al desenlace. Razón por lo que intentó boicotear al estreno al colocarse afuera del cine con un megáfono tratando de convencer a la gente para que no la viera.

Matilda (1996)
Para 1996, Roald Dahl ya había fallecido, por lo que no pudo ver el logro de Danny De Vito en su incursión como director. Matilda es la historia de una niña anti sistema que rehúye de una dictadura escolar perpetuada por una directora malvada. El mismo Dahl durante su infancia asistió a un internado similar en donde los tutores golpeaban y castigan a los niños de manera excesiva por las pequeñas travesuras de la edad. Matilda es su forma de darle un giro a su propia historia de la infancia.

Jim y el durazno gigante (1996)
La primera vez que Tim Burton se acercó al mundo de Dahl fue con esta película. Aunque sólo cumplió las funciones de productor, su estilo estuvo presente bajo la dirección de Henry Selick. Lo más llamativo de James y el durazno gigante es que se trata de un híbrido entre el live action y la animación en stop motion.

Charlie y la fábrica de chocolate (2005)
El mundo de Roald Dahl atinaba como anillo al dedo con la estética de Tim Burton, por lo que cuando Warner anunció las intenciones de realizar una nueva adaptación de la obra, con la visión del mencionado cineasta, fueron muchos los emocionados. Por fortuna el resultado fue exitoso y se le recuerda a esta película como una de las aventuras más fascinantes de la dupla Burton-Depp, quien hizo del excéntrico Willy Wonka.

El fantástico Sr. Zorro (2009)
La primera animación que configuró Wes Anderson para el cine fue una película basada en un relato de Roal Dahl. Este filme protagonizado por un cast impresionante -George Clooney, Cate Blanchett, Bill Murray, Meryl Streep- recibió la aclamación de la crítica por su correcta exposición de la historia y la calidad artesanal que existió en su hechura.

The BFG: el buen amigo gigante (2016)
Steven Spielberg se animó a llevar a cabo una adaptación de uno de los cuentos del autor. Con una cruza entre la acción real y el motion capture, The BFG, se trató de una gran superproducción con Mark Rylance en el gran papel y con música, desde luego, del buen John Williams. Quizá pasaría desapercibida para la taquilla y la crítica, pero se trata de una aportación bien intencionada que trajo la historia a las generaciones más nuevas.

Las brujas (2020)
Recientemente se llevó a cabo una nueva adaptación del libro más famoso del autor. Dirigida por Robert Zemeckis y con Anne Hathaway al frente, este filme vio interrumpido su debut comercial por los menesteres causados por la pandemia. No obstante, la cinta llegó vía plataformas digitales con una respuesta tibia tanto de crítica, como de público. Puedes leer la crítica de Cine PREMIERE aquí.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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