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La historia sobre cómo Gabriel García Márquez influyó en “Losing My Religion” de R.E.M.

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En 1991, la escena musical mundial se encontraba en plena transición. Los pegajosos riffs de guitarra del hard rock y el heavy metal entraban en un periodo de ‘decadencia’ -por decirlo de una manera- toda vez que el rock alternativo y sus vertientes ganaban terreno en diversos espacios.

Usualmente, ese triunfo se le adjudica en mayor medida a Nirvana y de manera más cautelosa a otras bandas como Pearl Jam, Soundgarden junto a todo el séquito grungero de Seattle (además de The Smashing Pumpkins, que son de Chicago). Y bueno, claro que ellos tienen un impacto importante en el catálogo musical de los 90, pero en esa ecuación muchas se pasa por alto el alto valor de R.E.M.

La banda comandada por Michael Stipe, una pionera del rock alternativo estadounidense, ya tenía para ese entonces una importante trayectoria en la espalda. Pero fue en ese año cuando alcanzó el punto más álgido de su carrera de la mano del disco Out Of Time y de “Losing My Religion”, una canción llena de mística que entre sus peculiaridades goza de la influencia del escritor colombiano Gabriel García Márquez.

Gabriel García Márquez. Foto: Getty

La llegada de ‘Out Of Time’

El éxito no lo era ajeno a R.E.M. de ninguna manera. La banda comenzó a cimentar su legado en 1983 con el lanzamiento de Murmur  y a lo largo de esa década, la agrupación trabajó sin parar liberando cerca de seis álbumes, todos bien recibidos por la crítica –claro, algunos en mayor o menor medida-.

Sin embargo, si debemos marcar pautas y momentos cumbre, el periodo entre 1987 y 1988 merece una mención especial por dos razones. En el primero de estos años, llegó el disco Document que sería la primera de muchas fructíferas colaboraciones con el productor Scott Litt. Luego, en el ’88, la banda lanzaba el álbum Green como el primer material que elaboraban formando parte de una importante discográfica como Warner Bros Records.

R.E.M. en 1990. Foto: Getty

Una vez conformados los ingredientes, ya cuajados y complementados junto con el talento innato del grupo, era momento de llegar con todo a la nueva década. Fue así que R.E.M entró al estudio con Scott en 1990 listos para crear una placa que tendría más trascendencia de la esperada.

Ya en 1991, precisamente el 12 de marzo, el grupo oriundo de Athens, Georgia liberó Out Of Time. Pero esta vez, había algo inusual (en el buen sentido de la palabra) que identificaba su obra y el guitarrista Peter Buck tenía mucho que ver en ello.

Portada de ‘Out Of Time’. Foto: Warner Bros Records

La mandolina y el significado en “Losing My Religion”

Durante las sesiones de grabación del álbum, el propio Peter Buck quiso explorar sus capacidades como músico, comenzó a practicar en mandolinas y se ideó repentinamente el característico riff de la canción que en los primeros demos se conocía como “Sugar Kane”. Luego vinieron los acompañamientos de bajo, batería y la lírica de Stipe con lo que el tema se convertiría en “Losing My Religion”.

La canción, desde luego, es el tema más reconocible del disco no solo por el inusual instrumento que le daba leitmotiv. La letra y el mismo título manejan un significado bien definido. Por un lado, el track habla sobre la sensación de inseguridad de una persona que quiere mostrar su amor a alguien. Las líneas “I said too much” (dije de más) y “I haven’t said enough” (no dije suficiente) demuestran ese sentimiento de haberse sobrepasado o haberse quedado corto en la declaración amorosa.

Michael Stipe. Foto: Getty

Y por otro lado, el nombre de la canción es un modismo del sur de Georgia, EU para referirse a un estado mental de desesperación, de desquicio, de perder la cabeza -algo similar a “lose my mind”-. En todo caso, nuestro personaje se encuentra desesperado por no poder expresar su sentir cómo desea. Hay un poco de amor no correspondido en la fibra lírica de la canción.

Según cuenta la propia banda en la docuserie de Neflix Song Exploder (que por cierto, deben ver), R.E.M. y la disquera tuvieron una brevísima discusión acerca de qué canción debió ser el primer sencillo del disco. Warner quería a toda costa “Shiny Happy People” que era el tema más radio-friendly de la placa; R.E.M. quería “Losing My Religion” porque no esperaban que el disco fuera exitoso, según relata Peter Buck.

Ver en YouTube

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La influencia de Gabriel García Márquez y el éxito del video

Podríamos decir que, de alguna manera, Gabriel García Márquez tiene influencia directa en la creación del tema. Evidentemente no como letrista, sino como referencia textual. Michael Stipe, vocalista de la banda, es un de los lectores más reconocidos del escritor colombiano y la obra de este último influyó de manera sustancial tanto en la temática de la rola como del video.

Las referencias al amor no correspondido de “Losing My Religion” comparten cierta cercanía con una de las primeras líneas que abre el libro El Amor en los Tiempos de Cólera (1985): “Era inevitable: el aroma de las almendras amargas siempre le recordaba el destino del amor no correspondido”. Y esa es solo una de las inspiraciones que Stipe toma de emblemático escritor.

Gabriel García Márquez. Foto: Getty

En el video, diversos personajes y el propio Michael aparecen caracterizados con grandes alas de ángel. En el caso del cantante, en muchas tomas aparece arrinconado en un esquina (por aquello del verso “that’s me in the corner”) a lo largo del video. Esa es otra clara referencia a una obra de García Márquez llamada Un Señor Muy Viejo Con Alas Enormes.

A grandes rasgos, aquel cuento relata la historia de lo que parece ser un ángel que cae en el patio de una familia pobre. Esta gente lo encierra en su gallinero y los vecinos de la localidad se acerca a verle, creyendo que es un ser milagroso y pagan por verlo. Este misterioso ente, cuando se siente abrumado por la multitud, se arrincona y empieza a desplegar sus alas para defenderse.  POR ACÁ puedes leer el relato entero.

Pues bien, todo ese concepto le valió a R.E.M. llevarse diversos premios. El videoclip ganó a Mejor Video del Año en los MTV Video Music Awards de 1991 y, al año siguiente, la canción se llevó dos Grammys: uno por Mejor Video Musical y Mejor Performance Vocal de Grupo o Dúo. Con esas tablas y 30 años exactos de su lanzamiento, “Losing My Religion” es un hit que perdura y no dejará de hacerlo.

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Inteligencia artificial: ¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

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Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.

Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.

En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan. 

¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.

La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.

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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.

Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.

Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada. 

Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.

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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.

Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.

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5 power trios de mujeres en la música

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Lo que necesitas saber:

Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.

Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.

Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.

Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.

Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.

Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground

Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.

La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.

El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.

The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón

The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.

Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.

Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.

Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos

La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.

Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.

La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.

HAIM: un enfoque fresco al power trio

Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.

Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.

Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.

The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica

Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.

Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.

Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



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Muere Angélica Infante, sobrina nieta de Pedro Infante e ícono del rock mexicano

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Luego de sufrir un derrame cerebral por el que estuvo hospitalizada, murió en su hogar Angélica Infante Gamboa, ícono del rock mexicano y sobrina nieto de Pedro Infante. Así lo informaron sus hermanos Dora Infante y Pedro Luis Infante.

¿Quién era Angélica Infante?

Durante la década de los 80, la nieta de Ángel Infante fue un referente de la escena musical del rock mexicano. Angélica formó parte del grupo Exceso en 1982 y de Gatas de Callejón en 1984.

Lideró el cartel del Primer Festival Dedicado a la Mujer Rockanrolera, realizado en el Salón Cosmos 2000, junto a Cecilia Toussaint y Arpía, Ángela Martínez, de TNT, y Flor, de la banda Radar.

Como actriz participó en cintas y videohomes como “Seducción y muerte” (1989), “El cazador” (1991), “Reportero de modelos” (1995), “Ataca el chupacabras” (1996), “El vampiro enamorado” (1996), “El taxista querendón” (1997), “¡Soy mojado y que!” (1997), “El compa nariz de a gramo” (1999), “El botas de avestruz” (2000), “El mameluco de mi compadre” (2003), entre otras.

Su partida también la confirmó en las redes sociales el comunicador especialista en música Chava Rock, quien confirmó que la artista falleció el miércoles 5 de febrero.

A través de Facebook, familiares de Angélica, reconocida por su lucha feminista, pidieron oraciones para ella y proporcionaron los datos del velorio que se realizó en una conocida funeraria de la Ciudad de México.

“La familia Infante Gamboa estamos consternados por el deceso de nuestra hermana Angélica Infante quien ahora está en presencia de Nuestro Señor Jesucristo”.

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MB 

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