Cine y Tv
John Ford: Sus mejores películas
«Mi nombre es John Ford. Soy director de westerns«. Una frase que inmortalizó al que muchos consideran el mejor director estadounidense de todos los tiempos, así como sus aportaciones en la construcción del mito americano con incontables películas que abordaron los sueños y pesadillas de la frontera.
Pero su talento no se limitó a la captura del oeste, sino que le permitió abordar con destreza toda clase de historias dotadas de gran complejidad. Tramas diversas que van de la pérdida de la inocencia europea, los estragos de la Gran Depresión, así como los frentes menos explorados de la II Guerra Mundial.
John Ford también es recordado por sus alianzas recurrentes con ciertos actores, siendo John Wayne el más conocido de todos al acumular más de una veintena de colaboraciones. La amistad fuera del set nunca mermó su dureza laboral, al grado que su continua búsqueda de la perfección absoluta arrancó lágrimas al Duque en varias filmaciones.
Una figura clave para la construcción de la industria cinematográfica que conocemos hoy en día, estas son las mejores películas en la obra de John Ford.
10. Delator (Dir. John Ford, 1935)
John Ford fue un emblema del cine norteamericano, pero nunca renegó de sus raíces irlandesas. El hombre quieto (1952) suele ser el mejor exponente de esto, pero la tendencia también es palpable en Delator, sobre un hombre relegado del Ejército Republicano Irlandés y cuyas necesidades le hacen delatar a un antiguo compañero, lo que resulta en una serie de culpas que sirven como eje temático de las acciones. Ha resentido el paso de los años, no tanto por su trama, sino por su sensibilidad extrema que complica la identificación con las audiencias contemporáneas. Aun así es una obra clave en la obra del realizador al iniciar su ruta a la madurez que se concretaría unos años después con La diligencia (1939) y que se manifiesta en la exploración a profundidad de sus personajes centrales y en su interés estético que en este caso combina elementos hollywoodenses y del expresionismo alemán. Representó su primera nominación al Oscar a Mejor director, y más importante aún, su primera estatuilla en la categoría.
9. Fuimos los sacrificados (Dir. John Ford, 1945)
Si John Ford es considerado el director americano por excelencia es por su atinada comprensión de la psique estadounidense. Esta habilidad no se limitó al western, pues también puede apreciarse en su paso por el cine bélico, como es el caso de Fuimos los sacrificados. La cinta aprovecha el entonces menos explorado frente del Pacífico para mostrar los esfuerzos de un navío por contener una invasión japonesa en Filipinas, lo que permite la exploración de temas recurrentes en la obra del realizador, como es el más profundo de los heroísmos a costa de la propia vida. Buena parte de su popularidad radica en su alto realismo, así como en el estupendo trabajo de su dupla estelar integrada por Robert Montgomery y John Wayne, destacando que este último era continuamente acosado por el director, quien lo tachaba de cobarde por no participar activamente en el conflicto. A esto sumemos su oportuno timing, pues inició filmación en un momento crítico en la guerra contra los nipones, pero estrenó sólo unos meses después de terminada la guerra, lo que le convirtió en un bálsamo de idealismo para una unión americana urgida de mensajes alentadores.
8. ¡Qué verde era mi valle! (Dir. John Ford, 1941)
Luego de tres intentos fallidos, ¡Qué verde era mi valle! representó el primer Oscar a Mejor película para una cinta de John Ford. El reconocimiento no vino exento de polémica, al implicar la derrota de Ciudadano Kane (1941) que es considerada por muchos como uno de los mejores filmes de todos los tiempos y las acusaciones de ser una historia demasiado sencilla cuyo único mérito es la nostalgia de un hombre que rememora su infancia en un pueblo minero galés en franca decadencia. Un error de apreciación que ha mermado el legado de uno de los títulos más representativos del legendario cineasta, quien aprovecha la añoranza para impactar en las emociones del público, pero sobre todo para arrojar una dura crítica a la industrialización que destruye la pureza del mundo reflejada en la mencionada población, la familia protagonista obligada a fragmentarse para garantizar la supervivencia y la vida de un patriarca que trabaja duramente para sacar adelante a su hijo más pequeño y concretar así su misión en esta vida. Una visión desoladora de un mundo que se ha ido para nunca volver y que representó el tercer Oscar a Mejor director para Ford, con el que se convirtió en el primer cineasta en ganar la terna de manera consecutiva.
7. Trilogía de la Victoria (Dir. John Ford, 1948; 1949; 1950)
La obra de John Ford es clave para entender la evolución del mito americano, con un oeste cuya simbología pasó del sitio esperanzador al epicentro de la decadencia moral. Esta debacle es evidente en la llamada Trilogía de la Victoria, con tres películas conectadas no por la misma historia, sino por un territorio fronterizo en franca caída libre. La que figura entre las grandes trilogías temáticas de todos los tiempos es integrada por Sangre de héroes (1948) que lleva al interior de un fuerte destinado a la desgracia por la intolerancia de sus líderes; La legión invencible (1949) sobre un veterano aquejado por el miedo en una última misión; y Río Grande (1950) que aborda la víspera de un enfrentamiento decisivo con una armada incompetente y un líder sumido en una crisis personal. Una visión pesimista con la que se abordaron, no sólo los problemas de una joven unión americana, sino los métodos violentos de un país que no duda en exterminar a cualquiera que considera una posible amenaza.
6. El hombre quieto (Dir. John Ford, 1952)
John Ford es un eterno referente del western. Quizá por ello muchos aún se sorprenden al recordar que el director se alejó temporalmente de los mitos fronterizos para relatar una historia cuyo dramatismo no le impidió emular la esencia de los cuentos de hadas. Esto a partir de un hombre que regresa al pueblo que le vio nacer para disfrutar de una vida tranquila, pero sobre todo para escapar de los demonios de su pasado. El objetivo se complica por las provocaciones de algunos miembros de la comunidad, así como por las presiones de su esposa cuyo rechazo a la pasividad de su marido resulta en una auténtica catarsis que lleva al anhelado final feliz. Todo esto enaltecido por un escenario rural de verdadero ensueño y por un rompimiento de la cuarta pared que desembocó en uno de los secretos mejores guardados del cine: las palabras que Maureen O’Hara susurra al oído de John Wayne antes de cerrar las acciones. Pasó a la historia además por ser el cuarto y último Oscar a Mejor director para John Ford.
5. La pasión de los fuertes (Dir. John Ford, 1946)
John Ford aprovechó Un tiro en la noche (1962) para recordar que “cuando la leyenda se convierte en un hecho, imprime la leyenda”, una recomendación que él mismo siguió más de 15 años antes con La pasión de los fuertes. Y es que si Wyatt Earp alcanzó la condición de mito americano fue en buena parte por esta película, construida según el propio cineasta, a partir de un encuentro que sostuvo con el defensor de Tombstone. A diferencia de tantas adaptaciones que le antecedieron y precedieron, la de Ford no se centra exclusivamente en el famoso tiroteo de OK Corral, sino que construye a un hombre cuyos altos principios morales le llevan a arriesgarlo todo en pos de la justicia, lo que aunado a su destreza le permitió salir avante frente a una amenaza superior. No conforme con ello, el realizador enfatiza que su condición de alguacil permitió una fusión simbólica del pistolero y el hombre de ley que fue clave en la civilización del salvaje oeste, no tanto en la historia como en el imaginario colectivo. También lo muestra como un hombre que se da el tiempo de entablar amistad y alianza con el no menos mítico John “Doc” Holliday, pero sobre todo de buscar el amor con su adorada Clementine Carter referida en el título en inglés. Si hay una película que refleja la manera en que John Ford contribuyó a la creación del mito americano, es La pasión de los fuertes.
4. La diligencia (Dir. John Ford, 1939)
Si 1939 figura entre los años más gloriosos en toda la historia del cine es por el alto calibre de sus títulos, siendo La diligencia un claro ejemplo de ello. A diferencia de sus contemporáneas Lo que el viento se llevó y El Mago de Oz, la película dirigida por John Ford ha perdido popularidad con el tiempo por la aparente sencillez de su trama. Pocas acusaciones tan injustas como erróneas, pues sólo algunas películas han aprovechado con tanta destreza las propiedades de su género para reflejar la complicada naturaleza humana. Esto a partir de un pequeño grupo de personas que, en un peligroso viaje a bordo del vehículo titular, representan las distintas caras de la sociedad norteamericana: desde la hipocresía de los acomodados hasta la nobleza de los inadaptados. A esto sumemos su legado técnico plasmado en la alta movilidad de sus cámaras durante el tercer acto y que fue determinante para la evolución de las secuencias de acción en los años venideros. Finalmente, aunque dista mucho de ser su primera colaboración con John Wayne, sí que fue la primera verdaderamente trascendente, con el actor interpretando a un heroico Ringo Kid que comenzó una de las alianzas más importantes del celuloide. Un clásico en toda la extensión de la palabra que representó la segunda nominación al Oscar a Mejor director para Ford, siendo además la única que no desembocaría en la codiciada estatuilla.
3. Un tiro en la noche (Dir. John Ford, 1962)
El western crepuscular por excelencia y la joya tardía del que muchos consideran el mejor director estadounidense de todos los tiempos. Su historia aborda una combinación imposible, un viejo pistolero y un abogado encarnados brillantemente por John Wayne y James Stewart, y que reflejan dos formas radicalmente opuestas de ejercer la ley. Una debe expirar para garantizar la transición del oeste a la legalidad; la otra es insuficiente ante la amenaza del infame Liberty Valance un bandolero renuente a la rendición. Tras incontables debates sobre la eficacia de cada una, ambas se fusionan en un duelo nocturno indispensable para garantizar la justicia, así como la confianza de una sociedad en un nuevo sistema. Irónicamente, esta victoria simbólica de la ley viene acompañada de un legado –¿o una mancha? – imborrable para el jurista que descubre que el mito del oeste es simplemente indeleble al ser pieza clave en las bases del país. Después de todo, si hay algo que nos enseñó Un tiro en la noche de John Ford es que “cuando la leyenda se convierte en un hecho, imprime la leyenda”.
2. Las uvas de la ira (Dir. John Ford, 1940)
La adaptación de la novela homónima de John Steinbeck es más que un título clave en la obra de John Ford, es todo un pináculo del cine mundial, al grado que no sólo es celebrado como la cinta definitiva sobre la Gran Depresión, sino que por un tiempo se le consideró la mejor película de todos los tiempos. Estos flamantes calificativos sólo fueron posibles porque el cineasta no se conformó con plasmar la historia de una familia que pierde su hogar en el medio oeste norteamericano y debe trasladarse a territorio californiano en busca de nuevas oportunidades, sino que construyó una compleja exploración de la dignidad humana en tiempos donde la esperanza escasea y la población debe conformarse con la búsqueda de supervivencia. Una alteración simbólica del oeste que la torna especialmente dolorosa ante la caída libre del sueño americano, pero también gratificante por la honestidad y el realismo con que captura la lucha humana ante una de las peores crisis del siglo XX. Cualidades que resultaron en el segundo Oscar a Mejor director para John Ford.
1. Centauros del desierto (Dir. John Ford, 1956)
Descifrar la obra maestra de un cineasta tan brillante como John Ford podría parecer una misión imposible, pero no lo es. Centauros del desierto, más que un western, es la reconstrucción psicológica de un género que por años plasmó un cowboy heroico, una imagen que se tornó insostenible con el tiempo y que obligó a mostrar la cara más oscura del corazón de América. Todo esto con un veterano atormentado tras años de batalla y que tras padecer la masacre de su familia, emprende una misión para rescatar a su sobrina de los nativos que la tienen secuestrada. Pero la gesta se prolonga hasta convertirse en una obsesión enfermiza que alcanzará un punto crítico con un encuentro que rompe violentamente con todas las expectativas. Una épica trágica por la brutalidad con que plasma la mentalidad estadounidense ante el diferente e impuro que debe ser erradicado para evitar su propagación en las fértiles tierras norteamericanas. Su grandeza le convirtió en el gran exponente del western revisionista y en uno de los grandes clásicos en toda la historia del cine.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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Después de haber recibido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reconocimientos y alabanzas que fueron coronadas con múltiples candidaturas al Premio de la Academia, la película Valor sentimental se coloca como favorita en al menos dos categorías: Mejor película internacional y Mejor actor de reparto para Stellan Skarsgård, quien interpreta al frío y distante cineasta Gustav Borg.
Durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de entrevistar al actor sueco sobre su relación con su personaje, los cineastas como maniáticos peculiares y hasta el estado del cine contemporáneo.
Cine Premiere: Sabemos que tuviste un derrame cerebral alrededor de la época en la que estabas haciendo la segunda temporada de Andor y de lo difícil que fue volver a la actuación. ¿Qué tanto batallaste para hallarte a ti mismo delante de la cámara para Valor sentimental?
Stellan Skarsgård: No me gusta la idea de enfatizar que sobreviví o que estoy luchando con las secuelas de un derrame… En aquella época también estaba haciendo Duna 2 y en ocasiones tenía problemas para recordar mis líneas y para ello usaba apoyos visuales, como el prompter o un apoyo auditivo. También lo hice en ésta película. Quizá por ello me volví mejor actor, porque ¡los tres proyectos que hice después de ese ataque se convirtieron en grandes éxitos! (risas) Pero realmente no creo que eso me haya hecho mejor, no me gusta el efecto que tuvo en mí.
CP: Has trabajado con varios cineastas a lo largo de tu carrera, me preguntaba si basaste tu interpretación o tomaste algún gesto de alguno de ellos para tu papel en Valor sentimental…
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SS: No para ésta película. El problema es que si quieres hacer algo “basado” en alguien más, se tiende más bien a hacer una parodia de la persona y no quería hacer eso. Quería que mi personaje se sintiera como un ser humano auténtico. Lo interpreté como si fuese un panadero, plomero o cualquier otra profesión u oficio. Pero lo específico de su labor tiene que ver con la relación que tiene con sus hijas, porque está obsesionado como cualquier otro director.
No hay directores “normales”… Todos son maniáticos de alguna manera, pero yo soy actor y me encanta estar en el set con otras personas. Esa pasión, esa adicción es muy difícil de vivir cuando tienes una familia. Yo tengo 8 hijos y solo trabajo 4 meses al año y Gustav (mi personaje) no tiene los problemas que yo tengo, yo soy más moderno que él. Gustav está peleando con roles tradicionales masculinos. Tiene esa creencia arraigada de que el padre es mejor, que sabe más, pero realmente eso no es necesariamente cierto.
CP: Uno de los detalles más llamativos de tu personaje es su incapacidad para lidiar con aspectos de la vida cotidiana muy simples. Como aquella escena con la toalla de la cocina o cuando no sabe dónde colgar la ropa…
SS: Sí, esos detalles estaban en el guión. Joachim no deja escapar nada…
CP: Decías anteriormente que los cineastas son “maniáticos”, en ese sentido, ¿qué tipo de maniático es Joachim Trier?
SS: Es el maniático más dulce y encantador. Es muy rígido en algunos aspectos de su película pero no permite que eso destruya su relación con las personas. El otro Trier (Lars Von Trier) es un tipo de maniático diferente, pero ambos son personas sumamente gentiles en el set. Es maravilloso trabajar con ellos porque la atmósfera incita a la creatividad y hay confianza suficiente para poder proponer cosas. En el set de Joachim no hay por ejemplo jerarquías por que somos un equipo relativamente pequeño…algo muy escandinavo (risas)…¡que se jodan las jerarquías!
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CP: ¿Qué tan fácil fue para ti establecer un buen rapport con Elle Fanning o Renate Reisnve, considerando que son mucho más jóvenes y cercanas en edad a tus hijos?
SS: Diría que fue tan simple como lo es con cualquier actor, realmente. Se construye una relación cercana en solo segundos. Desde luego que tienes que confiar en ellos y viceversa, ¡pero yo confío en todos! (risas) Y esas chicas me conocen bien, no me tienen miedo (risas)
CP: En la película se hace burla de los junkets, de Netflix, incluso del cine mismo. ¿Cuál es tu postura personal sobre el estado del cine actual?
SS: La industria siempre ha dependido del dinero, dado que es muy caro hacer películas. Ahora las decisiones están basadas en ganancias, pero no hay una conexión real entre lo que haces y el mundo financiero y eso es atemorizante. Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece y cuando se trata de arte, se vuelve peligroso…
CP: Uno de los chistes más celebrados del festival fue cuando le regalas en la película a un niño DVDs de La maestra de piano de Michael Haneke e Irreversible de Gaspar Noé. ¿Tú hubieras metido alguna película en la que hayas trabajado?
SS: ¡Desde luego! Y aunque es un gran chiste, creo que revela algo importante sobre mi personaje. No sigue las reglas de la sociedad, no las reconoce. Pero yo pienso igual, puedo enseñarle a mis hijos una película pornográfica sin problema. Las convenciones sociales dirían que estoy loco. Hace un par de años en Nueva York me tocó presenciar un debate en el que se discutía a qué edad se debería decir a los niños ¡que las hamburguesas están hechas de vacas! Totalmente demencial…
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