Cine y Tv
Dariela Ludlow: desaprender, imaginar y pensar con imágenes

Dariela Ludlow quería ser artista visual, pero solo le bastó un verano como asistente de cámara para cambiar de opinión. El cine, que generalmente se las arregla para entrar a la vida de formas inesperadas, a ella se la robó durante las vacaciones, semanas antes de su entrada a la Escuela Nacional de Artes Plásticas.
“Literalmente se coló en mi vida”, nos dice Dariela Ludlow, hoy directora y cinefotógrafa, tres veces nominada al Ariel. “Mi medio hermano era productor de cine, pero yo nunca estuve cerca de sus rodajes. En ese periodo me invitó al rodaje de una película en Puerto Vallarta y me impresionó muchísimo. Me colé. Ya nunca fui a la ENAP”.
Perdita Durango, cinta de Alex de la Iglesia protagonizada por Javier Bardem, se convirtió en la primera de diversas producciones en las que trabajó como trainee de cámara durante casi tres años, hasta que entró al Centro de Capacitación Cinematográfica. Después de estudiar dirección y cinefotografía, la llegada del video como una posibilidad más del cine independiente le abrió a su generación nuevos caminos. Muy pronto estaría filmando su primer cortometraje, Tr3s, y un primer largo documental. Con los años, se convirtió en una de las principales cinefotógrafas de México, cuyas imágenes podemos ver en cintas como No quiero dormir sola, Los adioses, Las niñas bien, y próximamente también en la tercera temporada de Narcos: México.

Dariela habla de dos momentos clave en su formación como cineasta. El primero fue en la escuela. “El CCC cambió mi vida”, nos dice. “Los maestros me preguntaban para qué quería entrar si yo ya tenía un camino trazado. Pero había otra formación integral que yo necesitaba y que no se aprende en un set. El CCC me la dio, me enseñó lo que significa hacer cine, que uno es un cineasta, no solo un fotógrafo, un director o productor. Que es un trabajo colaborativo. Hay que entender todos los componentes que lo forman”.
La segunda gran revelación llegó en la forma de un seminario de filosofía y cine, impartido por la Filmoteca de la UNAM, en donde confrontó aquella creencia habitual, enraizada en las escuelas de cine, que entiende a la realización cinematográfica como un vehículo solo para contar relatos, es decir, con un fin únicamente narrativo.
“Entendí que limitar el cine solo a contar historias es coartarle todas sus posibilidades de expresión. Eso también lo hace la literatura, y muy bien, pero el cine tiene también otras virtudes, que van desde mostrarte otras realidades, hasta posibilitar que tu imaginación piense en otros mundos: otras formas ver, de oír y, sobre todo, de pensar. El cine, entendido como un arte y no sólo como un entretenimiento, es un proceso de pensamiento”.
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¿Es imposible detonar esos procesos de pensamiento en un cine narrativo, que cuente una historia? Para Dariela, es posible llevar cualquier proyecto a los terrenos de lo conceptual, lo metafórico y lo reflexivo. “Se oye muy difícil, pero empieza desde el lugar donde decides poner la cámara, ahí estás ya tomando una postura o crítica ante lo que estás mostrando”, dice la cinefotógrafa, quien exhorta a pensar las imágenes más allá de si son “bonitas” o de las leyes de composición. “Aunque sean los Ositos Cariñositos, no importa. Aunque sea una película de comedia. ¿Estás poniendo a personas ahí? ¿Desde dónde estás hablando? ¿Dónde vas a poner la cámara para mostrar que esa mujer está guapa? ¿En sus pompas? ¿Pooor? Eso hay que preguntárnoslo”.

Descubrimientos
El primer acercamiento de Dariela a la ficción en largometraje ocurrió con Esa era Dania, cinta que presentó en el Festival Internacional de Cine de Morelia en 2016 y que también se alimenta de una realidad que le da tintes documentales: retrata un embarazo adolescente protagonizado por su sobrina, quien pasó por esa misma situación y quien ficcionaliza para la cámara su propias experiencias. La cineasta dirigió, fotografió y escribió la historia, aunque esa escritura nació de otro lado: se escribió en imágenes y no en palabras.
“Con esa película aprendí sobre las distintas formas que puede tener el proceso creativo. Yo no tengo la dedicación de sentarme a escribir como tal: a mí me vienen más bien imágenes a la cabeza y se vale también crear desde ahí”, reflexiona Dariela, quien describe el proceso de creación de esta película como un constante descubrimiento. Sin la presión de un productor, rodó a lo largo de seis años las escenas, que luego cobraron vida en la sala de edición. “Te enseñan que el guion es la base de todo y no necesariamente es así. Si tu sistema esta estructurado desde otro lugar, hay que entenderlo desde ahí. Te libera de cadenas, de fórmulas y de caminitos armados. De pronto eres libre. Y sí, te puedes perder, pero no pasa nada”.
¿Será, entonces, que hacer cine es un constante desaprender? “Sí, por supuesto. Uno debe ser capaz de destruir todo lo que sabe y de volverlo a reinventar. Da mucho miedo porque es negarte. Pero uno tiene que negarse, no nada más para ser radical o porque sí, sino para posibilitar un espacio nuevo de creación”.
Dariela tiene un último consejo para los que inician su camino: “Para hacer cine lo que hay que hacer es leer y vivir. No nada más ver películas. Lo que necesitas es desarrollar tu imaginación”, afirma. “Si no, lo único que harás es replicar. Todos debemos hacernos responsables de nuestra sensibilidad. No esperemos a que nos enseñen las cosas. Tienes que ser consciente de lugar desde donde creas, pero también de qué es lo que estás consumiendo”.
Fotoarte: Viridiana Salazar (@un_astronauta)

Esa era Dania se encuentra disponible en Mubi.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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