Cine y Tv
Utopia es “Stranger Things conoce a Quentin Tarantino”: Rainn Wilson

¿Antojo de una historia sobre teorías conspirativas o de crisis virulentas, que hoy en día poco se distinguen del mundo real? Entonces quizá quieras echar un ojo a la serie original de Prime Video Utopia, la cual ya está disponible en México desde dicha plataforma streaming. Uno de los miembros clave de su reparto es Rainn Wilson (The Office), quien interpreta al Dr. Michael Stearns, un investigador científico que cree haber hallado la manera de detener la propagación de un mortífero virus dentro de la ficción.
Mientras tanto, un quinteto de jóvenes colegas busca la solución a aquella problemática global (y a tantas otras) mediante una inesperada fuente de información: una críptica novela gráfica titulada «Utopia».

Una sinopsis de la flamante serie de Prime Video dicta lo siguiente:
«Utopia es un thriller conspirativo sobre un grupo de jóvenes fanáticos que descubren que la conspiración de un elusivo cómic, «Utopia», es real. La historieta predice el fin de la humanidad y del mundo tal como lo conocemos, y empuja a estos marginados a embarcarse en una arriesgada y retorcida aventura donde usan lo que descubren para salvarse a sí mismos, a los otros y, finalmente, a la humanidad».
Se trata del remake estadounidense de un show originalmente británico, cuyas dos únicas temporadas fueron transmitidas por Channel 4 entre 2013 y 2014. Su reinvención americana tuvo como creadora a Gillian Flynn, mejor conocida por escribir la novela Gone Girl y también la homónima adaptación fílmica, dirigida por David Fincher.
Vean a continuación lo que el actor Rainn Wilson comentó a Cine PREMIERE hace algunas semanas respecto a su papel en Utopia, como también a la cualidad violenta y humorística de esta serie de ciencia ficción, que él mismo describió como si Stranger Things fuera dirigida por Quentin Tarantino. ¿Será?

La showrunner de la serie es Gillian Flynn. ¿Cómo fue trabajar con ella?
RW: Yo no conocía a Gillian en absoluto antes de que me ofreciera el papel, pero estaba familiarizado con Gone Girl y algunos de los thrillers que ha escrito. Estoy muy impresionado con Gillian, amé mucho trabajar con ella. Creo que su visión es realmente fantástica. Ella parece una estadounidense normal, como un ama de casa de la zona centro de país, pero no dejen que la apariencia los engañe, porque ella es un demonio. Ella está loca. Su sentido del humor está muy trabajado, es retorcido y divertido. Su sensibilidad es muy oscura y perturbada. Me encanta que le hayan dado rienda suelta para Utopia y así pudiera mostrar todo ese lado de ella. Simplemente ha sido un placer trabajar con Gillian.
¿Cuál fue tu primera reacción al guion de Utopia?
RW: Gillian Flynn me ofreció el papel. Me mandaron como seis guiones y francamente estaba un poco escéptico. Decía: ‘Yo no sé nada sobre esto’ y sabía que yo no figuraba en el piloto. Pero entonces comencé a leer y me enganché de inmediato. Planeaba leer sólo como uno y medio [guiones] y leí el primero, el segundo, el tercero y simplemente seguí y seguí. Estaba enganchado, ¿sabes? Amé los personajes y especialmente amé mi personaje. Pensé que era muy diferente a cualquier cosa que haya interpretado antes, este tipo de científico que vive en un sótano y que se embarca en un viaje indignante. Tiene mucha integridad pero humor al mismo tiempo. Así que estaba dentro, muy emocionado de formar parte de eso.
¿Cómo fue tu preparación para interpretar a un científico?
RW: Cuando conseguí el papel, regresé a la universidad y obtuve mi doctorado en biología molecular [risas] Mi broma hubiera funcionado mejor si pudiera pronunciar “molecular”… No, realmente no hice mucha investigación como científico. La ciencia es el fondo y se hace referencia a ella. Si hubiera tenido que utilizar muchos instrumentos científicos o lidiar con mucha jerga científica, hubiera profundizado en ello un poco más. Pero, para mí, la preparación fue más emocional y psicológica para que el doctor Michael Stearns emprendiera este viaje. Él comienza como un tipo muy pequeño, trabajando en el sótano de una universidad con un campo de estudio muy estrecho, y entonces se ve empujado al escenario mundial. Es una trayectoria emocionante la que sigue, entonces yo estaba trabajando más por ese lado.

El show cuenta la historia, muy oportuna en este momento, de una pandemia. Es algo casi aterrador. ¿Cómo te sientes al ver Utopia en los tiempos actuales, especialmente siendo tu personaje un científico directamente involucrado en la investigación de un virus?
RW: Sí, es realmente algo espeluznante formar parte de un show que versa sobre una pandemia viral y, en el centro de ella, estar interpretando a un científico que es un virólogo. Estaba bromeando el otro día sobre que la gente acusará a Jeff Bezos [director ejecutivo de Amazon] de iniciar la pandemia [de coronavirus] para que la gente viera Utopia. Esa será la siguiente teoría conspirativa. Es bastante escalofriante, de cierto modo aterrador, y sin embargo pienso que [esta coincidencia] hace que el show sea aún más relevante ahora. Creo que las personas realmente estarán intrigadas por este show que fue producido en 2019 y que es sobre una pandemia, la cual tiene tantos ecos de lo que está pasando en el mundo.
Hay muchas personas, especialmente durante la crisis del COVID-19, que no han creído en las recomendaciones científicas sobre cómo hacer frente a un virus. ¿Cuál es el mensaje que tu personaje, como científico, puede compartir al mundo a lo largo de la serie?
RW: Estoy muy emocionado de interpretar a un personaje que es un científico, que es un hombre de ciencia y de palabra, basado en la ciencia y en los hechos, dentro de este mundo indignante con conspiraciones que hay tanto en el mundo de Utopia como en el mundo real. Simplemente pienso que la ciencia es súper importante. No sé qué le ha pasado a la humanidad, pero parece que una tercera parte de los seres humanos del planeta han abandonado la ciencia, la toma de decisiones basada en hechos. Es absolutamente loco para mí que la gente no crea en el cambio climático, no crea que los cubrebocas sean útiles, no acate a los científicos ni crea en ellos. Es demencial. No sé si encarnar al Dr. Michael Stearns haga alguna diferencia pero me alegra estar del lado de la ciencia.
Tampoco es un buen momento para las salas de cine debido a la actual situación del mundo, y los servicios streaming se han vuelto más importantes para la audiencia. ¿Tú crees que serán aún más relevantes en el futuro?
RW: Es un gran punto. Es interesante este alejamiento de las películas y esta aproximación a la televisión. Y lo pienso así porque más personas están reproduciendo contenidos en casa. Cuando yo crecía viendo televisión, la televisión era de este tamaño [pequeña] y tenía una terrible calidad de imagen. Ahora por $600 dólares puedes adquirir una pantalla del tamaño de una pared y con una calidad de imagen muy clara. Es como tener una pequeña sala de cine en tu casa. Puedes ver una película de dos horas en tu hogar pero hay algo en la cualidad semanal de volver a los personajes y emprender un viaje que parece prestarse mucho mejor a la visualización en casa. Creo que la televisión y las series limitadas son la tendencia a futuro, aunque no creo que las películas se acaben nunca. Siempre amaremos las grandes películas porque generan algo realmente especial, brindan esa increíble experiencia de dos horas. Pero también nos encanta el modo extenso [seriado] de contar las historias. Aparentemente la gente lo ama alrededor del mundo.

Hasta ahora, ya eres un especialista en remakes estadounidenses de series televisivas británicas. ¿Cómo te aproximas a los materiales originales? ¿Te gusta verlos primero o prefieres no verlos en absoluto?
RW: Cuando hice la versión americana de The Office, yo ya era un gran fan de The Office de la BBC. Pensaba que era absolutamente brillante y estaba emocionado de participar en un remake estadounidense. Dicho esto, no quería hacer sencillamente mi versión de Gareth Keenan, sino que quería hacer de Dwight Schrute su propia persona, su propio tipo de personaje. Siento que tuvimos éxito al hacer eso. Respecto a Utopia, yo no vi la serie original, la serie de Reino Unido. Tal vez lo haga ahora, pero sabía que realmente no había un personaje corolario que fuera un virólogo al centro de esta suerte de conspiración. Entonces no había ninguna necesidad mía de verla. No quería que su vibra me tentara. Y creo que eso es lo importante. Si vas a reinventar un show, tienes que saber por qué lo estás haciendo. En este caso, Gillian Flynn está tomando los huesos del show original en aras de hacerlo para una audiencia masiva, para que sea disfrutado en todo el mundo por quienes gusten de thrillers, humor negro, violencia indignante y personajes alocados. La describí antes como “Stranger Things conoce a Quentin Tarantino”. Entonces, para las personas a quienes les gusten esos shows, creo que tenemos algo único para ellos.
La serie británica llegó a recibir muchas quejas de brutalidad y Gillian Flynn ha declarado que su versión de Utopia no será tan violenta como su contraparte. ¿Estarías de acuerdo en que la representación de la violencia se contiene en esta nueva versión?
RW: Creo que hubo una controversia con la versión británica de Utopia por toda la violencia que había en ella y a mucha gente le pareció gratuita. Pienso que nuestro show, el show de Gillian, es muy violento. Hay momentos de violencia impactante que suceden, pero todo está dentro de los límites de la historia. No quieres que la violencia anule la historia, sólo quieres que la violencia sea parte de la historia, así como quieres que el humor también sea parte de ella. Hay estos aspectos que quieres que te ayuden a contar la historia. No quieres una violencia al mínimo pero tampoco que sea demasiada. Se trata de encontrar un balance. La gente está habituada a mucha violencia y nuestro show contiene violencia, pero no es sobre violencia. Es realmente sobre estos personajes emprendiendo un viaje escandaloso.
¿Qué puede esperar la audiencia de esta serie? ¿Qué clase de show será?
RW: Es lo maravilloso de este show, que es varias cosas en una. Es un thriller, es una comedia —una comedia muy oscura—, es sobre teorías conspirativas, cuenta con algo de ciencia ficción y también con cierto comentario social. Realmente retoma muchos géneros diferentes, todos al mismo tiempo. Entonces si eres fan de una o dos de aquellas cosas, creo que la gente realmente estará encantada con Utopia. Es en verdad un paseo palpitante. Estos ocho episodios vuelan, te quitan el aliento y son muy emocionantes. La gente estará muy emocionada de esperar, con suerte, una segunda temporada.

¿Tú crees en las teorías conspirativas? ¿Cuál es tu favorita?
RW: Yo creo en teorías conspirativas, aunque quizá no en aquéllas que comúnmente asumimos como teorías conspirativas. No creo que el 9/11 fuera emprendido por el gobierno de Estados Unidos, no creo que Stanley Kubrick haya falseado el aterrizaje en la Luna, no creo que hubieran múltiples tiradores en el asesinato de JFK. Pero sí creo en la conspiración de que las compañías energéticas y petroleras han intentado ofuscar la ciencia alrededor del cambio climático durante décadas. Han hecho que las personas no crean que fuera provocado por el hombre o piensen que su contribución al cambio climático fue mínima, además de que restan importancia a los efectos del cambio climático sólo para obtener beneficios a corto plazo. Ésta es una enorme teoría de conspiración y en realidad ha sido comprobada, está basada en hechos. Puedes leer artículos al respecto, puedes ver memos internos de oficina sobre eso. Es el tipo de teorías conspirativas en las que creo, aquéllas que están basadas en hechos y en ciencia.
Más conspiración aguarda en Utopia, cuyos ocho capítulos ya están disponibles a través de Prime Video México. ¿Ya la vieron? ¿Qué les pareció?
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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