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Comic-Con 2020: Cineastas del horror latinoamericano revelan sus influencias
En el tercer día de actividades de Comic-Con At Home 2020, tuvo lugar un encuentro entre célebres cineastas que representan la nueva ola del horror latinoamericano. Se trata de las y los mexicanos Issa López (Vuelven), Isaac Ezban (El incidente), Víctor Osuna (Las reglas de la ruina) y Gigi Saul Guerrero (Culture Shock), junto con el cubano Alejandro Brugués (Juan de los muertos) y el argentino Demián Rugna (Aterrados).
A continuación, hacemos una resumen de los comentarios que cada uno de estos realizadores y realizadoras vertió en el panel denominado Cine Latinoamericano de Horror 2: A veces ellos vuelven. Tales declaraciones refieren a aquellas influencias que detonaron su amor por el género del horror o que sentaron las bases para el tipo de historias que cada uno anhela contar en sus películas.
Alejandro Brugués
El argentino fue el primero (que no el único) en señalar al tapatío Guillermo del Toro como una de sus mayores influencias dentro del cine latinoamericano del horror. Explica que creció en Cuba durante los años 80, así que «no nos llegaban tantas cosas [películas] y menos del horror».
No obstante, Brugués tiene muy presente la película cubana ¡Vampiros en La Habana! (1985), la cual dejó marca en su infancia, resultó «de lo más divertido» que vio al crecer e influyó en su cinta de zombies Juan de los muertos (2011).
Por otro lado, el cineasta de 43 años habla del escritor Stephen King como responsable de algunas obras literarias que le inspiran y que incluso le motivaron a aprender inglés. No obstante, las letras hispanas no le son ajenas y destaca el trabajo de Jorge Luis Borges, Julio Cortázar y Horacio Quiroga.
Isaac Ezban
Nuestro paisano igualmente exaltó el nombre de Guillermo del Toro, definiéndolo como «el titán que todos admiramos». Para Ezban, la grandeza en el cine del ganador del Óscar radica en su «modo especial» para abordar «etapas de la vida como el coming-of-age», situaciones realistas o el contraste entre la inocencia pueril y el mundo adulto, a través del género del horror. Esto inspiró al director de 34 años a siempre buscar el elemento humano en sus filmes de fantasía y ciencia ficción.
Por otro lado, Ezban reconoce que creció con Scream (1996) —la primera película dentro del género que vio—, como también con Pesadilla en la calle del infierno (1984), la filmografía de David Cronenberg y, en general, las cintas slasher de los años 70 y 80.
Resalta también su pasión por series televisivas como La dimensión desconocida (lo realista conviviendo con lo sobrenatural) y Lost (cuya esencia se disputaba entre lo profundo y lo siniestro).
Y respecto al ámbito literario, Ezban señala que intenta siempre leer un libro de Stephen King al año. Mención aparte que su filme El incidente (2014) estuvo parcialmente inspirado en la novela (que no la película) Cloud Atlas.
Gigi Saul Guerrero
La joven realizadora (nacida en México, radicada en Canadá) rememora que su acercamiento con el horror se dio desde que su abuela le contaba historias sobre la Llorona y el Coco.
Por otro lado, dice que el golpe fílmico llegó con Los niños del hombre (2006) pues la impresionó por su madurez y «narrativa visceral». De esta producción de Alfonso Cuarón, ella pasó a la filmografía de los otros dos «amigos» (del Toro y Alejandro G. Iñárritu), y de ahí al trabajo de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez.
Asimismo, sobre su interés en las imágenes gore, la directora de Culture Shock (2019) rememora que un primer acercamiento surgió al ver grabaciones de cirugías plásticas, cuadro por cuadro, cuando era niña. Y tampoco olvida que al visitar McDonald’s en México, al lado había un puesto de periódicos donde no faltaban impresos con la imagen de algún descabezado.
Issa López
Para la directora de Vuelven (2017), también las historias de la abuela —un pueblo siendo visitado por el diablo, por ejemplo— fueron clave para zambullirse por primera vez en el horror. Pero esto se complementaba con cintas nacionales de los años 50 y 60, protagonizadas por el Santo, las Momias de Guanajuato o «nuestro propio Hombre Lobo latinoamericano».
Asimismo, López reconoce la importancia del director Carlos Taboada, «un peso pesado y una voz única dentro del género» con películas como Veneno para las hadas (1984), Hasta el viento tiene miedo (1968) y Más negro que la noche (1975).
Pero los cómics también han ejercido gran influencia en la filmografía de la mexicana; en específico, la serie The Sandman de Neil Gaiman, la cual inspira «el nervio de su trabajo» al versar sobre el choque entre la realidad y los sueños.
Mención aparte a novelistas como Fernanda Melchor, Mariana Enríquez y Carmen María Machado, quienes en sus historias «toman elementos de la vida real y los fusionan con verdadero horror visceral».
Víctor Osuna
«Una de las cosas importantes acerca del cine latinoamericano es que, de alguna manera, se lleva el horror en las venas», dice el director nacido en Guadalajara, aludiendo a películas de Cuarón (Los niños del hombre) e Iñárritu (Amores Perros), como también al trabajo de los cinco colegas con los que comparte panel.
No deja de mencionar, por supuesto, a Guillermo del Toro, Carlos Taboada y filmes mexicanos como El escapulario (1968), El vampiro (1957), La Llorona (1933) y El esqueleto de la señora Morales (1960).
Sobre referencias puramente visuales a las que recurre el director de Las reglas de la ruina (2018), menciona a artistas como Caravaggio, Zdzisław Beksiński y H.R. Giger.
Además, utiliza la música de The Smashing Pumpkins y Depeche Mode cuando quiere dejar volar su imaginación en pos de nuevas historias.
Demián Rugna
El argentino piensa en un «héroe local» de su país, el director Narciso Ibáñez Menta, si se trata de cineastas latinoamericanos de generaciones pasadas que dejaron huella en el género del horror. Fuera de él, Guillermo del Toro sigue siendo el máximo referente.
Por otro lado, Rugna esclarece que creció con el cine de Steven Spielberg y John Carpenter. Y cuando no veía películas, el futuro realizador de Aterrados (2017) creaba historias propias con sus soldados de juguete G.I. Joe.
Asimismo, de pequeño no le era difícil situarse en escenarios macabros siendo que su padre —dedicado a la brujería— realizaba sacrificios de animales, por lo que la casa donde el cineasta creció solía estar manchada de sangre de gallinas.
Entren aquí para ver el panel completo de Comic-Con At Home con estos seis grandes talentos del horror latinoamericano. ¿Cuál es su favorito?
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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