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10 datos curiosos del disco debut de los Foo Fighters que probablemente no sabías

Published

5 años ago

julio 7, 2020

Lo que comenzó como un proyecto por diversión del baterista de Nirvana, Dave Grohl, se convertiría en una de las bandas de rock de estadio más grandes de la historia. Los Foo Fighters lanzaron hace 25 años un disco que iniciaría una discografía de 9 discos hasta ahora, que ha musicalizado la vida de muchos y que nos ha hecho gritar donde sea que se presenten, teniendo en Grohl un frontman desquiciado que, con todo y una pierna rota tras un concierto, no se ha sabido alejar del escenario.

Afortunadamente para nosotros, Dave se sentó a componer canciones tras la partida de Kurt Cobain, lo que resultó en un disco debut de doce canciones y en que retomara su amor por grabar en un estudio y también por tocar en vivo.

10 datos curiosos sobre este disco homónimo –y debut– de los Foo Fighters

1– El disco fue completamente grabado por Dave Grohl en todos los instrumentos, salvo por una colaboración en la guitarra de “X Static”, en la que tocó Greg Dulli. Como ahora lo sabemos, Grohl es un multi instrumentista que se enfoca en guitarra y batería, pero para este disco, él tocó todo lo demás.

2.- El video para “I’ll Stick Around” lo dirigió Jerry Casale de Devo, porque Dave quería una estética similar a la banda sin plagiarlos descaradamente. El segundo sencillo de la banda los muestra en pantalla tocando mientras un alien/virus/objeto desconocido los rodea flotando.

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3.- Antes de formar a la banda que saldría de gira con Grohl para promocionar el álbum, Tom Petty lo invitó a tocar un par de canciones en Saturday Night Live, y después a que se uniera a The Heartbreakers. Cuando supo de su proyecto, Petty lo apoyó para que siguiera con los Foo. Esta decisión fue clave para que reclutara después a Pat Smear, Nate Mendel y William Goldsmith como la primera alineación de la banda.

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4.- “Exhausted” es la canción favorita de Dave Grohl de ese disco. En una entrevista reciente, reveló, además de su amor a esta canción, que el sonido distorsionado tan identificable de esta rola, se debe a que se grabó en un amplificador hecho en una lata de gasolina con una pequeña bocina, que necesitaba pilas para funcionar. “Si las baterías estaban lo suficientemente usadas, esa cosa sonaba como una distorsión apocalíptica que era muy cool”.

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5.- Las letras de las canciones se hicieron con mucha prisa y con poco sentido, lo que no era importante para Dave. Con siete días para grabar quince canciones, no se consideraba un gran letrista, e inclusive ha reconocido que muchas de las letras que no tenían sentido antes, ahora lo han adquirido.

Algunas de las letras se hicieron en 20 minutos, con una pista ya grabada, por lo que escribía lo que se le viniera a la mente, y ha admitido que en muchas de las canciones usó palabras que ni siquiera lo son. Y como ejemplo, una excelente canción sin sentido:

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6.- La intención del disco era mantener la identidad de Grohl secreta. Se dice que tras la era de Nirvana, Dave planeaba únicamente lanzar cien copias del álbum y usar el nombre Foo Fighters como imagen para que nadie lo relacionara las canciones. Después de firmar con la disquera, eligió la estética extraterrestre con una pistola de una ópera espacial ficticia como portada e inclusive, la disquera en la que se lanzó, dependiente de Capitol y fundada por Grohl, tiene el nombre Roswell Records, por el famoso incidente alienígena que sucedió en esa ciudad de Nuevo México en 1947.

7.- El video para “Big Me” comenzó la tradición de la banda para hacer comedias cortas que nada tienen que ver con las letras de sus canciones. Burlándose de mentos con su propia marca de dulces, Grohl y compañía tuvieron la idea de usar para algo totalmente distinto sus videos musicales. Hoy recordamos también lo divertidos que son “Learn to Fly” y hasta “Everlong”, como joyas que nos hacen reír.

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8.- Para los 20 años del disco, Grohl consideró volver a grabarlo con la banda completa, a lo que Taylor Hawkins, ahora baterista de la banda, le dijo que sería la peor idea y que los fans lo odiarían, por lo que decidió quedarse con la grabación original.

9.- No podremos escuchar el álbum completo en alguna gira futura, ya que Dave ha declarado que odia cuando las bandas hacen eso, ya que le parece presuntuoso y simplemente flojo que toquen un disco pasado en un show.

Foto: Especial

10.- El nombre de la banda, y del disco, viene de la fascinación que Dave tenía en su infancia con los aliens. En 2007, dijo en una entrevista que a los 10 u 11 años, tenía la idea romántica de que existía algo más fuera de nuestro planeta, de que no estamos solos.

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Spotify ofrecerá nuevo plan de suscripción con nuevos beneficios

Published

8 horas ago

febrero 6, 2025

Luis Ontiveros

Spotify ofrecerá un nuevo plan de suscripción para los usuarios. Se trata de un nuevo plan premium para “superfans” que incluirá funciones adicionales para los suscriptores, según señaló Daniel Ek, director ejecutivo de la plataforma.

Este nuevo nivel llega después de que Spotify y Warner Music Group (WMG) firmaran un acuerdo plurianual que busca ofrecerle nuevas experiencias a los usuarios fanáticos de los artistas pertenecientes a esta compañía.

“El nuevo acuerdo ayudará a ofrecer nuevas experiencias a los fanáticos, un catálogo de música y videos más profundo, más niveles de suscripción paga y paquetes de contenido diferenciados“, señalaron ambas empresas en un comunicado.

¿Qué ofrecerá el nuevo plan de suscripción de Spotify y cuánto costará?

Por el momento ninguna de las dos compañías han brindado detalles sobre qué beneficios tendrá el nuevo plan de suscripción. Sin embargo, consideran que tendría un alto nivel de fidelidad con los usuarios.

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De acuerdo con Ek, esta nueva suscripción de Spotify será más atractiva para los fanáticos y además beneficiara a artistas y compositores por igual.

“Este importante acuerdo ofrece nuevos beneficios para los artistas, compositores y fans, al tiempo que posibilita una mayor colaboración que expande el ecosistema musical“, reafirmó Robert Kyncl, director ejecutivo de WMG.

Las compañías, tampoco señalaron cuánto costará el nuevo nivel de suscripción premium y si este llegará a todos los países en donde tiene presencia a Spotify o será en territorios seleccionados.

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La creación de un nuevo plan de suscripción llega en el primer año de rentabilidad para Spotify, después de 17 años de su creación. Su beneficio operativo para el trimestre alcanzó un récord de 509,48 millones de dólares lo que contribuyó a un beneficio operativo total de 1.495 millones de dólares para el año fiscal 2024.

Con información de SUN

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Inteligencia artificial: ¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

Published

10 horas ago

febrero 6, 2025

Luis Ontiveros

Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.

Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.

En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan.

¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.

La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.

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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.

Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.

Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada.

Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.

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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.

Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.

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5 power trios de mujeres en la música

Published

12 horas ago

febrero 6, 2025

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.

Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.

Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.

Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.

Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.

Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground

Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.

La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.

El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.

The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón

The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.

Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.

Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.

Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos

La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.

Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.

La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.

HAIM: un enfoque fresco al power trio

Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.

Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.

Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.

The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica

Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.

Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.

Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.