Cine y Tv
Pepe Ávila del Pino habla sobre su fotografía en La Casa del Dragón: “Intentamos capturar a los personajes en toda su esencia oscura”
Si le has seguido la pista al spin-off de Game of Thrones, House of the Dragon, tal vez hayas notado el nombre de Pepe Ávila del Pino en los créditos del segundo y tercer episodio. Se trata del cinefotógrafo mexicano que se las ha arreglado para posicionarse en Hollywood y viajar a Westeros: no solo ha trabajado en campañas de publicidad como Ella de Armani o Here to create change, de ADIDAS, sino también en películas como The Kindergarden Teacher –protagonizada por Maggie Gyllenhaal– y series como Ozark y The Deuce. Por esta última fue nominado al premio de la Asociación Americana de Cinefotógrafos (ASC, por sus siglas en inglés).
Nacido en Ciudad de México, Pepe Ávila del Pino estudió Comunicación en la Universidad Iberoamericana y Filosofía en la UNAM. Por esas épocas, no le llamaba la atención la cinefotografía y estaba más bien enfocado, mientras estudiaba, en dirigir cortometrajes, videos musicales y comerciales. De hecho, según nos cuenta, la fotografía solía parecerle un asunto muy técnico y, por tanto, un poco aburrido. Sin embargo, después de mudarse a Estados Unidos para estudiar una maestría en Realización Cinematográfica en la Universidad de Nueva York, tuvo la oportunidad de fotografiar un cortometraje en blanco y negro durante su primer semestre. Le gustó tanto la libertad creativa y el poder de experimentación que comenzó a especializarse en esa área.
Pepe Ávila del Pino llegó a La Casa del Dragón gracias a su colaboración previa con el cineasta Greg Yaitanes en la serie Quarry. Yaitanes dirige los episodios 2, 3 y 10 del spin off de Game of Thrones, los mismos en los que Pepe funge como director de foto. Platicamos con el cinefotógrafo para conocer un poco más sobre sus inicios, su manera de trabajar, sus inspiraciones y lo que podemos esperar de La Casa del Dragón en los próximos domingos.
¿Cómo fue tu proceso de entrada a la industria?
Fue muy escalonado porque empecé a dirigir mis cortometrajes en la escuela y de ahí alguien me llamó para hacer un video musical. Luego me llamaron para hacer otro video musical, y, después, empecé a trabajar en distintas compañías productoras de comerciales, pero como segundo o tercer asistente de dirección o como asistente de producción. Trabajé en todas esas áreas, hasta que en algún momento alguien me dio el pase a dirección de un comercial muy chiquito y de ahí a uno un poquito más grande.
Con fotografía, también empecé en cortometrajes y comerciales de amigos. De repente, me empezaron a llamar para cosas más grandes, películas y series.
Hablas de campañas de publicidad, videos musicales… ¿Qué aprendizajes obtuviste ahí que ahora te sirve en tu trabajo en series y películas?
Definitivamente, la capacidad de vender ideas. Cuando vas a venderte como director para un comercial, tienes que preparar mucho y presentar tus ideas de una manera atractiva. Eso me ha servido mucho como fotógrafo para convencer a equipos, productores y estudios de hacer lo que quiero que se haga visualmente. Hago “Lookbooks” que se usan más en publicidad, pero es lo que hago como fotógrafo.
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¿Cómo describirías las diferencias más grandes entre estos diferentes formatos en los que has trabajado?
En publicidad hay muchas cabezas opinando sobre poco contenido, y es difícil porque cualquier idea se diluye con muchas opiniones.
En televisión sigue habiendo consensos grandes, es una cosa muy colaborativa, pero está la fuerza de las figuras del showrunner y del director. Y, definitivamente, los fotógrafos tenemos mucho más control sobre el proceso creativo.
En cine, está la visión de un director, una voz, y un equipo trabajando para esa visión.
Hablando sobre tu participación en la serie La Casa del Dragón, algo que me interesa mucho es saber cómo fue tu proceso para respetar el legado que venía de la serie original, Game of Thrones, pero al mismo tiempo innovar y darle una personalidad propia a esta esta nueva serie.
Buena pregunta, porque justo eso es una conversación larga que hubo entre todos los directores, todos los fotógrafos y los showrunners. El consenso era claro: no podíamos desapegarnos completamente del lenguaje visual que ya había, teníamos que mantenerlo un poco; así que en los primeros episodios nos acercamos de una manera más tradicional, empujando un poco más, pero con las mismas bases fundamentales. Pero, hacia el episodio 10, fuimos cambiando gradualmente y encontrando una voz propia.
Desde las primeras etapas armé unas presentaciones de cómo veía cada episodio, tratando de encontrar cuál era el sentido emocional de cada uno. Junté referencias, propuestas e ideas de cómo se veía cada escena y cómo deberíamos de atacar cada episodio cada semana, y se lo presenté primero al director y luego al resto del equipo. Nos sirvió como una biblia.
Hablando del trabajo en equipo y sobre todo de producciones donde hay tanto CGI involucrado, ¿cómo funciona la repartición de actividades entre el director de foto y la persona encargada de efectos visuales especiales?
Tuvimos la gran fortuna de contar con un supervisor de efectos visuales increíble, Angus Bickerton, que además de ser una persona que técnicamente es un sabelotodo, es alguien muy creativo y está siempre a favor de la historia. Nos conectamos muy bien; yo conceptualicé los mundos virtuales de las escenas, junté muchas fotos, muchas referencias, en algunos casos pinturas, y se las llevaba a él, y él me ayudaba a trabajar con el equipo de artistas digitales. Fue una colaboración muy fluida.
Mencionas la tecnología que utilizaron para filmar ciertas cosas. Tengo entendido que una de las técnicas fue la de The Volume, [que consiste en combinar sets físicos con una “caja” de pantallas LED en la que se proyectan elementos virtuales; similar a poner una pantalla verde detrás de los actores, pero con la ventaja de que lo proyectado en las pantallas LED responde a los movimientos de la cámara filmando, ajustando perspectivas o iluminación]. ¿Cómo se aplicó en en esta serie?
El reto más grande al final de cuentas es hacer una interacción invisible entre el mundo digital de las pantallas o el set digital y el set real.
La primera escena que me tocó filmar en ese espacio fue la que salió en el episodio 2, que tiene lugar en el puente de Dragonstone. Me pasé varios días dándole vueltas a cómo le haríamos para que el mundo y la tecnología se mezclaran de una manera que tuviera sentido, que ayudara a la historia y se viera bien. Fue cuando se me empezó a ocurrir este mundo lleno de niebla, donde el sol se ve un poquito lejos: de hecho, fue una pintura de Monet lo que lo inspiró. Pensé que el puente se mezclaría mejor con la imagen digital de esa manera y empezamos a hacer pruebas a la iluminación, a decidir cuánto humo poner en digital y cuánto verdadero, qué tan alto poner el sol. Todo eso lo fuimos cambiando hasta que llegamos a lo que queríamos.
¿Qué te gustaría que se llevaran los fans después de haber visto esta temporada, en términos de cinefotografía?
Hay algo crudo, real y fantástico, tanto en el mundo como en los personajes creados por George R. R. Martin. Intentamos capturarlos con toda su esencia épica y oscura. Espero que eso se refleje en los próximos episodios.
La verdad es que el episodio 10 me parece mi guion favorito, mi historia favorita. Y, además, hay una secuencia de cinco minutos que es en la que más he trabajado en mi vida: le puse miles de horas de trabajo para desarrollarla junto con el director.
Mencionabas que una pintura inspiró la escena del puente de Dragonstone. ¿Cuáles son las cosas con las que te sigues nutriendo para continuar formándote y tomar inspiración?
Nunca sabes de dónde viene [la inspiración], pero siento que la mayoría de mis referencias y mis inspiraciones vienen de la literatura. Creo que cuando leo un libro, leo un poema, me viene a la cabeza una imagen.
Fuera de eso, me gusta ir a museos, ver el trabajo de otros fotógrafos; pero nunca sabes cuándo te viene la inspiración y a veces es viendo el póster de un concierto de alguna banda.
Más bien mantengo los ojos abiertos y una cosa que sí hago es que con la cámara de mi teléfono siempre estoy tomando fotos para mantenerme concentrado en el mundo.
De tu portafolio, ¿hay algún proyecto que te gustaría volver a experimentar como si fuera la primera vez?
Creo que de mis procesos favoritos fue fotografiar el episodio 1 de la serie The Deuce, también de HBO, porque fue un reto enorme intentar traer el Nueva York de 1971 al Nueva York de ahora, donde todo ha cambiado: está lleno de ecobicis, las banquetas tienen rampas para sillas de ruedas que antes no había… Encontramos, en Harlem, tres o cuatro cuadras que más o menos funcionaban en algunos ángulos y con eso tratamos de crear todo este mundo, que diera la impresión de que realmente estábamos en el Times Square de 1971. Fue un reto muy difícil, pero increíble. Además, el equipo también fue increíble: la diseñadora de producción, Beth Mickle, y la directora, Michelle MacLaren. Y en Nueva York es difícil filmar porque siempre hay cosas sucediendo en la calle. Entonces, fue difícil pero fue una gran experiencia y el resultado también fue muy único.
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Ya casi para terminar, ¿cuáles sientes que sean los retos a los que se enfrenta actualmente la cinefotografía y, más en particular, la cinefotografía mexicana?
Hay dos retos que están pasando en todo el mundo. El primero es justo lo que estás mencionando sobre el mayor involucramiento de otros departamentos como efectos visuales; incluso, lo que se llama corrección de color ya no está bajo el control de los fotógrafos, en algunos casos, y es algo terrible porque acaba siendo parte muy importante del producto final y son productores, coloristas o directores los que toman esa parte. Entonces, eso es un reto que hay que intentar retomar y no dejar que pase.
La otra cosa sería precisamente aceptar que los cinefotógrafos ya no son la única persona que ve por la cámara y que tiene el control absoluto de la imagen, sino que hay más personas colaborando; entonces, lo importante es saber convencer, diseñar e imaginar escenarios. Hacer que todo el mundo trabaje camino a esa visión.
Y en México, y en muchos lados, está pasando que hay mucho talento y creatividad; pero, hay mucho volumen de producción ahora y creo que el volumen puede diluir la calidad. Eso es lo que hay que cuidar que no pase.
Por último, ¿qué recomendaciones darías a las personas que quieren entrar a la industria?
Intentar trabajar en un set, en el puesto que sea, para ver cómo funciona. Por otro lado, si tienes algo que decir, hay que salir a decirlo; y eso es tomando fotos, escribiendo historias, dirigiendo. Creo que ahora la única forma de sobresalir en un medio tan democratizado, que está muy bien [que esté democratizado] es, definitivamente, tener algo que decir y saber decirlo bien.
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Guía Ambulante 2024: Fechas, horarios, tips y ruta de películas para disfrutar de la gran fiesta del documental
La edición 2024 de Ambulante Gira de Documentales, la fiesta por excelencia del documental en México, llega nuevamente con una gira itinerante que llevará más de 90 títulos a cuatro estados de la República. Su selección está compuesta por producciones de 23 países distintos, que incluyen largometrajes, cortometrajes, animaciones, estrenos nacionales y un estreno mundial. Además de las proyecciones, también se realizarán eventos como clases magistrales, jornadas infantiles, conversatorios con creadores, instalaciones artísticas, talleres, funciones de teatro documental, entre otras actividades dedicadas a abrir la conversación alrededor de los documentales y llevarlos a territorios de impacto. La gran mayoría de los eventos serán gratuitos.
Desde su primera edición en 2006, Ambulante ha sido un catalizador en la formación de públicos para el género documental. Ha fungido como umbral, como puerta, como bienvenida. Es uno de los festivales ideales para empezar a empaparnos de las historias que capturan nuestra realidad, pero también para reflexionar sobre las formas en que podemos contarnos a nosotros mismos, nuestras memorias y la de nuestras comunidades.
La 19 edición nos presenta una nueva oportunidad para dejarnos llevar por el cine documental. Aquí te decimos todo lo que debes saber para sacarle el máximo provecho.
¿Cuándo y dónde?
Primero lo primero. Antes de hacer tu itinerario asegúrate de conocer los días que la gira estará en tu estado. Ambulante 2024 visitará Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, entre el 10 de abril y el 26 de mayo. Estas son las fechas de cada parada.
- Ciudad de México– del 10 al 21 de abril
- Veracruz- del 2 al 12 de mayo
- Michoacán- del 8 al 19 de mayo
- Querétaro- del 15 al 26 de mayo
¿Hay forma de disfrutar de Ambulante si la gira no pasará por mi estado o localidad?
La buena noticia es que parte de la programación estará disponible de manera gratuita en el sitio nuestrocine.mx, durante los siguientes días de mayo: del 2 al 5, del 9 al 12 y del 16 al 19.
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¿Qué ver en Ambulante 2024?
Una vez que has tomado en cuenta las fechas de la gira, recomendamos hacer un itinerario de las películas que te gustaría ver, aunque sabemos que al principio no es tan fácil. Cuando nos enfrentamos a la programación de un festival de cine es difícil no abrumarse con los listados de proyecciones, sedes y horarios. Sobre todo cuando se trata de nuestra primera vez y la mayoría de los títulos y nombres nos son en su mayoría desconocidos (pues no cuentan con los mismos niveles de notoriedad o marketing que las grandes producciones que nos llegan de Hollywood).
Afortunadamente, existen estrategias sencillas que nos ayudan a orientarnos. Una de ellas es revisar los caminos que el mismo festival propone a sus espectadores.
Históricamente, Ambulante ha dividido su selección de películas en nueve secciones: Pulsos, que son documentales mexicanos; Intersecciones, que agrupa documentales internacionales; Resistencias, que presenta documentales enfocados en la justicia y la defensa de los derechos humanos; Retrovisor, películas que le dan vida al archivo cinematográfico; Sonidero, películas que homenajean lo sonoro y unen música y cine; Ambulantito, una sección dirigida a las infancias; Invocaciones, que cada año presenta retrospectivas de creadores; Injerto, que presenta cine de vanguardia, y Coordenadas, una sección formada por películas realizadas en cada región que visita el festival (veracruzanas para Veracruz, michoacanas para Michoacán, etc).
Las secciones, además de categorizar, nos proponen rutas cinematográficas, de modo que si lo que te interesa son los documentales mexicanos puedes seguir las proyecciones y los horarios de la sección Pulsos, o si estás más interesado en aquellos trabajos sobre protagonistas que resisten al statu quo, puedes seguir la sección Resistencias. Y así con cada una.
Otra forma eficaz de orientarte es poner atención a las recomendaciones de tu crítico, medio o analista de cine favorito. A continuación te presentamos una ruta curada, que puedes seguir o tomar como referencia.
Ruta Cine PREMIERE- Ciudad de México
Ambulante ya cuenta en su página con un programa de mano completo para sus actividades y proyecciones en Ciudad de México. La siguiente propuesta de ruta retoma las actividades ahí mencionadas y toma en cuenta horarios y distancias entre cada sede para que puedas sacarle el mayor provecho a la programación de cada día, mientras cumples con tus jornadas laborales y demás compromisos diarios.
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Miércoles 10 de abril- función inaugural
Tres promesas (Dir. Yousef Srouji)
¿Por qué verlo? Una madre palestina filma en videos caseros la vida cotidiana de su familia, mientras el ejército israelí emprende una ofensiva contra la Segunda Intifada a principios del año 2000. Años después, su hijo retoma el pietaje para construir un documental que ofrece un vistazo distinto al conflicto israelí-palestino, y que nos ayuda a entender las dinámicas de ocupación de la región.
A qué hora y dónde- 19:30 hrs, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Para tomar en cuenta: La entrada es gratuita, por lo que te recomendamos llegar con tiempo de anticipación. La taquilla abrirá desde las 4:00 pm.
Jueves 11 de abril- Elige entre una película o una masterclass
Función: Soundtrack para un golpe de estado (Dir. Johan Grimonprez)
¿Por qué verlo? Es un documental innovador, que yuxtapone la música jazz con la historia del asesinato del líder africano Patrice Lumumba y la forma en que un golpe de estado acabó con un sueño y permitió que los poderes colonialistas siguieran explotando la región. Es una lección de historia, pero de esas que no te dejan despegar los ojos de la pantalla.
Habrá una sesión de preguntas y respuestas después de la función.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Le Cinema IFAL
Masterclass: Cine y poesía con Lynne Sachs
A partir de fragmentos de sus propias películas, la realizadora experimental Lynne Sachs compartirá reflexiones sobre cómo trenzar cine y poesía: la visualización de textos poéticos, el ensayo cinematográfico, y cómo usar la imagen para expandir la realidad a partir de lo poético.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cineteca Nacional
Viernes 12 de abril- disfruta de una función doble
1. El Eco (Dir.ª Tatiana Huezo )
¿Por qué verlo? Documental ganador en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, en él la realizadora mexicana Tatiana Huezo explora la fragilidad del campo y de la niñez a partir de la vida cotidiana del pueblo El Eco, en donde el viento transporta murmullos y las infancias aprenden a coexistir con el mudo natural.
Habrá sesión de preguntas y respuestas.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinépolis Universidad
2. Favoriten (Dir.ª Ruth Beckermann)
¿Por qué verlo? Este documental sigue las aventuras, los triunfos y las fascinantes personalidades de un grupo de niños, hijos de migrantes, que asisten a una escuela primaria de alto riesgo en un barrio marginal de Viena. El salón de clase es una comunidad, un retrato de la sociedad europea actual a pequeña escala, que nos enternece, nos divierte, y nos sorprende con la lucidez y magnetismo de sus pequeños protagonistas.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinépolis Universidad
Sábado 13 de abril- Choose your own adventure
Opción 1- Para los cinéfilos y amantes de las imágenes:
Y el rey dijo: Qué máquina tan fantástica (Dirs. Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck)
¿Por qué verlo? Este documental nos sumerge en la historia de las imágenes y reflexiona sobre la relación que las personas hemos construido con la cámara a lo largo de la historia: ¿para qué la hemos usado? ¿cómo nos hemos retratado a nosotros mismos? ¿y cómo ha cambiado nuestra relación con las imágenes y la cámara a lo largo del tiempo y de cara a los avances tecnológicos?
Habrá un conversatorio al finalizar la función, con los creadores de contenido: Sofía Poiré, Kristian Gabriel, Rodrigo Vázquez Venegas y Marbella Figueroa.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Le Cinema IFAL
Opción 2- Para quienes disfrutan de trabajos que unen cine y gastronomía:
El menú de los placeres: La familia Troisgros (Dir. Frederick Wiseman)
¿Por qué verlo? Esta película nos da la oportunidad de asistir a una experiencia inmersiva, en donde un grupo de talentosos artistas culinarios hacen magia: después de todo, preparar platillos de gran calidad es un asunto de disciplina, creatividad e imaginación.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cine Tonalá
Domingo 14 de abril- otra función doble
1. Queendom (Dir.ª Agniia Galdanova)
¿Por qué verlo? Este es el retrato de Gena Marvin, una activista queer temeraria, que protesta contra el gobierno ruso de formas que retan y absorben nuestros sentidos. Sus performances son extensiones de su mundo interno: resistencias contra la guerra en Ucrania que visten zapatos de plataforma y pintura en el cuerpo. Nos recuerda que la valentía puede adoptar muchas apariencias.
A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinepolis Universidad
2. Malqueridas (Dir.ª Tana Gilbert)
¿Por qué verlo? Este trabajo de la directora chilena Tana Gilbert muestra la vida de madres que cumplen sentencias en las cárceles, a través de las grabaciones de sus propios teléfonos móviles. Es un vistazo a la maternidad desde el encierro, que despierta reflexiones sobre las condiciones a las que se enfrentan estas mujeres.
A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinepolis Universidad
Jueves 18 de abril
El guardián de las monarcas (Dir. Emiliano Ruprah de Fina)
¿Por qué verlo? Este documental investiga la muerte y desaparición del activista ambientalista Homero Gómez González, mientras expone los intereses criminales que amenazan el Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán.
A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Centro Cultural José Martí
*Conforme se den a conocer las programaciones de los otros tres estados de la República, publicaremos las rutas para cada uno.
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En el universo de Star Wars, el color del sable de luz es definido por el cristal Kyber, el cual refleja la personalidad y habilidades del portador. Recordemos que, como parte del entrenamiento, un Jedi debe fabricar su propio sable de luz y seleccionar el cristal que le dará vida. Estos cristales son sensibles a la Fuerza, por lo que su verdadero color es revelado al entrar en conexión con un Jedi o un Sith.
¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars? Al inicio de la saga era más sencillo: rojo para los malos y verde o azul para los buenos. Sin embargo, con el paso del tiempo y la expansión del universo, conocimos nuevos colores y a cada uno se les dio un significado diferente.
El canon actual no cuenta con significados especiales para estas armas, por lo cual nos basaremos en el significado de Legends y en algunos conceptos que nos ha dado el canon.
Azul
Este color es usado por los guardianes Jedi: se enfocan en el uso de la Fuerza de manera táctica y física. Por esa razón es que es el color más común.
Los portadores más conocidos: Anakin Skywalker, Obi-Wan y Leia Organa.
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Verde
Son utilizados por los Consul Jedi: pensadores que se dedican a estudiar los misterios de la Fuerza. Representan la sabiduría, la armonía y son utilizados por los Jedi más sabios y de mayor rango.
Los portadores más conocidos: Yoda, Qui-Gon Jinn y Luke Skywalker.
Rojo
Este color representa la ira, la maldad y el tormento. Después de ser corrompido por el lado oscuro, un Sith no establece conexión con el cristal Kyber, sino que lo doblega hasta hacerlo “sangrar”, de ahí el color rojo.
Los portadores más conocidos: Darth Vader, Darth Sidious, El gran inquisidor, Darth Maul y todo aquel usuario del lado oscuro.
Amarillo
En el universo Legends, son usados por los Centinela Jedi: miembros de la orden que se enfocan en los estudios de combate, medicina y tecnología. En la serie animada de Clone Wars los vemos empuñados por los guardianes del templo Jedi en Coruscant.
Naranja
Este color no ha sido utilizado por algún Jedi del canon actual. No obstante, en Legends es utilizado por los Jedi de gran fuerza física y de carácter oscuro.
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Este color podía ser seleccionado por un jugador del videojuego Star Wars Jedi: Fallen Order si se reservaba en preventa.
Morado
Es un color usado por los Jedi que pueden balancearse entre el lado oscuro y de la luz sin llegar a ser corrompidos. El morado representa la ambigüedad moral del portador y es un color muy raro entre los miembros de la orden.
La historia original nace a partir de la petición de Samuel L. Jackson a George Lucas de que su personaje portara un sable de color morado, ya que es el color favorito de Samuel.
El portador más conocido: Mace Windu.
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Dorado
Es portado por todo aquel Jedi entregado en su totalidad al lado luminoso, representa la compasión y la sabiduría.
Después del final del Episodio IX, quedó la duda de qué significado tendría este color de sable de luz dentro del canon, pues al final de la cinta Rey crea su propio sable dorado. Muchos fanáticos han llegado a la conclusión de que significa el balance entre el lado oscuro y de la luz, ya que Rey nace con la sangre de Palpatine, pero su entrenamiento corrió a cargo de un Skywalker.
Blanco
Ahsoka Tano es la única portadora de este color en toda la franquicia. Sus sables de luz fueron creados a partir de su pelea con el sexto hermano inquisidor: Ahsoka tomó sus cristales y utilizó la fuerza para purificarlos.
Negro
Es el color de un sable único creado por Tarre Vizsla, el primer Jedi mandaloriano. Después de la muerte de Tarre Vizla, el sable fue ocultado en el templo Jedi y robado por el Clan Vizsla. Su primer aparición fue en la serie de Clone Wars.
Su color representa el poder absoluto, supremacía y orgullo. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de liderazgo para los mandalorianos. Según sus costumbres, todo aquel que empuñe el sable negro obtendrá el titulo de Mand’alor, gobernante de Mandalore. La única forma de obtenerlo es derrotando al portador anterior en un combate a muerte.
El sable ha sido portado por Tarre Vizsla, Pre Vizsla, Bo-Katan entre otros. Din Djarin es el actual poseedor del sable negro.
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Robert De Niro, leyenda viva del cine, se ha consolidado como uno de los actores más influyentes y respetados de su generación. Nacido el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, De Niro ha dedicado su vida al arte de la actuación, convirtiéndose en un verdadero camaleón de la pantalla grande. Su capacidad para interpretar a los personajes, desde el más despiadado mafioso hasta el padre más comprensivo, ha dejado una gran huella en la historia del cine.
Una trayectoria de éxitos y personajes memorables
La carrera de Robert De Niro es un conjunto de actuaciones que han definido géneros y eras. Desde sus primeros días bajo la dirección de Martin Scorsese en Taxi Driver hasta su papel icónico como Vito Corleone en El Padrino II, De Niro ha demostrado una versatilidad asombrosa. Su colaboración con Scorsese, en particular, ha dado lugar a algunas de las películas más recordadas del cine, incluyendo Toro Salvaje y Goodfellas. Sin embargo, su capacidad para adaptarse no se limita a los dramas intensos; también ha brillado en comedias como Los padres de ella.
Además, otra de sus actuaciones más destacadas la encontramos en el papel que hizo en Casino, una película que introduce al espectador en el mundo de las apuestas, el poder y la codicia en Las Vegas. En este drama épico, De Niro interpreta a Sam «Ace» Rothstein, un profesional de las tragamonedas y juegos de azar que es llamado para dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.
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Alto Knights, la nueva aventura de De Niro
Robert De Niro regresa al género que lo vio nacer como estrella con Alto Knights, una película que se espera que esté entre las destacadas de la larga lista de éxitos del actor en el cine de mafia. Dirigida por Barry Levinson, Alto Knights se sumerge en la historia de dos de los jefes de la mafia más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, interpretados por De Niro, quien asume el reto de dar vida a ambos personajes.
La película, que inicialmente llevaba el título The Wise Guys, ha sido rebautizada como Alto Knights y está programada para estrenarse el 15 de noviembre de 2024. Este cambio de nombre y la postergación de la fecha de lanzamiento se debe a que los creadores quieren que salga todo perfecto con este proyecto. Aunque aún no se ha lanzado un tráiler, la anticipación crece día a día.
Por otro lado, el elenco de Alto Knights se complementa con talentos como Debra Messing y Kathrine Narducci, quienes, junto a De Niro, prometen llevar al público a un viaje inolvidable a través de las complejidades del poder y la traición en el mundo del crimen organizado. La dirección de Levinson, combinada con el guión de Nicholas Pileggi y la producción de Irwin Winkler y Jason Sosnoff, asegura que esta producción será una pieza imprescindible para los aficionados al género de la mafia y para aquellos que aprecian el cine de alta calidad.
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