El 2025 se perfila como un gran año para los amantes de la música en Jalisco, con una agenda repleta de presentaciones de artistas de renombre mundial que abarcan diversos géneros y estilos.

Desde el retorno de leyendas hasta la inauguración de un nuevo foro, Guadalajara y sus alrededores serán sede de espectáculos que prometen deleitar a miles de fanáticos.

El icónico músico argentino Fito Páez se presentará el 26 de enero en el Auditorio Telmex con su gira “El amor después del amor”. Este concierto, originalmente planeado para septiembre, fue pospuesto debido a un accidente que dejó al artista con cinco costillas fracturadas. Ahora, Páez regresa listo para reencontrarse con su público mexicano en una velada que promete ser emotiva y llena de energía.

Posteriormente, el 31 de enero; así como el 1, 5 y 6 de febrero; el Auditorio Telmex será testigo del esperado regreso de Chayanne con su gira “Bailemos otra vez”. Con cuatro fechas en la Perla Tapatía, el artista puertorriqueño promete enamorar a sus seguidores interpretando clásicos como “Torero” y “Un siglo sin ti”. Este regreso marca su retorno a los escenarios mexicanos tras siete años de ausencia.

El 3 de febrero, el Estadio 3 de Marzo recibirá a Linkin Park en un concierto que promete estar cargado de nostalgia y renovación, además de que será la primera visita de la banda a nuestra ciudad tras la pérdida de su vocalista Chester Bennington.

Linkin Park presentará su nueva etapa con Emily Armstrong en la voz, quien interpretará clásicos como “In The End” y “Numb”, junto con canciones de su nuevo álbum “From Zero”.

Para quienes busquen algo más tradicional, el 7 de febrero, el legendario cantautor español Joaquín Sabina ofrecerá en el Auditorio Telmex uno de los conciertos más significativos de su gira “Hola y Adiós”. Este evento marcará el inicio de su despedida definitiva de los escenarios, prometiendo una noche inolvidable para los amantes de la poesía y la música.

El dúo noruego Kings of Convenience hará una escala en el Teatro Diana el 20 de febrero como parte de su gira por México. Con su característico estilo de folk íntimo, los músicos ofrecerán una experiencia única que los conecta con su fiel público tapatío.

Para la historia

El 22 de febrero, Carlos Rivera será el encargado de inaugurar la Arena Guadalajara con un espectáculo enmarcado en la celebración de sus 20 años de carrera. El cantante promete una noche llena de emociones y éxitos en un recinto que aspira a convertirse en un nuevo referente de conciertos en la región.

Ese mismo 22 de febrero pero en el Estadio 3 de Marzo, se presentará Twenty One Pilots en el marco de su gira latinoamericana de “The Clancy World Tour”, con el cual promocionan su más reciente álbum “Clancy”. La última vez que la agrupación visitó Guadalajara fue en mayo del 2019.

El 12 de marzo el Estadio 3 De Marzo recibirá al conjunto de electrónica Rüfüs Du Sol quien se presentará como parte de su “Inhale / Exhale World Tour” por el lanzamiento de su nuevo álbum.

Para quien guste de los espectáculos masivos, el 16 y 17 de marzo, Shakira llegará al Estadio AKRON con su gira “Las mujeres ya no lloran World Tour”. La cantautora colombiana agotó las entradas para ambas fechas, reflejando la gran expectativa por su regreso a tierras mexicanas.

El 18 de marzo será una fecha histórica para los fanáticos del rock progresivo, cuando Tool se presente por primera vez en Guadalajara en el recinto Calle 2. Este evento contará con las bandas invitadas The Cult y Seven Hours After Violet, garantizando una noche inolvidable.

El músico James Blunt pisará tierras tapatías el 3 de julio en el Auditorio Telmex. Su concierto es parte de su “Back To Bedlam 20th Anniversary Tour”, celebrando su disco “Back To Bedlam” uno de los 10 álbumes más vendidos de los años 2000 y que incluye el éxito global “You’re Beautiful”.

La vuelta de los clásicos

El Teatro Diana será el escenario del esperado retorno de Los Bunkers el 21 de marzo, como parte de su “Gira Acústica”. El evento incluye canciones de su nuevo álbum “LOS BUNKERS MTV Unplugged”, cuya grabación se estrenó el 20 de diciembre.

Para los nostálgicos y después de una ausencia de más de ocho años, Miguel Bosé vuelve a los escenarios mexicanos con su gira “Importante Tour”. Como parte de este recorrido, el icónico cantante español se presentará el próximo 27 de marzo de 2025 en el Auditorio Telmex.

Don Omar, una de las figuras más icónicas del género urbano y una leyenda del reggaetón, anunció su esperado regreso a México en 2025 con su nueva gira “Back to Reggaetón”. Este tour de Don Omar promete ser una celebración llena de energía y nostalgia, donde el cantante puertorriqueño revivirá sus más grandes éxitos como “Danza Kuduro”, “Pobre Diabla”, “Taboo” y “Dile”. El cantante se presentará el 28 de marzo en Calle 2.

Uno de los grupos más influyentes del género trip-hop, Massive Attack, confirmó su concierto en Guadalajara para el 2 de abril en el Guanamor Teatro Studio. Los legendarios músicos británicos, reconocidos mundialmente por sus atmósferas sonoras y letras introspectivas interpretarán éxitos como “Unfinished Sympathy” y “Teardrop”.

Otro regreso es la emblemática banda de rock alternativo Garbage, conocida por su fusión de grunge, punk y electrónica, se presentará en Guadalajara el próximo 4 de abril en el escenario de Calle 2. Canciones icónicas como “Only Happy When It Rains” y “Stupid Girl” formarán parte de un repertorio que resume más de tres décadas de trayectoria de la banda integrada por Shirley Manson, Butch Vig, Duke Erikson y Steve Marker.

Una lista de imperdibles

• Katy Perry, una de las cantantes más exitosas de la música pop, regresa a México con su gira “The Lifetimes Tour”. El show llegará a las principales arenas del país teniendo dos presentaciones en la Arena Guadalajara el 1 y 2 de mayo.
• Tarja y Marko, ex-integrantes de Nightwish y dos figuras clave del metal sinfónico, se unen en “Living the Dream Together Tour”, una gira que rememora sus raíces compartidas combinando lo mejor de sus carreras con una nueva perspectiva artística acompañados además de Orquesta de Cuerdas en vivo. Se presentarán el 28 de mayo en el Teatro Diana.
• Con su gira “Pretty Dirty”, Maluma regresará a los escenarios mexicanos en 2025, donde ofrecerá dos conciertos en la Perla Tapatía el 15 y 16 de agosto en el Auditorio Telmex. Está gira será caracterizada por una producción innovadora, donde el “Pretty Boy” incluirá sus canciones más exitosas y sus mejores pasos de baile.
• La estrella de la música dance, Kylie Minogue, estará en el Auditorio Telmex el 24 de agosto. Su concierto es parte de su gira “Tension Tour”, la cual llevará a la icónica artista a ciudades de todo el mundo y promete ser su mayor gira desde 2011.

CT

Sí, lo sabemos… Los recuerdos del 2015 se sienten tan frescos que parece irreal que haya pasado ya una década. Y cuando se trata de música, no podemos creer que algunos discos icónicos ya estén cumpliendo 10 años en este 2025.

Sobre todo, porque son álbumes que a día de hoy aún se sienten nuevos, recientes. Son materiales que marcaron una tendencia ya por su producción o que marcaron época gracias a una, dos o más canciones.

10 discos que cumplen 10 años en el 2025

¿Ustedes recuerdan cuál fue el álbum que más escucharon en el 2015? Y además, ¿lo siguen escuchando después de una década? Acá les traemos un trancazo de nostalgia con 10 discos que cumplen 10 años en el 2025.

‘Currents’ de Tame Impala

Este disco significó un parteaguas para el proyecto liderado por Kevin Parker. Con su tercer disco, Tame Impala se convirtió en un fenómeno masivo de reconocimiento mundial.

No es como que Innerspeaker y Lonerism no tuvieran impacto internacional, pero es justo decir que ese par de álbumes, en su momento, se escuchaban en nichos específicos porque estaban más inclinados hacia la textura más rockera del compositor australiano.

Currents no abandonó esa línea del todo, pero amplificó las influencias de Parker mostrándonos su capacidad para componer canciones de corte más pop, todo en un disco que hablaba sobre dejar que la vida –en todos sus aspectos– siga su curso, sea para bien o para mal.

“Let It Happen” era el sencillo que ejemplificaba mejor que nada ese concepto, con todo y su video musical. “Eventually” también mostraba esta idea desde el punto de vista de una relación amorosa que ya no da más, diciéndonos que así como el amor, la tristeza es pasajera.

Y claro, el gran impacto de este disco de Tame Impala no se puede medir sin tomar en cuenta “The Less I Know The Better”, que se convirtió en un clásico absoluto de la década del 2010 ofreciéndonos también uno de los videos musicales más icónicos de la última época.

Además, Currents fue el disco que le abrió las puertas a Kevin Parker para ser considerado como un compositor/productor de alto perfil para figuras como Kanye West, Rihanna, Mark Ronson, Lady Gaga o Travis Scott, que no dudaron en recurrir a él para colaborar en sus discos posteriores al 2015.

‘To Pimp a Butterfly’ de Kendrick Lamar

En este punto, ya con el beneficio de la perspectiva, es justo decir que Kendrick Lamar es uno de esos artistas que no tiene un solo disco malo. Por algo es considerado el mejor rapero de su generación y con seguridad, entra ya en la conversación de los mejores de todos los tiempos.

Si nos remontamos 10 años atrás, muchos tal vez se habrán preguntado cómo Kendrick podría, cuando menos, igualar el éxito y el impacto que obtuvo con Good Kid MAAD City del 2012, que lo convirtió en una figura de altísimo perfil dentro del hip-hop… Con To Pimp a Butterfly se reafirmó como tal.

Mientras Good Kid era un ejercicio inspirado en la vida de Lamar en Compton y cómo eso lo moldeó, Butterfly se amplió en concepto con la idea de celebrar la identidad afroestadounidense a través del ‘rap consciencia’ y los diferentes estilos musicales que han marcado a esa misma comunidad.

Como señala UDiscoverMusic, Kendrick Lamar entregó un disco conceptual sobre un rapero que ha alcanzado la fama, pero que empieza a lidiar con la tentación y la presión de su nueva e influyente posición, algo que lo empieza a hacer sentir desorientado y fuera de sí.

Es así que este personaje realiza una exploración sobre la historia afroestadounidense para conectar de nuevo con sus raíces y mantenerse humilde, real y cercano a la comunidad a la que perteneció alguna vez, esto antes de la riqueza. Para no perder el piso, pues.

To Pimp a Butterfly es un disco con muchas lecturas sociales en ese sentido, celebrando la riqueza cultural afrodescendiente y recordando también las heridas que esta comunidad ha atravesado a lo largo del tiempo.

Esto no solo lo pone de manifiesto en las letras, sino en la música como tal. No por nada, las bases de hip-hop se complementan con elementos del funk o el jazz, estilos de origen afroamericano, esto con la participación de grandes músicos contemporáneos como Thundercat, Pharrell Williams y Kamasi Washington, entre otros

‘Carrie & Lowell’ de Sufjan Stevens

Si uno busca rankings de los mejores discos de Sufjan Stevens, encontrará de inmediato Carrie & Lowell en el puesto 1 o 2 de esos listados. En gran medida, esto se debe a lo minimalista, melancólico, catártico y honesto que es el disco. Y si lo ponemos sobre la mesa, este debe ser el que mejor proyecta todos esos calificativos.

Como sabrán los más fans, Sufjan escribió este material tras la muerte de su madre, Carrie, en el 2012. La relación con su madre no fue ni de cerca sencilla; era una mujer que experimentó el abuso de sustancias, que padeció de depresión y esquizofrenia, y que incluso abandonó repetidamente al artista en su juventud.

Por otro lado, el disco también nos habla sobre Lowell, el padrastro de Sufjan, quien fue una figura importante en la infancia del artista y que incluso lo apoyó como cofundador de Asthmatic Kitty, el sello discográfico que Stevens estableció en 1999.

En términos generales, Carrie & Lowell fue un disco que ayudó a Sufjan Stevens a sobrellevar la pérdida de su madre; a reflexionar sobre la complicada relación entre ellos y cerrar un capítulo de la vida de ambos. Como haciendo las paces de alguna manera, todo en un viaje musical duro y triste hasta los huesos que justamente inicia con la canción “Death with Dignity”.

Pero Sufjan también muestra momentos de brillo y habla de una ‘temporada de esperanza’, esto como referencia a los cinco años que Lowell estuvo casado con Carrie. Un momento que lo marcó y que convirtió a su padrastro en una figura de apoyo que hacia falta en su vida.

Tremendo discazo, por donde se le escuche.

‘Hasta la raíz’ de Natalia Lafourcade

Natalia Lafourcade siempre fue una artista reconocida en México, ya fuese como solista o con La Forquetina. Pero si hacemos un recorrido por su carrera, podemos decir que el 2015 fue el año que marcó un antes y un después para la artista, esto gracias al disco Hasta la raíz.

Dicho material significó su transición completa hacia el folk pop, además de estilos musicales tradicionales y folclóricos de Latinoamérica que han marcado la dirección musical de sus lanzamientos a partir de ese año… Y es ahí donde encontramos uno de los aspectos más geniales en el desarrollo de este material que entra a la lista de discos que cumplen 10 años en 2025.

Como ella misma contó al Chicago Tribune, todo comenzó cuando preparaba Mujer divina, el disco tributo a Agustín Lara que lanzó en el 2012. Trabajar con las canciones del llamado ‘Flaco de Oro’, la hizo sentir nuevamente una cercanía hacia la música tradicional mexicana.

“La música de Agustín Lara fue mi referencia más cercana e inmediata; quería escribir canciones tan bonitas como las suyas. Lara era mi referencia y una bastante exigente”, dijo al medio antes citado.

Después, en el 2014, viajó por diferentes partes de México, así como de Colombia, Cuba y otros países latinoamericanos como parte de un proceso personal de sanación, según cuenta. En estos lugares, encontró más fuentes de inspiración escuchando a compositores icónicos de la música folclórica latinoamericana.

Y gracias a todo ello, encontró una sensibilidad especial, casi poética, para escribir nuevas canciones. Todo eso se puede percibir en Hasta la raíz, dentro del cuál encontramos la canción homónima que, sin duda, fue un hit masivo que pasó a volverse un clásico de la música hispanoamericana de la década del 2010.

La repercusión de esa canción fue tanta que incluso se le dedicó un episodio en el popular programa estadounidense Song Exploder (la adaptación de Netflix del reconocido podcast conducido por Hrishikesh Hirway). Y a partir de ese disco, Natalia Lafourcade encontró su lugar como una de las artistas mexicanas más importantes de la última década.

‘The Magic Whip’ de Blur

No hay nada como la emoción de saber que tu banda favorita está de regreso luego de un largo rato de ausencia. En el caso de Blur, esa ausencia fue de 12 años (sin contar las reuniones esporádicas y un par de sencillos independientes entre 2010 y 2012) para lanzar The Magic Whip y marcar una de las vueltas triunfales definitivas del 2015.

Hay muchos detalles que hacen espectacular este disco. Por un lado, la banda volvería a trabajar en el estudio con Stephen Street, el productor que los acompañó en su etapa más brillante a lo largo de los 90. Y por otro lado, también significaba el regreso de Graham Coxon en la guitarra luego de que este último se había separado de la banda en el 2003.

Pero The Magic Whip tiene un componente ‘mágico’ (valga la redundancia) que lo hace muy especial: fue un disco que ni siquiera estaba en el radar de la banda y que empezaron a realizar de la manera más inesperada posible.

Blur, en una de sus esporádicas reuniones, hizo un viaje a mediados del 2013 para tocar en un festival en Japón que se canceló de la nada. Entonces, a la banda le quedaron algunos días libres en su agenda y decidieron establecerse en Hong Kong para armar algunas sesiones de estudio improvisadas.

Los tracks que trabajaron eran maquetas de canciones en las que estaba trabajando Damon Albarn. Las cosas salieron bien con la banda en el estudio, pero no lograron terminar las canciones en ese momento por el limitado tiempo de agenda que tenían. Damon dijo alguna vez que The Magic Whip pudo ser un disco de esos que se quedan en la bóveda para nunca ver la luz.

Sin embargo, Graham Coxon, que tenía la espina de clavada de no haber contribuido en el disco Think Tank del 2003, se involucró completamente en este nuevo álbum. De hecho, él fue quien se aferró a seguir produciendo el disco para luego mostrar las canciones a Damon, quien escuchó los demos terminados y se dedicó de lleno a escribir las letras y otros arreglos.

‘What Went Down’ de Foals

Foals es una de esas bandas que ha moldeado su sonido con el paso de los años. Y si en sus inicios tenían una carga importante de math-rock e indie rock de corte dance, fue a partir del 2013 con Holy Fire que su estilo se hizo más diverso, experimentando con la música disco o incluso progresiones musicales más pesadas.

Dos años después, la banda lanzó What Went Down, que en palabras de los integrantes fue una especie de seguimiento de lo que venían haciendo desde el álbum pasado. Es decir, un equilibrio ideal entre temas suaves y otros mucho más agresivos, donde encontramos algunos de los más pesados de su discografía.

Así, pasamos de las relajantes y nostálgicas secuencias de “Birch Tree” o “Mountain At My Gates”, a la parte más experimental y psicodélica con “A Knife in the Ocean”… Y después, hay una descarga de adrenalina con temas potentes como la propia “What Went Down” o “Snake Oil”, que tienen toques de stoner rock y garage rock.

En su momento, el disco fue precisamente señalado por presentarnos esta característica más pesada de Foals. Y en una entrevista con Coup de Main Magazine, Yannis Philippakis dijo que esta influencia más áspera y enérgicas la quisieron recrear en este disco ya que les encantó la energía en vivo que provocaban canciones como “Inhaler” (una de las rolas ‘pesadas’ del Holy Fire).

‘Caracal’ de Disclosure

Settle fue una muy buena carta de presentación para Disclosure, que en su momento provocó algo similar a Daft Punk (guardando distancias por supuesto): encontrar un punto para gustarle tanto a los clavados de la música electrónica, así como a los oyentes pop radiales casuales y al público más ‘alternativo’.

Ese primer disco también ayudó a establecer las carreras de los artistas invitados como Sam Smith (“Latch) o AlunaGeorge (“White Noise”) que también apenas estaban empezando a hacer ruido… Y bueno, la cosa cambió enormemente en el 2015 cuando los hermanos Lawrence lanzaron Caracal.

A diferencia de su primer disco que tenía algunas canciones puramente dance y más rápidas, Disclosure apostó en Caracal por la incorporación de más estilos como el R&B, el soul, por ahí hay algo de house de rollito disco, un poquito de synth-pop… Vaya, es un álbum muy diverso en ese sentido.

Además, si algo tiene este material, es que mostró a los hermanos Lawrence como potenciales productores de éxitos pop masivos con canciones como “Nocturnal”, “Omen”, y “Magnets”, las cuales lanzaron en colaboración con estrellas que estaban en pleno ascenso para hacerse en figuras pop mundiales como The Weeknd, el ya mencionado Sam Smith o Lorde.

Este es un infaltable en los discos que cumplen 10 años en 2025 ya que marcó tendencia, como dijimos, con esta capacidad de hacer canciones que le pueden gustar al oyente más casual o al melómano clavado.

Y por supuesto, no podemos olvidar la trilogía de videos que nos mostraban una historia de ciencia ficción a través de las canciones “Holding On”, “Omen” (clips grabados en la Ciudad de México) y “Jaded”.

‘English Graffiti’ de The Vaccines

Hay discos que significan un cambio importante para las bandas que los hacen. Y en ese sentido, English Graffiti es el parteaguas con el que The Vaccines diversificaron lo que habían hecho en sus primeros dos discos.

What Did You Expect from the Vaccines? y Come of Age nos habían mostrado el lado enérgico de Justin Young y compañía, esto en una combinación de lo que sería el hijo divertido pero crudo de los Ramones y The Strokes.

Pero con su tercer álbum, la banda inglesa tomó por sorpresa a todos. No abandonaron del todo las canciones frenéticas, pero ya no eran el ADN del disco. Si acaso, dos canciones por ahí rescataban lo mejor de las primeras dos producciones.

Solo que ahora, la banda también hizo canciones más elaboradas, con más arreglos de teclados y sintetizadores, y de tempos más lentos como “Dream Lover” o “Minimal Affection”.

También hay baladas indie pop al estilo “Want You So Bad” o “Maybe I Could You”. E incluso, coqueteándole con la esencia pop de los 80, había rolitas de coros pegajosos como “Give Me a Sign”.

En términos generales, con English Graffiti, The Vaccines se cansó de estas reglas autoimpuestas del indie-rock más crudo sobre sonar ‘descuidado’ o ‘poco producido’. Y por el contrario, por primera vez en su carrera, decidieron meterse en la composición de arreglos para ser más ambiciosos… Y les quedó genial.

Seguro que a muchos fans no les habrá gustado del todo este cambio radical, pero ahora con una década… ¿Qué les parece el disco?

‘Depression Cherry’ de Beach House

A veces, quienes escribimos de música, abusamos de los términos ‘etéreo’ y ‘onírico’ para hablar de un disco repleto de capaz de sonido envolventes, llenas de eco, delay y reverberación, voces tenues, entre otras cosas. Realmente, pocos álbumes pueden llevarse esos calificativos… y Depression Cherry de Beach House es uno de ellos.

Para muchos, fue un gran regreso de Victoria Legrand y Alex Scally a las bases del dream pop que se les conocían antes de Bloom del 2012, un disco que tal vez no los dejó del todo satisfechos después de la gira de promoción correspondiente.

La banda ha dicho que la gira de Bloom no les agradó tanto en su momento porque se incorporó una batería en vivo. Esto supuso un contraste muy marcado con el sonido atmosférico de las canciones ya que la batería opacaba muchos momentos instrumentales de la ejecución en vivo. Algo no encajaba.

Entonces, para Depression Cherry, regresaron a las composiciones más simples utilizando cajas de ritmos que no le quitaran protagonismo a los sintetizadores ni a esas guitarras ‘etéreas’ y ‘oníricas’ que son el sello de la casa.

Al final este disco que cumple 10 años en 2025 le dio a Beach House no solo la certeza de qué es lo que realmente les gusta tocar y cómo… También les dio su mayor éxito con la inolvidable “Space Song”, un clásico total de la música alternativa de los 2010.

‘I Love You, Honeybear’ de Father John Misty

Para muchos, este es el mejor disco que Josh Tillman, alias Father John Misty, ha hecho en su carrera como solista. Y es curioso cómo funciona I Love You, Honeybear… porque sí, es un disco innegablemente cursi, pero no de una manera sumamente empalagosa y convencional.

Misty hizo de este un álbum conceptual, en parte inspirado por su matrimonio con su esposa Emma. La canción que da el nombre al disco, “When You Are Smiling and Astride Me”, “The Ideal Husband” y “Chateau Lobby #4” son las que hablan más explícitamente de su encantadora relación.

Pero este viaje de amor para ser el ‘esposo ideal’, Tillman también habla tanto de sus desventuras pasadas antes de enamorarse perdidamente, como también de los males del mundo, sobre todo de la cultura estadounidense.

Y lo hace con mucho cinismo, humor y sátira, presentándose como un tipo quejumbroso e insoportable que parece odiar y burlarse de todo lo que le rodea. Pero como dice la canción que da el nombre al disco, este sujeto solo quiere estar con su amada mientras ven el barco hundirse, mientras ven las calles llenarse de muerte…

Este disco que cumple 10 años en 2025, es la prueba de que también los misántropos tienen buenos sentimientos, jeje.

Menciones honoríficas de discos que cumplen 10 años en el 2025

In Colour de Jamie xx

Vulnicura de Björk

Anthems for Doomed Youth de The Libertines

Blurryface de Twenty One Pilots

Wiped Out! de The Neighbourhood

Music Complete de New Order

Every Open Eye de CHVRCHES

Art Angels de Grimes

Sound and Color de Alabama Shakes

Beauty Behind the Madness de The Weeknd

GO:OD AM de Mac Miller

How Big, How Blue, How Beautiful de Florence + The Machine

Froot de Marina

Product de Sophie

Another One de Mac DeMarco

Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit de Courntey Barnett

Marks To Prove It de The Maccabees

Teens Of Style de Car Seat Headrest

Bahía Santiago de Technicolor Fabrics

Amor supremo de Carla Morrison

The Future Sugar de Rey Pila

The Desire Effect de Brandon Flowers

Vol. 1 de Mon Laferte

Beneath The Skin de Of Monster and Men

Uptown Special de Mark Ronson

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En la actualidad, conocemos a los Arctic Monkeys por ser una de las bandas más importantes de la actualidad y su papel clave para el rock de los últimas dos décadas, gracias a rolas que se convirtieron en clásicos instantáneos. Pero antes de que se hicieran famosos con estos temazos, crearon canciones que siguen siendo un misterio, como “Matt Dave Rock Song”.

Oficialmente, “I Bet You Look Good on the Dancefloor” fue la rola con la que debutó la agrupación originaria de Sheffield y con la que lograron que muchas personas los escucharan en sus inicios (sin contar “Fake Tales of San Francisco” o “From the Ritz to the Rubble” que aparecieron en su primer EP). Sin embargo, no fue la primera canción que Alex Turner, Jamie Cook y Matt Helders compusieron para este proyecto.

Así surgió la primera canción de Arctic Monkeys

La historia de Arctic Monkeys comenzó mucho antes de que se llamaran así, cuando Turner y Cook recibieron sus primeras guitarras en la Navidad de 2001. Con ellas, aprendieron a tocar e incluso se aventaron a componer algunos riffs que más tarde. Gracias a ese impulso, un año más tarde decidieron formar una banda junto a Helders en la batería y Andy Nicholson en el bajo.

Sin embargo, antes de que Alex Turner fuera el vocalista de la agrupación, hubo alguien más que se hizo cargo de las voces. De acuerdo con Far Out, Matt Dave era quien cantaba las rolas y por un tiempo fue el frontman del proyecto. Y fue él quien inspiró a sus compañeros a componer lo que sería su primera rola formal.

“Matt Dave Rock Song” es el nombre de la primera canción que escribieron juntos los miembros de la primera alineación de Arctic Monkeys (Turner, Helders, Cook y Nicholson), tomando el nombre de quien era su cantante principal en aquel entonces. Aunque no está muy claro cuánto tiempo estuvo con la banda (porque casi no se le menciona en la historia del grupo), se sabe que dicho vocalista dejó a los de Sheffield rápido.

Esta no fue la única rola que compusieron durante el primer periodo de la banda. En esa época empezaron a escribir y grabar las maquetas de temazos que más tarde entrarían en Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, como la propia “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, “When the Sun Goes Down”, “A Certain Romance”, “Dancing Shoes”, “Mardy Bum”, “Riot Van”, “Still Take You Home” y “Fake Tales of San Francisco”.

Jamás podremos escuchar “Matt Dave Rock Song”

Eso sin contar que también armaron temas que son clásicos de aquellos primeros años de Arctic Monkeys, como “Cigarette Smoker Fiona”, “Bigger Boys and Stolen Sweethearts” y “Choo Choo”, los cuales aparecieron en el famoso compilado de demos, Beneath the Boardwalk, que la banda repartía en sus conciertos y que más tarde se haría viral cuando los fans lo subieron a My Space.

De cualquier manera, “Matt Dave Rock Song” fue la primera rola que oficialmente escribieron los miembros originales de los Arctic Monkeys. Sin embargo, aunque es una pieza valiosísima e importante para la historia de la banda (considerando lo grandes que ahora son), a diferencia de las demás demos que publicaron en sus primeros años, lamentablemente no hay manera de escuchar esta canción.

Para empezar, no hay un registro de que la agrupación la haya tocado en vivo (como otras rolas que jamás publicaron en un EP o disco pero que se sabe que sonaban en sus shows, entre ellas “Ravey Ravey Ravey Club” y “Curtains Closed”) y lo peor de todo es que nunca la grabaron, ni siquiera para las maquetas que regalaban en sus presentaciones.

Far Out también menciona que los Arctic Monkeys tuvieron una buena razón para no grabar “Matt Dave Rock Song”. ¿Y cuál fue? Bueno, pues según el sitio web británico, la banda describió la canción como “basura” y “una porquería total”. Es por eso que no hay manera de que podamos escuchar esa rola con la que arrancó la colaboración musical entre Alex Turner, Jamie Cook, Matt Helders y Andy Nicholson.

A pesar de eso, aún tenemos otros trabajos como Beneath the Boardwalk, Five Minutes with Arctic Monkeys y Who the Fuck Are Arctic Monkeys? en los que podemos escuchar cómo era el sonido crudo de la banda en sus inicios. Pero lamentablemente, nunca tendremos la oportunidad de apreciar “Matt Dave Rock Song”.

No cabe duda que resulta curioso que tanto la historia de la primera canción que compuso una de las agrupaciones más importantes de los últimos tiempos, así como la persona que la inspiró no sean tan conocidos. ¿Qué tal? ¿Ustedes sí se sabían todo este chismecito de los Arctic Monkeys o no?

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