Musica
Un año más del disco más ‘colorido’ de The Beatles
Lo que necesitas saber:
The White Album fue publicado el 22 de noviembre de 1968… y por el no pasan los años.
¿Por qué “Blanco” el noveno disco de The Beatles? Volando la imaginación, podríamos suponer que, dado que en la cromosíntesis aditiva, el blanco es el resultado de la mezcla de los tres colores cuya combinación en distintas proporciones da como resultado toda la gama de tonalidades conocida… pues eso mismo sucede auditivamente en este disco. La mezcla es en toda su intensidad.
un trabajo en el que los cuatro elementos de la banda compuesta por Ringo Starr, George Harrison, John Lennon y Paul McCartney dejaron libre toda su creatividad (más los tres últimos, a decir verdad) para crear una obra que, en su totalidad, es un atasque intenso de géneros y sonidos.
A continuación un muy breve repaso de cada uno de los temas que dan forma al White Album, incluyendo algunas de las nuevas mezclas contenidas en la edición con motivo del 50 aniversario del disco. Por cierto, vale la pena escuchar esta nueva edición en su totalidad, ya que además de traer demos conocidos por todo buen fan de The Beatles, hay tomas alternas, tracks que no se incluyeron en el disco y demás… un agasajo al oído.
Back in the U.S.S.R.
Primera pieza del disco. Rock & roll puro, con claras influencias de The Beach Boys y evidentes honores a Chuck Berry. Un tema definitivamente mccartniesco (hasta en la batería… Ringo abandonó el barco): pegajoso, bailable y con una letra sin complicaciones. Sólo súbete a la nave y date una vuelta por la Unión Soviética. Bueno, tampoco tan simple el asunto.
Dear Prudence
Es muy conocida la anécdota de esta canción: dedicada a la agüitada Prudence, hermana de la actriz Mia Farrow a quien los Beatles conocieron en sus meditaciones con el Maharishi Mahesh Yogi en India. Pero más allá de eso, tenemos en los oídos una canción con toda la ácida festividad hippie de la época. Relajada al inicio, explosiva al final. Acaba la fiesta – después de “salir a jugar”, en palabras de Lennon – regresa la calma.
Y ponemos el cover de Siouxsie, nomás porque está chido.
Glass Onion
Básicamente una burla a los fans aferrados en descifrar el significado oculto de las canciones… ¿o quizás un compendio de nuevas pistas? Nahhh, definitivamente lo primero. Una canción que deja un saborcito con sólo escuchar las embarradas de guitarras y las espolvoreadas de batería (nuevamente, cortesía de Paul). Sabor agridulce o algo parecido. Escúchenla y encuéntrele sabor.
Ob-La-Di, Ob-La-Da
Una de las canciones más odiadas por los fans de The Beatles… algunos otros la adoran (más cuando Paul la canta en concierto con mariachi). Se hizo popular (más) en nuestro país por aquella serie que la utilizó como tema principal: La vida sigue su curso. ¿Cuánto habrá pagado por ello?
Wild Honey Pie
Uno podría jurar que se trata de una canción de Pixies… un momento, de hecho, la banda de Frank Black la covereó. Ahora todo tiene sentido. Pesada, agresiva y dulce… como el título mismo de esta composición de McCartney… y como la música que años más tarde haría el grupo estadounidense. Otro poquito y quedaba fuera del disco, pero Pattie Boyd metió su atinada cuchara y pidió incluirla.
The Continuing Story of Bungalow Bill
Una canción que, por lo que se oye, ha de haber sido un desmother a la hora de sus ensayos y grabación. No sólo por el alboroto que se escucha de fondo (reapasen la edición de 50 aniversario del disco), sino por la incursión de Yoko Ono en las voces principales. Única canción del cuarteto en que ocurre algo así… por otra parte, una de las canciones con menos “carnita” en las letras de Lennon. Como si hubiera respondido al “Ob-La-Di, Ob-La-Da” de McCartney. Lo mejor, la guitarra española del inicio.
While my Guitar Gently Weeps
Uno de los puntos más altos del álbum… y del rock. Composición de George Harrison que, humilde y buena onda como siempre fue, le cedió uno de su mejores solos de guitarra a su amigo Eric Clapton. No hay mucho que decir… salvo que una de las más potentes interpretaciones en vivo de esta canción fue en 2004, cuando Harrison ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll. La guitarra es del genial Prince.
Happiness is a Warm Gun
Último tema del lado A del disco 1. Debe ser escuchada por quienes piensan que Queen o Radiohead innovaron al crear un tema a partir de un collage. Antes de “Bohemian Rhapsody” o “Paranoid Android” ya existía este tema compuesto en 1968 por Lennon (firmado Lennon/McCartney, como era tradición).
Martha my Dear
Ejemplo de la imparable capacidad inventiva/creativa de Paul McCartney: una canción de amor inspirada en un perro. Bueno, mejor que esa de “Ella se llamaba Martha”. Por otra parte, ¿en qué momento ese muchachito de Liverpool aprendió a tocar así el piano? Quién sabe, pero es una delicia escuchar el sonido que le saca a esas teclas.
I’m so Tired
Huevona y melancólica canción de Lennon. No apta para depresivos. Increible que date de la época de “The Continuing Story…” Con versos universales que gritados a todo pulmón relajan a las almas atormentadas (o las atormentan más… pero qué sabroso): “I wonder should I call you but I know what you would do…”
Blackbird
Un clásico del catálogo de McCartney. “Simple” guitarra acústica basada – según Paul – en “Bouree in E minor” de Bach. Otra vez… entonces no tan simple.
Piggies
Lo de McCartney y Bach sorprende, pero no tanto para la época. En pleno desarrollo del chamber pop (cuya obra representativa es el Pet Sounds de The Beach Boys), Harrison hizo su aportación al asunto con esta pieza de tintes barrocos y orwelliana crítica de clases.
Rocky Raccoon
Otra canción de este disco con aires del lejano oeste. “The Continuing Story of Bungalow Bill” fue de Lennon, ésta de McCartney. Con pianola ejecutada por George Martin, ideal para escuchar mientras se juega póker.
Don’t Pass Me By
Debut de Ringo como compositor (no co-compositor, eso ya había sido antes). Uno de los dos temas de The White Album en el que el baterista más buena onda de todos los tiempos mete su voz con resultados divertidos. Muy al estilo de lo que después haría en sus épocas en solitario. Festiva en la música, no tanto en la letra… o quizás sí, para aquellos que le gusta el amor que duele.
Why Don’t We Do It In The Road?
Firmada Lennon/McCartney, pero todita de Paul: voz, piano, guitarras, bajo… hasta las palmas. Bueno, aquí sí Starr pudo tocar la batería. Simple en la letra… sólo repetir una y otra vez lo que Paul se preguntó al ver en plena carretera a unos changuitos echando pasión. Pero a ver, con eso hagan esto:
I Will
Hermoso bolero de… sí, otra vez McCartney. Es que para esa época era una máquina el muchacho. En esta canción de tintes muy románticos, Paul no se podía ir sin meterle un extra: el bajeo. Hecho a base de lo que salía de su boca. Un “bajo vocal”, podría decirse.
Julia
¡Ay, papa, ya no me pegues! Entre “I Will” y esta joya, la parte más llegadora del disco. Composición de Lennon dedicada a su madre… aunque con referencia a su pareja Yoko (ocean child, en japonés). Como sea, una bella pieza a pura guitarra acústica y arpegio a la Donovan.
Y acabamos el disco 1…
Birthday
Rock & Roll sin más pretensión que darle duro a las guitarras. Mejor que poner las mañanitas de Cepillín. Quién diría que una canción cumpleañera significaría el fin: este fue el último tema que Lennon y McCartney compusieron en colaboración 50/50.
Yer Blues
Esta canción podría verse como de un Lennon en solitario. Quizás porque después la interpretó con Plastic Ono Band, como parte del setlist de su primer concierto como solista. Quizás por eso. Como sea, una de las canciones del White Album más contundentes y rasposas. Blues con tintes de rock pesado.
Mother’s Nature Son
Otra joya que no necesitó más que ser interpretada con guitarra acústica y por ahí unas que otras percusiones. Todo McCartney. Como varios de los temas de este disco, inspirada en las enseñanzas del Maharishi Mahesh Yogi.
Everybody’s Got Something to Hide Except Me and My Monkey
Más del Maharishi. En esta canción sin sentido la frase que más se repite (¡come on!) es referencia a la forma en que el susodicho le pedía al respetable acercarse… de ahí en fuera, puro (aparente) desvarío. Pero del bueno. Hay que escuchar las distintas tomas que se publicaron en la edición del 50 aniversario para checar los juegos de guitarras. Lennon, como casi siempre desgarrándose las cuerdas vocales.
Sexie Sadie
Una canción que desde las primeras notas del piano irradia decepción. Sí, una más inspirada en el Maharishi. Qué personaje. Por ahí dicen que intentó tocarle la jalea a Mia Farrow. Lo que sí es que su conducta dejó bastante desilusionados a los del cuarteto y qué mejor manera de sacar el sentimiento que con un sabroso cumbión.
Helter Skelter
La canción que, junto con “Piggies”, le acabó de desacomodar la chirimoya a Charles Manson. Un tema con el que McCartney quiso superar la presunción de The Who de haber grabado la canción más salvaje (“I Can See for Miles”). ¿Lo logró? Ustedes decidan. Lo que sí es que la grabación estuvo tan ruda que quedó para la posteridad cómo Ringo se lamentó de darle tan duro a la batería: “I got blisters on my fingers!” (¡Tengo ampollas en mis dedos!”)
Long, Long, Long
La cara A del disco 2 concluye bajando los decibeles de Helter Skelter con una composición de George Harrison. Tranquila canción de amor que, conociendo al creador de “My Sweet Lord”, bien podría estar dirigida a su pareja o a alguna entidad superior. Como sea, lo que resalta es la introspección musical que concluye con un delicioso alarido.
Revolution 1
Versión acústica de una de las canciones más populares del cuarteto de Liverpool. Rock adecuado para toda época: siempre habrá quienes quieren hacer la revolución. Obvio el tema se presta más para ser escuchado a todo volumen y con sus respectivas distorsiones, así que les dejamos la versión no incluida en el Álbum Blanco.
Honey Pie
El lado B del disco dos sin duda es el más interesante de este álbum doble. Más arriesgado, por así decirlo. Muestra para dónde iba cada uno de los integrantes del cuartero. En el caso de McCartney, “Honey Pie” lo confirma como un compositor fuera de serie, versátil a más no poder y capaz de hacer hits para cualquier época. Si antes lo tuvimos dejando las bases para el heavy metal con Helter Skelter, con “Honey Pie” se va décadas atrás y se convierte en un virtuoso de la music hall.
Savoy Truffle
El enlistado de golosinas que se hace en la canción es lo de menos. Aquí tenemos al Harrison divertido y que hace maravillas con la guitarra. Canción en la que retumban los metales, haciéndola un tanto vertiginosa. Precisos remates de batería que demuestran por qué Starr estaba en esta banda. En fin, de esas canciones que son buenas para ir en la carretera a toda velocidad.
Cry Baby Cry
Canción basada en un cuento. Composición de Lennon en la que nuevamente le saca brillantes notas a la guitarra acústica. Es un placer escuchar los pequeños detalles. Los sonidos de cuando sirven el té, por ejemplo. Todavía es un misterio qué es lo que al final canta McCartney. Algunos lo conocen como “Can You Take Me Back”.
Revolution 9
Si todavía varios se quedan con cara de “¿qué diablos acabo de oír?”, imaginen lo que fue hace 50 años. Vanguardia artística en la que se nota la influencia de Yoko Ono y que no es recomendable escuchar bajo los efectos de algún enervante (alcohol, por supuesto). Esas grabaciones de bebé sí sacan de onda.
Ah no, es ésta:
Good Night
Delicado cierre del vertiginoso collage de sonidos que fue Revolution 9… y de géneros que es White Album. A pesar de las diferencias que ya existían al interior de la banda, una de las grabaciones que se incluye en la nueva edición del disco revela que, cuando de hacer música se trataba, estos muchachos se metían en serio. Un abrazo al corazón esta versión.
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El próximo 21 de junio en el Conjunto Santander, el Cuarteto Latinoamericano ofrecerá en la ciudad uno de sus últimos conciertos antes de retirarse de los escenarios, en una presentación junto a la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ) bajo la dirección del maestro peruano Fernando Valcárcel.
Para el director huésped, la despedida del ensamble representa mucho más que un concierto dentro de la Segunda Temporada 2026 de la OFJ. Se trata de un momento de relevancia histórica para la música de cámara en la región.
“La presencia del Cuarteto Latinoamericano, que es un ensamble de mucho prestigio en el mundo de la música de cámara en Latinoamérica, realza el concierto en su integridad. De hecho, creo que es el momento más emblemático del programa. Es el concierto de despedida del Cuarteto Latinoamericano, un cuarteto que ha grabado muchas piezas, ha hecho un gran aporte para la difusión de la música latinoamericana y ha ganado importantes premios, además de Grammy”, dijo en entrevista para EL INFORMADOR.
Valcárcel destacó que se trata de una de las agrupaciones más importantes que han surgido en el ámbito de la música de cámara y reconoció el significado personal que tiene para él formar parte de esta presentación.
“Me honra poder estar en su concierto de despedida en la ciudad de Guadalajara, en un sitio tan apropiado para las artes sonoras como lo es el Conjunto Santander”.
La presentación reunirá tres universos musicales distintos. El programa abrirá con “Kachampa”, del compositor peruano Theodoro Valcárcel; continuará con “Las cuatro estaciones porteñas”, de Astor Piazzolla, interpretada por la OFJ y el Cuarteto Latinoamericano, y concluirá con la monumental Quinta Sinfonía de Dmitri Shostakóvich.
El director considera que el hilo conductor entre las obras es la capacidad de cada compositor para dialogar con su contexto cultural y transformar esa experiencia en lenguaje artístico.
“Agradezco mucho la invitación del maestro José Luis Castillo, quien tuvo a bien programar una obra de un compositor peruano en su noble afán de renovar el repertorio y ampliar las oportunidades de escucha y valoración de la música latinoamericana en el público mexicano”.
Sobre Theodoro Valcárcel, explicó que se trata de una figura fundamental para la historia musical de Perú por haber incorporado elementos de la tradición andina al desarrollo de una estética moderna.
“Fue el compositor que, nutriéndose del universo andino y de la música tradicional de su país, abrió las puertas de la música moderna en la historia musical peruana. ‘Kachampa’ es una de sus piezas principales, una música de gran vigor, de gran fuerza expresiva, muy rítmica”.
Las estaciones de Piazzolla
En contraste, la obra de Piazzolla representa uno de los puntos más reconocibles de la música latinoamericana del siglo XX. Sin embargo, Valcárcel subraya que la versión que se escuchará en Guadalajara tiene una particularidad poco frecuente la cual es la combinación de cuarteto de cuerdas y orquesta.
“Hay conciertos para violín y orquesta, conciertos para piano y orquesta, pero obras para cuarteto de cuerdas y orquesta no hay muchas. Es una adaptación muy bien lograda y que va a dar el realce necesario al concierto”.
La vida cíclica
La última parte de la jornada estará dedicada a una de las obras más emblemáticas del repertorio sinfónico moderno: “La Quinta Sinfonía” de Shostakóvich.
Compuesta en medio de la presión política ejercida por el régimen soviético, sigue encontrando eco en el presente por la vigencia de los conflictos humanos que aborda desde la música.
“Los problemas fundamentales del ser humano, sus preocupaciones y la problemática de la convivencia mundial se repiten durante la historia. Los mismos conflictos de antaño son los actuales. El gran arte nace de una reflexión, de una posición crítica que es fruto de esa búsqueda de solución a los problemas”.
El director peruano enfatizó que la partitura del compositor ruso trasciende su contexto histórico porque logra convertir una experiencia particular en una reflexión universal. En ella conviven la denuncia, la ironía y la esperanza.
“Shostakóvich vivió una época convulsa, de represión. Su música es una salida, una queja, una crítica a esto. Hay momentos donde se pueden intuir mensajes irónicos y hasta caricaturescos sobre el régimen estalinista. Pero también hay esperanza. En el último movimiento aparecen momentos que apuntan hacia ella”.
Madurez latinoamericana
La visita de Fernando Valcárcel a Guadalajara también le permitió reflexionar sobre el lugar que ocupa actualmente la música latinoamericana en las temporadas de conciertos. A su juicio, el repertorio del continente ha alcanzado una madurez suficiente para ocupar un lugar central en la programación de las orquestas.
“Ya hay una gran tradición en nuestra música sinfónica latinoamericana que tiene que ser conocida. Tenemos clásicos como Chávez y Revueltas que son símbolos de identidad y orgullo para nuestro continente”.
Aunque reconoce que durante décadas gran parte de este repertorio permaneció fuera de los programas habituales, observa una transformación paulatina en distintas instituciones de la región.
“Veo el interés en las orquestas. Lo veo con la Filarmónica de Jalisco y con el maestro Castillo al ampliar las oportunidades para conocer un repertorio menos frecuentemente programado, pero no por ello de menor valor”.
Desde su experiencia al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, considera que uno de los grandes retos de las agrupaciones contemporáneas es abrir espacio a nuevas voces y fortalecer el patrimonio musical de cada país.
“Es importante que la música del siglo XXI se escuche y forme parte del acervo de una nación. Las orquestas son un órgano de difusión trascendental para llevar a cabo esa transformación”, finalizó.
CT
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El Mundial no solo se juega en la cancha; hoy está convirtiendo a la música mexicana en un fenómeno global. Si quieres entender cómo un balón rodando dispara las reproducciones digitales y redefine nuestra cultura a nivel mundial, estos datos te interesan.
Desde el pitazo inicial del torneo el pasado 11 de junio de 2026, el impacto cultural ha trascendido las gradas de los estadios. La pasión de los aficionados ha encontrado un nuevo terreno de juego en el ecosistema digital, transformando la banda sonora del verano.
Millones de seguidores en Estados Unidos, Canadá y territorio azteca están utilizando sus dispositivos para extender la celebración deportiva. Las plataformas de streaming se han convertido en el termómetro exacto para medir el fervor que despierta la justa mundialista en la región norteamericana.
La reciente victoria de la selección nacional en su partido inaugural desató una ola de orgullo sin precedentes en internet. Este sentimiento de identidad compartida motivó a los usuarios a buscar aquellas melodías que mejor representan sus raíces y su herencia cultural.
Como resultado directo, este entusiasmo se tradujo inmediatamente en un pico masivo de reproducciones para el talento local. Los algoritmos comenzaron a recomendar ritmos regionales, mariachi y pop en español, creando un círculo virtuoso de descubrimiento y nostalgia musical.
Spotify y el Mundial 2026
Según los datos oficiales compartidos por Spotify, los himnos clásicos están experimentando un resurgimiento histórico en sus escuchas diarias. La plataforma sueca confirmó que los eventos deportivos de esta magnitud tienen el poder de alterar drásticamente las tendencias de consumo a nivel global.
El impacto es evidente en las métricas: el legendario Vicente Fernández vio cómo su emblemático tema “México Lindo y Querido” aumentó un 331% en Estados Unidos. Esta canción se ha consolidado como el himno no oficial de los aficionados que celebran cada gol tricolor.
Por su parte, el éxito “México en la Piel” interpretado por Luis Miguel registró un crecimiento del 189% en cuestión de horas. La voz del “Sol de México” volvió a posicionarse en las listas de popularidad, demostrando la vigencia de su catálogo musical.
El impacto cultural más allá de la cancha
El Mundial 2026 se consolida así como un poderoso catalizador para la exportación de la identidad latinoamericana. La vitrina internacional que ofrece la FIFA permite que sonidos tradicionalmente locales alcancen audiencias en continentes que antes parecían inaccesibles para la industria hispana.
Para dimensionar este alcance, el perfil oficial de la federación internacional en la plataforma de audio ya supera los 11 millones 600 mil oyentes mensuales. Las playlists curadas específicamente para el torneo están repletas de colaboraciones que fusionan el folclor con ritmos urbanos contemporáneos.
Esta sinergia demuestra claramente cómo los megaeventos deportivos reconfiguran los hábitos de consumo a nivel internacional. La música y el fútbol comparten la capacidad única de movilizar masas, borrar fronteras lingüísticas y generar emociones colectivas en tiempo real.
Sin embargo, el fenómeno actual no se limita exclusivamente a los éxitos nostálgicos de décadas pasadas. La nueva ola de creadores está aprovechando este reflector global para posicionar subgéneros innovadores que resuenan fuertemente entre las generaciones más jóvenes.
Artistas contemporáneos como Xavi, quien participa activamente en el himno oficial de la copa, dominan las listas globales de reproducción. Su inclusión en la banda sonora del torneo subraya la relevancia que ha cobrado el talento emergente en la escena mundial.
Cifras récord para la industria nacional
Las bases de esta explosión mediática se cimentaron sólidamente el año pasado, según reveló el reciente informe Loud & Clear. Este documento detalló cómo la infraestructura digital ha permitido a los compositores monetizar su arte de manera mucho más eficiente y transparente.
Las estadísticas son contundentes: los creadores mexicanos generaron más de 8,200 millones de pesos en regalías durante 2025. Este incremento del 20% respecto al periodo anterior marca un hito financiero, duplicando los ingresos de la industria en apenas un trienio.
Actualmente, el dominio interno es absoluto, ya que más del 70% de las canciones en el Top 50 diario del país pertenecen a talento local. Los consumidores han recuperado el control de sus listas de popularidad, priorizando las narrativas sonoras que reflejan su cotidianidad.
Para ponerlo en perspectiva, hace apenas una década esta cifra de representación nacional apenas alcanzaba un tímido 10%. La transformación del mercado interno ha convertido a la capital del país en el epicentro global del consumo musical por streaming.
Para comprender a fondo esta revolución digital durante la justa deportiva, es vital analizar los factores que impulsan la tendencia. A continuación, desglosamos los elementos principales que explican este comportamiento masivo de los usuarios:
- Efecto victoria: Los triunfos deportivos disparan inmediatamente la escucha de himnos culturales.
- Nostalgia compartida: Las comunidades migrantes conectan con sus raíces a través de clásicos.
- Exposición global: El torneo atrae oídos internacionales hacia los ritmos regionales.
- Curaduría estratégica: Las listas oficiales facilitan el descubrimiento de nuevos talentos.
Mientras la competencia avanza hacia sus fases decisivas, la banda sonora de este torneo deja claro que el ritmo lo dicta México. La fusión entre la pasión futbolera y la herencia sonora continuará rompiendo récords, demostrando que la música es el verdadero idioma universal.
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