Musica
El legado de Jack White, en 5 bandas y proyectos
Lo que necesitas saber:
Jack White se presenta este domingo en el Corona Capital y recapitulamos su legado en 5 proyectos fantásticos de este genio musical.
Jack White es la definición de un intenso amante de la música, que se aprecia en su virtuosismo en la guitarra, y en su obsesión por lanzar más y más tracks, lo que nos sacudió este año con su rifadísimo No Name, que es de lo mejor que hemos escuchado este 2024. Con su característica de workaholic, Jack nos la ha puesto difícil para entrarle a todos sus proyectos y casi 20 discos de estudio de sus bandas.
Para entender a uno de los headliners del Corona Capital, es necesario entrarle a los proyectos que lo han convertido en una leyenda viviente del garage rock, blues, y rock. Te contamos un poco de cada uno previo a verlo este domingo en el Corona Capital 2024, y ojo, que Jack incluye en su set rolas completas o pedazos de canciones de otras de sus bandas.
The White Stripes (1997 – 2011)
Con esta banda, Jack y Meg White acapararon la atención global como dos héroes que hicieron un revival del rock de garage, ese que salió de los ensayos informales a las grabaciones amateur y llegó a llenar arenas a inicios de los dosmiles. La voz descontrolada de Jack y su atípica forma de tocar, enfocada en la disonancia y en un fuzz exagerado, lo comenzaban a perfilar como un nuevo guitarrista a seguir.
Este icónico dúo tomó al mundo por sorpresa, revivió un sonido de garage rock crudo y directo que fascinó y sigue vigente. Desde ese entonces, Jack se mostraba como un tipo misterioso, y hasta nos mintieron con que eran hermanos, cuando en realidad eran exesposos, ¡y Jack incluso tomó el apellido de Meg!
The Upholsterers (2000)
Casi a la par de su trabajo en The White Stripes, Jack tenía otro proyecto mucho más underground que se originó de una forma bastante peculiar. White trabajó en una mueblería y ahí fue aprendiz de tapicero de Brian Muldoon, quien resultó ser baterista y con el que formó un proyecto llamado The Upholsterers.
Este par grabó el sencillo ‘Your Furniture Was Always Dead … I Was Just Afraid to Tell You’ y ‘Makers of High Grade Suites’, rarezas a la fecha. Jack cantó en “Apple of My Eye” y “Pain (Gimme Sympathy)”, clásicos de culto del artista.
The Dead Weather (2009 – )
Jack White tiene un círculo de amistades envidiable, y ya sea como invitado sorpresa con Conan O’Brien o con Beck, ha mostrado que se lleva con un círculo de élite musical.
The Dead Weather se formó por la amistad de Jack con Alison Mosshart de The Kills. Esta banda se armó por accidente: Jack perdió la voz en una gira y Alison Mosshart ayudó como vocalista. Más tarde, Jack le preguntó si grabaría una canción con él y Jack Lawrence, después conocieron a Dean Fertita. Así surgió el supergrupo The Dead Weather, que nos ha entregado 3 discos fenomenales.
The Raconteurs (2005 – )
Uno de los proyectos más ambiciosos de Jack White son The Raconteurs, una banda de rock clásico que presume de una producción asombrosa y varios himnos del género, que también se han adaptado al blues y bluegrass. Aquí, Jack comparte micrófonos con Brendan Benson, en una dupla complementaria que resulta maravillosa. Como contadores de cuentos, tienen baladas sensibles e historias ficticias que parecen sacadas de una novela detectivesca.
Jack y Brendan Benson escribieron la canción “Steady, As She Goes” y, al instante, decidieron formar una banda. Así nacieron los Raconteurs, una bandota para la que reclutaron a Patrick Keeler y Jack Lawrence. En 2019, regresaron con el impactante Help Us Stranger, después de 11 años sin disco de estudio.
Solista (2012 – )
Llegó finalmente el momento en el que Jack decidió no depender de otras mentes creativas y darle vida a sus visiones bajo su propio nombre. Con el álbum Blunderbuss (2012), Jack debutó como solista, grabando en su estudio de Third Man Records. En este disco, Jack se concentró en rock clásico, basado en riffs, con una estética sonora bastante tétrica, y entrándole al blues y folk.
De ahí en adelante, Jack ha lanzado 5 discos de estudio más que han cubierto una amplia gama de géneros y estilos sonoros. Lazaretto (2014) siguió por el mismo camino que su antecesor, con una popularidad inesperada, y después de eso, White se concedió licencia para lanzar Boarding House Reach (2018), la exploración sonora más atrevida de su carrera, repleta de efectos y rolas instrumentales.
En sus discos más recientes, Jack ha consolidado su visión creativa, y en 2022 nos sorprendió con dos discos opuestos. Fear of the Dawn tenía trancazos rockeros y distorsionados, mientras que Entering Heaven Alive se enfocó en su lado más acústico. Este año trae No Name, y reemplazando a Queens of the Stone Age, le veremos en el Corona Capital 2024 con lo que podemos considerar su mejor disco como solista hasta la fecha.
La historia de Jack es apantallante, y presenciaremos su genialidad este fin de semana en vivo y a todo color. Aún quedan algunos boletos para el domingo del Corona Capital, que pueden comprar por acá.
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Drake Bell fue el protagonista de una de las series que marcaron a los jóvenes mexicanos durante mediados de los años 2000 e inicios de los 2010, “Drake y Josh“. Un grupo de músicos lo animaron a cantar la intro de la serie, el tema “Found a Way” al ritmo del regional mexicano en Chihuahua.
Drake, quien pasa temporadas en México, aparece sonriente y animado cantando el clásico tema que para los fans fue un momento conmovedor.
“Esto es lo más random que nunca imaginamos los que veíamos drake y Josh en nuestra adolescencia“. “Oye, tranquilo pariente”. “La seriedad y respeto que le puso Drake amé”. “Quién no puede amar a Drake Bell es bello y es muy humano y humilde“, opinaron algunos cibernautas sobre el momento que ya se volvió viral en las redes sociales.
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Varios cibernautas tomaron como una “señal” lo sucedido con Drake y su reciente interpretación de “Found a Way”: “¿quién pidió esta señal?”.
La relación entre Drake Bell y Josh Peck, protagonistas de la serie, ha sido compleja y ha pasado por altibajos a lo largo de los años. Drake y Josh se conocieron mientras trabajaban en la serie de Nickelodeon, donde desarrollaron una fuerte amistad durante su tiempo juntos en el programa.
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Tras la finalización de la serie en 2007, su relación comenzó a enfriarse. Aunque compartieron momentos juntos en eventos como los MTV Video Music Awards, no mantuvieron una comunicación constante.
En 2017, Josh Peck se casó con Paige O’Brien y no invitó a Drake Bell a su boda. Esto provocó una reacción negativa de Bell, quien expresó su decepción públicamente a través de Twitter, aunque luego borró el mensaje.
Con información de SUN
MBV
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Lo que necesitas saber:
Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.
En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.
Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.
Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).
Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia
Fleetwood Mac – ‘Tusk‘
Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.
Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.
A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.
Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.
Billy Idol – ‘Charmed Life‘
Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.
A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.
Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.
Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.
Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘
Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.
Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.
El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.
Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.
Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘
La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.
El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.
En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.
Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.
Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘
Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.
Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.
El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.
No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.
Korn – ‘Untouchables’
Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.
A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.
El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.
El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.
Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’
En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.
En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.
Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.
Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.
Def Leppard – ‘Hysteria’
Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.
Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.
Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.
Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’
Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.
A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.
Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.
Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).
Michael Jackson – ‘Invincible’
Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.
En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.
Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.
Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.
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El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.
Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.
En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.
A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.
Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.
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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.
Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.
Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.
Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.
A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.
En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.
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CM
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