Musica
Conciertos: Carín León lleva hasta Europa su sello sonoro
Por su abuelo conoció la música del Charro Avitia y de Javier Solís. Por su abuela, cuyos hermanos fundaron la Banda El Recodo, conoció los sonidos de la banda, y por su papá, el rock de los años ochenta y la trova. Pero Carín León decidió tomar un poco de todas esas influencias, hacer su propia música y llevarla hasta Europa.
Trae en la sangre la música ranchera, dice, pero también la música folclórica latinoamericana, sin olvidar su gusto por el country, que mostró en su reciente disco “Boca chueca Vol 1”. Incluso muchos en España no dudan en relacionar sus florituras con el flamenco.
“Más que género, no me gusta la palabra que divide, no me gusta unificar todas las ideas que tengo con una estructura. Siempre lo he hecho por intuición, de corazón, y uno siempre tiene que hacer música de la que se sienta orgulloso, que le aporte a uno, que no sólo sea fama y dinero”, dice Carín.
Asegura que no olvida sus raíces y menos en estos días que se habla de los fallecidos, que en él se hacen presentes en los recuerdos de sus abuelos.
“Como buen mexicano, son días que visitas, recuerdas. Yo pongo la música de mi abuelo”, dice y recordó que en su concierto que ofreció el jueves en Madrid, dedicó parte del show “a mucha gente que me hubiera gustado que estuviera, que nos viera”.
Carín se presentó en el WiZink Center, un espacio para 16 mil personas del que, afirma su personal, agotó entradas. El cantante de 35 años, siempre junto a su pareja, lució relajado y emocionado.
“Era un día que yo añoraba. Es un sueño. No me di cuenta ni de cómo llegamos, ni cómo cruzamos el charco con mi música. No me cae el 20 todavía”.
Un palenque madrileño
A España llevó el concepto del palenque, en lo que describe como un formato 360, una fiesta con 30 personas en escena, más invitados especiales como Pablo Alborán, Manuel Carrasco, Sen Senra, Alex Ubago y Omar Montes.
Tras su paso por la capital española, continuará hoy en Ámsterdam y el martes en París, a donde llevará éxitos como “Despídase bien” y “Te lo agradezco”, que forman parte de sus cuatro álbumes de estudio.
A punto de entrar al escenario, el sonorense es interrumpido por la representante del WiZink para que estampe su firma y foto en el cuadro que lucirá ahora en las paredes del Paseo de la Fama del recinto.
Sin creerlo todavía, lo atribuye a más de 15 años de trabajo y su libertad creativa: “Defiendo mi forma de ver las cosas y siempre me voy con un buen sabor boca porque hice lo que quise. Me gusta el reto”.
CT
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El servicio de streaming Disney+ tiene una nueva programación en noviembre, y los primeros lanzamientos del mes ya están disponibles. Conoce cuáles son y disfruta de tu tiempo de ocio audiovisual con alguno de ellos.
La música de John Williams
Es una película documental original que ya se puede ver en Disney+. El documental recomendado a partir de los 10 años, narra desde los primeros días de John Williams como pianista de jazz hasta sus 54 nominaciones y cinco premios Oscar®. El largometraje ofrece una mirada profunda a las innumerables contribuciones de Williams a la industria cinematográfica, incluidas muchas franquicias icónicas, así como sus composiciones para conciertos y su impacto en la cultura popular. La película presenta entrevistas a artistas y cineastas cuyas vidas han sido influenciadas por la inolvidable música del compositor. Dirigida por Laurent Bouzereau, el documental está producido por Steven Spielberg, Brian Grazer, Ron Howard, Darryl Frank, Justin Falvey, Sara Bernstein, Justin Wilkes, Meredith Kaulfers, Kathleen Kennedy y Frank Marshall.
Endurance
Es una especial de National Geographic que ya está disponible en Disney+. Recomendado a partir de los 14 años, este especial cuenta sobre una hazaña legendaria de liderazgo y perseverancia. El explorador de la Antártida Ernest Shackleton mantuvo con vida a su tripulación durante más de un año a pesar de perder su barco en el hielo. Un siglo después, un equipo de exploradores parte en busca del barco hundido. Estas expediciones históricas, unidas por el valor y la determinación, supieron cerrar una de las mayores sagas de la historia sobre la supervivencia y el poder del espíritu humano.
Con información de The Walt Disney Company México.
XM
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Lo que necesitas saber:
Quincy Jones fue uno de los nombres más importantes en la historia de la música y de plano, estos 10 discos confirman su legado.
Hay nombres sin los cuales, no podríamos entender la música que escuchamos en la actualidad. Y es que más allá de los artistas y bandas que nos gustan, existen personas sin las cuales, probablemente jamás hubieran llegado al estrellato. Tal es el caso de Quincy Jones, una verdadera leyenda de la industria musical y arquitecto del sonido de los últimos 60 años.
Quincy Delight Jones, Jr. –como en realidad se llamaba– inició su carrera como trompetista en los 50 y años después, se mudó a Nueva York para comenzar a trabahar como compositor, arreglista y productor para leyendas del jazz como Thelonious Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis e incluso su viejo amigo, Ray Charles.
Repasemos el legado de Quincy Jones con 10 discos importantes en su carrera
Después de viajar a París a mediados de la década, donde conoció a personalidades como Leonard Bernstein y hasta Pablo Picasso, Quincy Jones regresó a Estados Unidos para convertirse en vicepresidente de Mercury Records, donde grabó y produjo a artistas del tamaño de Tony Bennett, Sarah Vaughan y Peggy Lee.
Fue ahí donde comenzó a forjarse un nombre importante en la producción, aunque al mismo tiempo, a través de sus discos como solista, Quincy siguió demostrando su enorme talento musical. Sin embargo, fue a inicios de los 80 cuando su nombre se hizo mundialmente conocido por su trabajo con el mismísimo Michael Jackson.
Definitivamente, hablar de Quincy Jones es mencionar a una persona clave en la historia de la música y para rendirle tributo a las grandes aportaciones que hizo a este arte, a continuación repasaremos el legado que nos deja como arreglista, compositor y productor a través de 10 discos clave en su carrera.
‘Miles & Quincy Live at Montreux’ (1993)
Ok, arrancamos con un disco que si bien, no aparece en la lista de los mejores hechos por Miles Davis, es un retrato de la enorme y complicada carrera de esta legendaria figura del jazz. Y sí, el principal involucrado para que se hiciera realidad este proyecto tan caótico pero maravilloso fue el gran Quincy Jones.
Grabado durante la presentación que dio Miles en el Festival de Jazz de Montreux 1991 junto a Jones y su orquesta –la cual se dio tres meses antes de que Davis muriera a los 65 años–, este álbum demuestra la genialidad del músico estadounidense, tocando con fragilidad su trompeta sin olvidar el poder que siempre tuvo con este instrumento.
En conclusión, este disco confirma el increíble trabajo de Quincy Jones como productor, pues se encargó de que su amigo y colaborador sonara impecable y, sin saberlo, se luciera en lo que sería uno de sus últimos conciertos. Una verdadera joyita que de plano, es un deleite escucharlo de principio a fin.
‘In the Heat of the Night’ (1967)
Además de su enorme trayectoria en la industria musical como tal, Quincy Jones también fue un gran compositor de scores para el cine y la televisión. Y uno de sus primeros grandes trabajos en este ámbito fue lo que hizo en 1967 para In the Heat of the Night, película protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger
Por si no fuera suficiente hacerse cargo de la música original para esta cinta (la cual estuvo fuertemente cargada por un sonido sureño único con un toque de funk que en aquel momento sonaba futurista), Quincy también se encargó de componer la canción principal de esta producción, que fue interpretada por el mismísimo Ray Charles.
Todo esto dio como resultado canciones emotivas y conmovedoras a In the Heat of the Night, la cual nos cuenta la historia de policía afrodescendiente del norte de Estados Unidos que se enfrenta al racismo sureño. Y sí, la película no hubiera sido la misma sin las composiciones de Quincy Jones.
Frank Sinatra – ‘Sinatra at the Sands’ (1966)
A lo largo de su carrera, Quincy Jones trabajó varias veces con el icónico Frank Sinatra, como director de orquesta y arreglista. Sin embargo, lo que consiguió en Sinatra at the Sands junto al pianista Count Basie fue probablemente la mejor de sus colaboraciones, pues creó una colección de canciones simplemente geniales.
Para ese entonces, Jones aún era un joven que estaba iniciando su carrera, pero prometía muchísimo y dejó claro que tenía algo especial al combinar el talento de Basie con la privilegiada voz y encanto de Sinatra. A todo esto le agregó un repertorio de canciones que incluyó algunas de las mejores canciones de la trayectoria del cantante estadounidense.
Sinatra at the Sands, con los arreglos y el trabajo de Quincy Jones, ofrece a quien lo escuche la versión definitiva de Frank Sinatra, un artista en la cumbre de su vida que nos regala momentos sentimentales y grandiosos en este disco en vivo, que se siente como si el tiempo se detuviera para escuchar por poco más de una hora a una de las voces más importantes de la historia.
Quincy Jones – ‘Big Band Bossa Nova’ (1962)
Por si no fuera suficiente su carrera como productor, Quincy Jones nos regaló grandes discos como solista. Y un ejemplo de ello fue Big Band Bossa Nova de 1962, el cual es una experiencia espectacular que nos muestra el lado de Jones como líder de una banda de jazz, donde rompió un poco la barrera entre la música orquestada y con el pop y ritmos más ligero.
Quizás conozcan mejor este álbum por “la rola homónimo “Soul Bossa Nova”, famosa por ser el tema principal de la serie de películas de Austin Powers, pero también muestra el fervor autodidacta de Jones por los sonidos complejos que se unen para crear algo increíblemente agradable.
George Benson – Give Me the Night (1980)
Esta colaboración entre Quincy Jones Jones y el famoso guitarrista , George Benson es una verdadera joyita. En Give Me the Night, estas dos mentes maestras hicieron un disco fuertemente influenciado por el blues, soul, funk, jazz y R&B, que es una muestra de la enorme presencia del músico originario de Pittsburgh en la música.
Este material discográfico no solo logró que Benson volviera a entrar en el número 1 de las listas de popularidad, también le dio un revival importante a su carrera. Prueba de ello fue que ganó tres Grammys: Mejor interpretación vocal masculina de R&B por la canción principal, Mejor interpretación instrumental de R&B y Mejor interpretación vocal de jazz masculina por el blues. Si no están tan familiarizados con el trabajo de George, por aquí pueden entrarle.
Little Richard – ‘The King of the Gospel Singers‘ (1961)
Como podrán notarlo a lo largo de esta lista, Quincy Jones trabajó con un montón de artistas enormes. Uno de ellos fue Little Richard, un pionero del rock and roll quien a inicios de los 60 nos presentó The King of the Gospel Singers, un álbum en el que se aleja un montón del sonido por el que se hizo famoso.
Como su nombre indica, este disco se centra en las influencias gospel de Richard, con las que volvió a sus orígenes. Con decirles que para muchos, este material fue una de las mejores grabaciones de toda la carrera del cantautor estadounidense. Aunque eso sí, no hubiera sido lo mismo sin la mano de Jones y la orquestación que le puso a las 12 canciones.
The King of the Gospel Singers resultó ser un trabajo muy importante para Little Richard, pues indirectamente, dio con la resurrección de la carrera en el rock de este artistazo, ya que después de eso compartió escenario con The Beatles. En palabras del cantante, este álbum que hizo con Quincy Jones fue lo que realmente lo devolvió al negocio, pues lo inspiró a volver a su sonido pasado.
The Brothers Johnson – ‘Right on Time‘ (1977)
Durante muchos años, Quincy Jones tuvo varios colaboradores frecuentes. En esa lista se encuentran The Brothers Johnson, dúo conformado por los hermanos George (“Lightnin’ Licks”) y Louis E. Johnson (“Thunder Thumbs”) que trabajaron con el productor en cuatro ocasiones, aunque quizá la más importante fue Right on Time.
Con este material discográfico, su segundo álbum de estudio, este par recibió ciertas críticas por cómo juntaron el funk, el pop y el disco. Pero fue innegable que la mano de Jones le dio un toque más comercial al sonido y propuesta que querían proyectar en aquel entonces.
A fin de cuentas, Right on Time de The Brothers Johnson fue un éxito, pues el disco recibió certificación de platino y llegó al número 2 en la lista de R&B de Billboard. Por si esto no fuera suficiente, gracias a la canción “Strawberry Letter 23” –la más recordada del álbum– también le valió un Grammy a Quincy Jones.
Aretha Franklin – ‘Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)’ (1973)
A inicios de los 70, Quincy Jones tuvo la oportunidad de entrar al estudio con otra artista icónica: ni más ni menos que la ‘Reina del Soul’, la enorme Aretha Franklin. En esta década, la cantante estaba pasando por una etapa de transición y eso se notó con Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), su decimonoveno álbum de estudio.
Este álbum fue planeado originalmente para ser un material discográfico de jazz puro, con canciones como “Moody’s Mood” y “Just Right Tonight”, pero tanto Jones como Franklin (quien también le entró a la coproducción) se desviaron un poco de la idea principal e incluyeron rolas mucho más poperas.
Más allá de que no tuvo el recibimiento que esperaban, Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) resultó ser el disco más experimental de toda la carrera de Aretha Franklin y definitivamente, mostró una de las características de Quincy Jones como productor: tratar de sacar a leyendas de la música de su zona de confort.
Quincy Jones – ‘Back on the Block’ (1989)
En 1989, Quincy Jones lanzó el que para muchos, es el mejor álbum de estudio de toda su carrera en solitario: Back on the Block. Este proyecto fue sumamente ambicioso en todos los sentidos, pues reunió a músicos y cantantes de tres generaciones de la industria musical y fue una verdadera locura en cuanto a combinación de sonidos.
Para que se den una idea de cómo está el asunto, este material discográfico mezcla jazz, R&B y pop con hip-hop– Además, cuenta con invitados especiales del tamaño de Ray Charles, Miles Davis, Chaka Khan, Luther Vandross, Barry White, El DeBarge, Bobby McFerrin y George Duke, así como las últimas grabaciones de estudio de las grandiosas Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.
Con este disco, Quincy Jones volvió a conquistar los premios Grammy, pues se llevó siete categorías, incluido el Álbum del Año. Fuera de su trabajo como productor y con otros artistas enormes, este fue su mejor momento como solistas y sin lugar a dudas, demuestra el enorme poder e influencia que tenía en la industria para que nombres tan chonchos apoyaran este proyecto.
Michael Jackson – ‘Thriller’ (1982)
Por supuesto que teníamos que cerrar esta lista con Thriller, el disco más vendido de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Aunque Quincy Jones y Michael Jackson trabajaron en álbumes como Off the Wall y Bad (que son geniales), lo que lograron con este material discográfico los llevó a otro nivel.
La producción de Quincy en este discazo es impecable, aunque más allá de su trabajo en los controles, fue de mucha ayuda para aterrizar y hacer realidad las ideas locas que tenía Michael en la cabeza para su sexto álbum de estudio. Y eso se nota en la combinación de géneros, que van desde pop, disco, balada y funk hasta R&B e incluso rock. Además de incluir a colaboradores como Paul McCartney, Eddie Van Halen e integrantes de Toto.
Gracias a Thriller, la carrera de Michael Jackson explotó, y por supuesto que el trabajo que hizo con Jones en este material les valió un montón de reconocimientos, pues impuso un récord en los Grammy de 1984 al llevarse ocho premios. Aunque quizá, el mayor mérito de Quincy fue consolidar a MJ como el indiscutible ‘Rey del Pop’, con temazos como “Billie Jean”, “Beat It”, “PYT (Pretty Young Thing)” y la rola homónima.
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Luis R. Conriquez es un artista de música regional mexicana especializado en cantar corridos bélicos y otros géneros populares de Sinaloa. Recientemente, el cantante se presentó en el primer festival de Spotify, el Mexcla 2024.
Rumbo al final de su participación, Luis R. Conriquez comenzó a cantar uno de sus éxitos más prolíficos, la canción “Siempre Pendientes”, cuya versión original es una colaboración con Peso Pluma.
No obstante, tras comenzar a sonar los primeros versos de la canción, el sonido fue abruptamente apagado y un agente del personal de seguridad subió al escenario para pedirle al cantante que se retirara.
El suceso quedó documentado en un video que circula en redes sociales. De inmediato, los internautas tuvieron reacciones fervientes y contradictorias al respecto.
Algunos aseguran que se trata de una censura por parte de las autoridades del festival, ya que la canción habla del recientemente detenido “Piyi”, un integrante del grupo criminal ‘Los Chapitos’, que se desempeñaba como jefe de seguridad de uno de los hijos de Joaquín ‘el Chapo’ Guzmán.
Sin embargo, se trata únicamente de suposiciones, pues el staff del festival no dio razones ni declaraciones oficiales al respecto.
Por el contrario, otros usuarios desmienten el hecho, asegurando que el tiempo de presentación que le correspondía al artista se había terminado, por lo que los trabajadores del recinto solo estaban haciendo su trabajo para evitar retrasos en el horario del resto de los cantantes programados.
El festival organizado por Spotify tuvo lugar los días 2 y 3 de noviembre en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México. Además de la participación de Luis R. Conriquez, se contó con la presencia de otros grandes artistas como el Grupo Marca Registrada, La Adictiva, Bellakath, Grupo Firme, Uzielito Mix, Silvana Estrada, Remmy Valenzuela y Meth Math.
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