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De 1993 a 2023: U2 vuelve a revolucionar los shows en vivo en The Sphere
Cuando hablamos de 1991, es inevitable pensarlo como si fuera un año de la prehistoria. Y es que, en los tiempos del metaverso, de realidad virtual, aumentada y los coches autónomos, hablar de una era en la sólo unos cuantos podían darse el lujo de contar con internet o tener un pesadísimo y enorme teléfono celular, parece realmente lejana.
Hablamos del año en el que terminó la Guerra Fría y comenzó la del Golfo Pérsico. El año que las televisiones se convulsionaron con el ataque policial a Rodney King. Cuando se estrenó El silencio de los inocentes y en el que Nirvana lanzaría el Nevermind. El año en el que el ‘Magic’ Johnson anunció ser portador del VIH y cuando murió Freddy Mercury.
En 1991 dejó de existir oficialmente, la Unión Soviética. Y por si todo esto no fuera lo suficientemente claro, también fue el año en el que Tum Berns Lee creó la primera página de internet en toda la historia.
U2, Achtung Baby y Zoo TV
Este es el contexto en el que Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. saltaron al vacío con Achtung Baby, un disco que llevó al límite la existencia misma de la banda, la cual traía constantes conflictos y desencuentros entre sus integrantes sobre el sonido y dirección musical que habrían de tomar tras el Rattle & Hum.
Se dice que Bono llegó a pensar que la banda no estaba musicalmente al nivel del éxito que significaban, en tanto que Adam Clayton y The Edge se decían aburridos de tocar su música.
Tras peleas, discusiones y sesiones que no llegaron a ningún lado, U2 decidió reinventar sus propias reglas, tratar de borrar todo lo que para ellos pudiera sonar a U2 y viajar a Berlín para encontrarse con nuevas dinámicas que les permitieran limar sus diferencias; algo que quedó plasmado desde los primeros riffs de “Zoo Station” acompañados por las frase, “I’m ready for what’s next”, y por supuesto, con el “Is it getting better, or do you feel the same?” de “One”.
De la mano de Brian Eno y Daniel Lanois, Achtung Baby se convertiría en uno de los discos más importantes de la década, pero sobre todo, se convirtió en un álbum que marcó un antes y un después en la historia de U2, de las giras y las presentaciones en vivo.
Las críticas que tachaban a U2 de ser un grupo plano y un tanto tradicional en el Rattle & Hum, se convirtieron en el punto de partida para que Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. crearan una de las primeras giras conceptuales de las que se tiene registro.
¿Cómo fue el escenario conceptual de esta gira?
El Zooropa o el ZooTv Tour significó un parteaguas en la historia de los conciertos en vivo al incorporar pasarelas, escenarios alternos, espectaculares escenografías que involucraban todo tipo de luces, props como televisores gigantes o coches sobre el escenario.
También había cambios de vestuario y por supuesto, las gigantescas pantallas que no sólo proyectaban lo que ocurría sobre el escenario, sino que se acompañaban por obras visuales creadas para buscar una experiencia completamente inmersiva para los asistentes.
Es decir, toda la parafernalia que hoy en día nos parece de lo más normal en cualquier concierto al que vamos, ¿cierto?
Zoo TV fue una gira adelantada a su tiempo, y tal vez la primera gira conceptual o temática que recorrió el mundo mostrando la debilidad del ser humano ante las pantallas.
En los tiempos en los que la televisión era el equivalente al internet y redes sociales del ahora, el Zoo TV Tour jugaba con la gente, invitando a fanáticos a subir al escenario y grabar con una cámara los movimientos de Bono, mientras que en pequeñas cabinas colocadas en los alrededores, la audiencia podía grabar videos o confesar secretos ante una cámara que posteriormente los proyectaba en las pantallas.
Zoo TV como una gira política y social
Todo esto fomentaba el ruido y la saturación de mensajes que desde entonces, se recibían por todos lados en lo que era una crítica (y tal vez una advertencia) de lo que estaba por venir en cuanto a lo que vivimos hoy con la saturación y sobreexposición en redes sociales.
Zoo TV fue una de las primeras giras en utilizar la sátira y el espectáculo como una forma de crítica social, cultural y hasta política, ayudando a U2 (y sobre todo a Bono) a convertirse en una banda y una figura culturalmente más relevante para todo el mundo.
Pero sobre todo, el Zoo TV demostró que la tecnología podría utilizarse para crear espectáculos visuales impresionantes y envolventes para una audiencia que iba a ver a su banda favorita y también a experimentar toda clase de estímulos audiovisuales.
The Sphere en Las Vegas
Es aquí donde brincamos al 2023 y viajamos a Las Vegas para encontrarnos con esa caprichosa estructura circular llamada La Esfera o The Sphere. Si a mitad de los noventa el Zoo TV Tour reescribió las reglas de las giras y los conciertos, 30 años después, mis ojos atestiguan lo que seguramente será el futuro de la música y entretenimiento en vivo.
Es imposible no sentirse diminuto cuando uno se para afuera de The Sphere, uno de esos lugares que a primera vista, parecen un inmenso capricho o extravagancia que únicamente pueden existir en un lugar como Las Vegas.
Las fotos y videos panorámicos que hemos visto en internet, juegan con nuestras percepción, pues a pesar de ser una esfera de cien metros de alto y 157 de diámetro, The Sphere no es siquiera una de las estructuras más altas de Las Vegas.
Lo que sí es que captura la atención de manera inmediata gracias a las pantallas gigantes que iluminan día y noche su exterior, provocando que todos queramos entrar y conocer lo que ocurre a su interior.
U2 en The Sphere: entre lo imaginario y lo real
Confieso que debo ser una de las muy pocas o contadas personas que en el 2023, no entiende el hate o beef que existe contra Bono y U2. Por el contrario, cada vez que sacan algo nuevo, sea libro, música o gira, trato de apuntarme, comprarlo y experimentarlo. ¿Eso me convierte en un fan de U2? Tal vez, aunque tampoco me consideraría un gran seguidor de la banda.
Sin embargo, tan pronto anunciaron la residencia en The Sphere, no dude en hacer todo lo posible para conseguir boletos. Y tras una espera de ocho meses, me encuentro en la antesala de algo que nunca pude imaginar o dimensionar, ni siquiera con las mejores reseñas o videos que surgieron en internet tras las primeras presentaciones.
La gozada comienza con la presentación de Pauli ‘The PSM’ Lovejoy, un reputado baterista y colaborador de una amplia gama de músicos que van desde Elisa Doolittle o Sampha, hasta Gorillaz, Paul McCartney, Tony Allen y Damon Albarn.
Pero su colaboración en la gira de U2 no es meramente instrumental, sino que también incluye un DJ set a bordo de un Trabant, el icónico coche alemán que acompañó a la banda irlandesa durante las sesiones del Achtung Baby para calentar a la audiencia e ir marcando un punto de partida para lo que sería la noche.
Las dos mentes detrás de los visuales de U2 en The Sphere
Las luces se apagan. Bono, The Edge, Larry Mullen y Bram van den Berg, el baterista holandés que ocupa el lugar de Adam Clayton Jr, durante esta primera parte de la residencia, se asoman sobre el escenario al tiempo en el que suenan los acordes de “Zoo Station”.
Es aquí donde comenzamos a disfrutar del espectacular trabajo de Es Devlin y Barbara Kruger, las dos mentes maestras detrás de los impresionantes visuales que hacen de esta experiencia algo nunca antes visto.
Para quienes no están familiarizados con el trabajo de estas dos mujeres, Barbara Kruger es una de las artistas conceptuales más aclamadas del mundo gracias a su trabajo en fotografía, collage y diseño. Su obra suele combinar imagenes en blanco y negro con frases contundentes, mismas que podemos ver a gran escala durante el concierto. Y por supuesto, ella fue parte del equipo artístico que acompañó a U2 hace 30 años para el desarrollo del Zoo Tv Tour.
Por su parte, Es Devlin es una reconocida escenógrafa y artista británica reconocida por su trabajo en teatro, moda y la creación y desarrollo de escenarios y escenografías para toda clase de eventos.
Básicamente, ha estado a cargo de crear los escenarios de las giras de Beyonce, Kanye West, The Weeknd; el de la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 y de las recientes giras de U2. Así que como verán, es un equipo de ensueño.
Para los conciertos de U2 en The Sphere, Devlin creó un escenario que combinaba tecnología, arte y música. El escenario, una esfera gigante de cientos de metros, está repleto de luces LED que pueden proyectar animaciones de alta definición. Esto permite crear un espectáculo visual impresionante que sumerge a los espectadores en la música.
La inmensidad de un diminuto escenario
Tras las primeras seis o siete canciones en donde U2 nos castiga sin piedad, llega una especie de intermedio en donde la majestuosidad de The Sphere se apaga para dar paso a simplemente a cuatro sujetos sobre un diminuto escenario haciendo lo que mejor saben hacer.
Sin embargo, hasta este momento sigo debatiendo en si es algo intencional o simplemente una limitante humana, pues a pesar de tener a U2 cantando sobre un escenario pequeño, buscando generar una sensación de “intimidad”, el resultado termina siendo un tanto plano.
Y es aquí donde no descarto que se trate justamente de un movimiento intencional para contrastar la sobreestimulación de las pantallas gigantes, visuales y el sonido con el que arrancó el concierto y con lo que -en teoría- debería de importarnos en realidad, que es la música y la sustancia.
¿Es una nueva crítica o señalamiento de U2 hacia lo que estamos viviendo actualmente como sociedad?, ¿es simplemente una consecuencia de buscar intimidad en un escenario que fue creado para la extravagancia?, ¿o es el simple contraste de sentirnos diminutos ante la monstruosidad de estimulaciones que recibimos diariamente?
El cierre del concierto vuelve a ser impresionante. Un timelapse del día y la noche en el desierto, de la construcción y destrucción de Las Vegas, son la antesala de uno de los momentos más bellos y subvaluados de este espectáculo: me refiero a los visuales que acompañan “With or Without U”, desarrollados puntualmente por Es Devlin y donde los 360 grados de pantallas de The Sphere se tapizan de peces, aves, serpientes, e insectos y más de cuatro mil animales y especies.
Esto es algo que a primera vista no parece estar muy relacionado con la temática de la canción, pero que en realidad es un homenaje a Las Vegas, a Nevada y a la naturaleza misma, pues se trata de una secuencia dedicada a mostrar y visualizar todas las especies en peligro de extinción del desierto.
Y sí, puede sonar contradictorio el visualizar las especies en peligro de extinción en un lugar que requiere de tanta energía para mantener todas sus pantallas de manera permanente. Pero aquí cabe decir que la energía de The Sphere proviene de paneles solares y energía eólica.
Al salir del concierto, es imposible no pensar en una mejor manera de celebrar los 30 años de un disco que cambió el futuro de las giras sin sentir que The Sphere y U2 lo han vuelto a hacer.
Y tal vez, en unos cuantos años, este sea el nuevo estándar de las nuevas giras y conciertos más importantes del mundo, un estándar realmente inmersivo al que probablemente podamos asistir sin la necesidad de viajar gracias a los visores de realidad aumentada o visual.
Una gira en la que es imposible distinguir la fantasía de lo real (y AQUÍ les dejamos más imágenes y videos).
¿Cómo funciona la tecnología de The Sphere?
Los paneles de LED que iluminan The Sphere en Las Vegas, son una tecnología avanzada que permite crear imágenes de alta definición y un espectáculo visual impresionante. Se trata de paneles llamados MicroTiles que se pueden organizar en cualquier forma o tamaño.
Los paneles de LED de The Sphere tienen una resolución de 16K, lo que significa que cada píxel tiene una resolución de 4096 x 2160 píxeles; o en términos más prácticos, esto es CUATRO veces más resolución que un televisor 4K.
Y como hemos visto, tienen el potencial de revolucionar todo tipo de conciertos y espectáculos en vivo, ya sea desde las imágenes 3D hasta las animaciones completamente inmersivas como las que utiliza U2 para lograr que los asistentes nos encontremos en un universo paralelo.
En medio de todo, no se logra distinguir lo que realmente está ocurriendo y lo que simplemente es una ilusión óptica.
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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Llega el fin de semana y a partir de este viernes 15 de mayo habrá diferentes eventos para el entretenimiento de los tapatíos, desde conciertos, obras de teatro hasta espectáculos circenses. Conoce cuáles son los eventos que se realizarán en los recintos más importantes de la ciudad en la selección de Buena Vida Life & Style y elige el mejor para tu diversión y el de tu familia.
J. Balvin
El cantante colombiano regresa a los escenarios para cantar en vivo y en su gira por México visita Guadalajara para dar un concierto, en el que se escucharán sus recientes canciones así como sus temas más famosos. Disfruta de una noche de gran energía, éxitos y reguetón puro.
Arena VFG.
17 de mayo, 20:00 hrs.
De $ a $2,084.
Fobia
Una de las bandas más representativa del rock alternativo mexicano regresa a la escena musical para ofrecer un concierto en las principales ciudades del país. Celebra la hermandad musical que ha definido generaciones y disfruta de una noche de éxitos, que revivirán una época.
Auditorio Telmex.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $450 a $1,800.
Álex Ubago
El cantautor español celebra 25 años de trayectoria con su gira ¿Qué pides tú? Y visita la Perla Tapatía para dar un concierto y consentir a sus fans con las canciones más famosas de su carrera así como los temas más recientes. Disfruta de una noche de pop romántico en una velada íntima, acompañada de nostalgia y emoción.
Teatro Diana.
16 de mayo, 21:00 hrs.
De $600 a $2,200.
Edith Márquez
La cantante pisa por primera vez el escenario de la Arena Guadalajara para ofrecer el concierto, en el que celebra a las mamás con su inigualable voz. Dentro de su gira Eterna e inolvidable, promociona su reciente producción homónima que hace un homenaje a Rocío Dúrcal, además de interpretar sus emblemáticos éxitos, acompañada por mariachi y orquesta.
Arena Guadalajara.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $440 a $3,514.
Titizé, a venetian dream
La compañía Finzi Pasca presenta este espectáculo de circo, danza y teatro, bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca. Inspirado en el lenguaje de los sueños, propone un universo poético y surreal. A través del clown, la acrobacia, el movimiento y máquinas escénicas, se construye un montaje que mezcla tradición e innovación. Goza de un viaje sensorial lleno de asombro y emoción.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
21 y 22 de mayo, 20:30 hrs. 23 de mayo, 13:00 y 19:30 hrs. 24 de mayo, 12:30 y 17:00 hrs.
De $650 a $1,300.
Grupo Frontera
Dentro de su gira internacional Triste pero bien c*brón tour, la agrupación de música mexicana regional se presentará en la ciudad para brindar un concierto, en el que promociona su tercer álbum de estudio “Lo que me falta por llorar” conformado por 12 temas. Disfruta de una noche de sonido norteño-cumbia de una de las agrupaciones más influyentes del género.
Arena Guadalajara.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $753 a $4,685.
Remmy Valenzuela
En el marco de su gira Desde el rancho Tour 2026, el cantante sinaloense brindará una noche de concierto, llena de música de acordeón, sentimiento y corazón norteño. Goza de una velada de música en vivo, donde la esencia de historias de amor, desamor, orgullo y vida ranchera revestirán la atmósfera del recinto.
Auditorio Telmex.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $400 a $2,650. $3,800 VIP.
Leyendas del Mariachi
Es una gala musical que rinde homenaje a la grandeza del mariachi y la riqueza cultural nacional, en la que participarán agrupaciones como el Mariachi Estrella de México, Mariachi Femenil Estrella de México y Leyendas del Mariachi. Disfruta de una noche llena de tradición con la música mexicana que enaltece las raíces y el orgullo de ser mexicano.
Palcco.
15 de mayo, 20:30 hrs.
De $800 a $1,600.
Borrachas, pero buenas muchachas
“La dama de la comedia” Cessy Casanova y “La Chupitos” Liliana Arriaga ofrecerán este espectáculo, en el que te harán reír con su incomparable humor, cada una con un estilo diferente, pero la misma intención de hacer reír con este increíble show. Diviértete con una noche repleta de risas y buen humor.
Teatro Galerías.
16 de mayo, 21:00 hrs.
$450, $550, $650 y $750.
Otros Eventos
Esquizofrenia
Teatro Galerías. 15 de mayo, 20:30 hrs. $400, $550 y $650.
Chesdana
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 15 de mayo, 21:00 hrs. $350.
Dos pianos y un alma
Palcco. 16 de mayo, 17:00 hrs. $350.
Johnn Williams Sinfónico
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 20:00 hrs. De $400 a $1,000.
OHIR Programa 5: Ciclo de piano-tripe concierto de Beethoven
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 19:30 hrs. De $150 a $230.
Un cardumen en el cielo y una parvada en el mar
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17, 24 y 31 de mayo, 11:00 hrs. $350 bebé + acompañante. $200 acompañante extra.
31 Minutos-Tributo Oficial
Teatro Galerías. 17 de mayo, 13:30 y 16:30 hrs. $300, $350, $400 y $450.
Marc Martel: One Vision of Queen
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17 de mayo, 18:00 hrs. De $700 a $2,000.
Leyendas Gruperas: Los Yonic’s, Los Freddys y Los Muecas
Auditorio Telmex. 17 de mayo, 19:00 hrs. De $400 a $1,600. $2,400 VIP.
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