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¿Cómo es que El gato con botas «le ganó» a Avatar y llegó hasta el Óscar 2023?

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Puss in Boots

Dos inesperados contrincantes fílmicos tuvieron un mano a mano, en diciembre del año pasado, al enfrentarse en salas de cine. Se trata de El gato con botas: El último deseo y Avatar: The Way of Water. Aunque pudiera parecer extraño compararlas, las fechas de estreno tan cercanas hicieron inevitable que esto ocurriera. Al día de hoy, Puss in Boots cuenta con 96% de aprobación en Rotten Tomatoes por parte de la crítica, mientras que Avatar cuenta con un 77%. Eso sorprendió a muchos, entonces, ¿cómo es que El gato con botas, la cinta animada de DreamWorks, «le ganó» a la secuela de Avatar, de James Cameron?

Cabe aclarar que Rotten Tomatoes no es el parámetro supremo para decidir que una película es mejor que otra, y en este caso, incluso hay disparidad en el número de críticos que evaluaron las películas en el sitio. Sin embargo, la diferencia entre porcentajes sí que llamó la atención de varios usuarios en redes sociales. De hecho, no sería raro que ya hayas visto videos en Tiktok sobre esta lucha inesperada.

Habiendo dicho eso, estas son algunas de las razones por las que El gato con botas: El último deseo –que ya cuenta con una nominación al Óscar 2023– conectó muy bien con la audiencia y la crítica.

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El “estilo Spider-Verse”

Desde el tráiler quedó muy claro que la animación que veríamos en la película no sería la misma que habíamos visto en la entrega pasada o, incluso, en Shrek. En cambio, esta nueva entrega se acerca mucho más al estilo de la ganadora del Óscar Spider-Man: Un nuevo universo.

En una entrevista reciente con Cruz Antonio Contreras, uno de los animadores mexicano que trabajaron en Spider-Verse y en otras producciones como Monstruo del Mar, él mencionaba el impacto que la película del arácnido ha tenido en la industria:

“Siento que hay un antes y un después de Spider-Verse. Hace poco estaba leyendo un artículo en el que se decía que, antes, las películas animadas buscaban tener el ‘Pixar look’. Es decir, todas buscaban verse como Pixar. Pero que a partir de Spider-Verse, las películas nuevas están buscando tener el ‘Spider-Verse look’. Y ya vemos películas como La familia Mitchell vs. las máquinas, o incluso producciones de Pixar, como [Turning] Red, donde a los personajes les cambian los ojitos a tipo anime”.

No es de extrañarse que esté ocurriendo este fenómeno en la industria de la animación. Spider-Verse fue recibida de la mejor manera posible por la crítica y la audiencia: 97% y 93% en Rotten Tomatoes, 87/100 en Metacritic, A+ en CinemaScore. Además, arrasó con todas las premiaciones: los Annie, los Golden Globes, los BAFTA, los Óscar.

La secuela de El gato con botas tiene una clara influencia de este estilo «Spider-Verse«. El resultado es una cinta energética con secuencias de acción emocionantes y muy bien logradas. Un espectáculo visual que juega con las convenciones de la animación y que nos recuerda el universo de posibilidades que esta presenta.

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Ataques de pánico y mortalidad en El gato con botas

Aunque aún hay quienes creen que la animación es un “género” para niños que los padres se ven obligados a soportar, afortunadamente la perspectiva está cambiando. La animación está ganando respeto como un lenguaje por medio del cual se pueden contar historias de todo tipo, incluso aquellas que tocan temas más adultos.

El gato con botas parece entender esto bien. Hay comedia y acción. También hay una importante línea argumental en la que el Gato enfrenta su miedo a la mortalidad (representada físicamente por un lobo con un gran diseño de personaje). El miedo que Gato sufre se manifiesta en ansiedad y llega a su clímax en un ataque de pánico que sufre el protagonista.

La secuencia toca esta faceta de la salud mental de una manera respetuosa y conmovedora. En tiempos como el nuestro, en el que obras como Ted Lasso, Bojack Horseman o Euphoria ponen un reflector sobre temas que antes eran ignorados e incluso tabú, es claro que la audiencia joven y adulta conecta con historias que se atreven a hablar sobre temas complicados pero reales.

Antonio Banderas es nuestro héroe favorito

La película tiene, también, el respaldo de un elenco de primera categoría dando voz a los personajes: Antonio Banderas, Salma Hayek, Florence Pugh, Harvey Guillen, entre otros.

El caso de Antonio Banderas es particular. El actor le ha dado voz al personaje titular desde su primera aparición en Shrek 2. Con un portafolio diverso y exitoso bajo el brazo, Banderas le da una personalidad carismática a Gato.

Además, el hecho de que no sólo haga la voz en inglés, sino los doblajes en italiano y en español, le brinda a la película la oportunidad de transmitir sus mensajes con coherencia y una personalidad distinguible.

Puss in Boots

Cameos y sorpresas

En El gato con botas también se ofrece un pequeño regalo para los amantes de la franquicia de la que surgió. Vemos un pequeño clip de Gato disfrutando en compañía de Shrek y Burro.

Otro punto relacionado es que, aunque no se hayan tenido muchas noticias sobre una nueva entrega de Shrek en años, El gato con botas ciertamente deja abierta la posibilidad de que la historia de Gato se cruce con la de sus viejos amigos.

La secuencia en cuestión es breve, pero lo suficientemente efectiva para despertar emoción por las posibilidades de ver a personajes tan queridos en el panorama actual de la animación y de las películas en general.  

La sigilosidad de Puss in Boots

Un último punto que podría ayudar a entender cómo es que El gato con botas le ganó a Avatar tiene que ver con lo inesperado de la película. La original se estrenó hace más de 10 años y cerró el arco del personaje principal de un modo satisfactorio en aquel entonces.

No había nada de expectativas alrededor de la película, como sí las había para Avatar, para la cual hubo un periodo de producción de 13 años. Y, de acuerdo, con el movimiento que ha generado El gato con botas, la película resultó una grata sorpresa.

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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