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Ya no son unos chavos: Así han cambiado los miembros de Arctic Monkeys con el paso del tiempo
La primera década de los 2000 fue increíble para el rock, pues surgieron bandas grandiosas alrededor del mundo. Sin embargo, en el Reino Unido y directamente de la ciudad de Sheffield aparecieron cuatro jóvenes que sin pensarlo, se convertirían en una de las agrupaciones más importantes de los últimos tiempos. Sí, por supuesto que hablamos de los Arctic Monkeys, quienes llegaron para armar toda una revolución dentro de la industria musical y convertirse en la voz de su generación.
Después de varios años haciéndose de un nombre en la escena independiente británica y convertirse en una de las primeras bandas en “impulsar” su carrera gracias al internet y a plataformas como MySpace, en 2006 sacudieron al planeta con su disco debut, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not. Tan solo un año después se consolidaron con su segundo álbum, Favourite Worst Nightmare pero vaya que dejaron a muchos con el ojo cuadrado cuando salió a la luz su tercer material discográfico, Humbug, pues en él adoptaron un sonido totalmente diferente al que los caracterizaba, dividiendo a los fans que los siguieron desde sus inicios.
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Los Arctic Monkeys han cambiado (físicamente) y mucho con el paso de los años
Más tarde vendría Suck It And See, en donde una vez más, los Arctic Monkeys demostraron que la evolución es una constante para ellos. Sin embargo, para 2013 llegaría el disco quizá más exitoso –a nivel comercial de los de Sheffield–, el AM, con el cual se convirtieron en una de las bandas más grandes de todo el planeta. Pero como ya lo mencionábamos antes, ellos no se quedan estancados y en 2018 estrenaron Tranquility Base Hotel & Casino que de nuevo, causó polémica entre sus seguidores de hueso colorado.
En 2022, la agrupación regresó con The Car, un disco en el que vuelven a experimentar con su sonido y que sin duda, nos emociona porque gracias a este álbum los tendremos de vuelta en México. Sin embargo, los cambios no solo los hemos escuchado a nivel musical, pues es evidente que Alex Turner, Matt Helders, Nick O’Malley y Jamie Cook no son los mismos chavitos que tocaban “I Bet You Look Good on the Dancefloor”. Es por eso que acá repasaremos cómo han evolucionado –físicamente– cada uno de los integrantes con el paso del tiempo.
Matt Helders
Empecemos con Matt Helders, quien sin duda fue una de las piezas fundamentales para que los Arctic Monkeys se convirtieran en la banda que son en la actualidad. Y cómo no, si su creatividad, versatilidad, precisión y potencia con la bataca lo convirtieron en uno de los mejores exponentes del instrumento dentro del rock. Ahora sí que el apodo de “agile beast” le queda a la perfección, porque eso es, una bestia cuando se sienta detrás del bombo.
Sin embargo, más allá de su trabajo con los AM, Matt también ha tocado la bataca para otros artistas y proyectos como Iggy Pop, Lady Gaga, The Last Shadow Puppets, Toddla T y Mongrel (la banda de Andy Nicholson, exbajista de la agrupación). Por si esto no fuera suficiente, Helders ha producido a bandas como Good Cop Bad Cop y quizá no lo sabían, pero también es fan de la música electrónica. Es más, lanzó un álbum de mezclas en 2008 y ha armado remixes para artistas como The Hives, Roots Manuva, Duran Duran, Paul Weller y más.
Jamie Cook
Ahora vamos con Jamie Cook, un miembro infravalorado que quizá no se roba los reflectores, pero es muy importante para entender el camino que siguieron los Arctic Monkeys. Sobre todo en los últimos años, pues ayudó a Alex Turner a desarrollar Tranquility Base Hotel & Casino y supuestamente volvió a la banda en lo que es hoy en día
Jamie es un guitarrista bastante rifado, no es el más carismático pero es efectivo y tiene la capacidad de crear riffs icónicos, los cuales combina con un montón de efectos para darles ese toque especial. A diferencia de sus compañeros, Cook prácticamente solo se dedica a componer y tocar con la agrupación de Sheffield, pues la mayoría de su tiempo lo ocupa para su familia, ya que en 2014 se casó con la modelo Katie Downes y juntos tienen dos hijos: Forrest y Bonnie.
Nick O’Malley
En los inicios de los Arctic Monkeys, Andy Nicholson era el encargado de tocar el bajo. Pero en 2006, Nick O’Malley (quien era bajista de la banda The Dodgems) entró para reemplazarlo (pues Andy se estaba recuperando de la gira que armaron por gran parte de Europa) y a pesar de que pensó que solamente tomaría su lugar durante el tour que se aventaron en Norteamérica, al final, luego de rifarse y tener una gran química con los demás, se quedó como miembro permanente de la banda. Una decisión bastante complicada pero entendible.
Y es que basta con escuchar rolas como “Crying Lightning”, “Do Me A Favour”, “The Hellcat Spangled Shalalala”, “Why’d You Only Call Me When You’re High?” y más para entender por qué se quedaron con Nick, pues sus líneas son una joya y sabe cuándo es el momento perfecto para sobresalir o simplemente tocar para cumplir con las necesidades de la canción. Al igual que Jamie Cook, O’Malley no tiene otros proyectos musicales, pero también está casado y tiene una hija llamada Hearst.
Alex Turner
Por último pero no menos importante, tenemos al frontman de los Arctic Monkeys y obviamente el miembro más famoso de la banda, por supuesto que hablamos de Alex Turner. A diferencia de muchos vocalistas de su generación, en sus inicios no era muy carismático que digamos, pero con el paso de los años agarró confianza y prácticamente se convirtió en un showman sobre el escenario. Aunque también creció a pasos agigantados como músico y compositor, creando rolas simplemente espectaculares que han marcado a millones de personas.
Quizá es el integrante de los AM que ha hecho más cosas fuera de la banda, pues como recordarán junto a su amigo Miles Kane, formó The Last Shadow Puppets. Pero eso no es todo, ya que como solista compuso el increíble soundtrack de la película Submarine y también ha colaborado con artistas como el propio Miles en su proyecto en solitario, Queens of the Stone Age, Reverend and the Makers, Dizzee Rascal, Mini Mansions y Alexandra Savior.
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Rosalía se ha erigido como la gran triunfadora de la tercera edición de los Premios de la Academia de la Música de España, que ha concedido estos 45 galardones en una gala celebrada este martes en el Palacio Municipal de IFEMA de Madrid.
La celebración de estos premios se enmarca en una era dorada para la música hispanohablante a nivel mundial. Este fenómeno ha sido impulsado casi en su totalidad por el streaming, que hoy representa más del 87% de los ingresos en estos mercados.
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La capacidad de artistas como Rosalía, Guitarrica de la fuente o Lia Kali para fusionar géneros tradicionales con sonidos urbanos y electrónicos ha sido clave para exportar la cultura musical española a una audiencia global cada vez más receptiva.
La masiva participación de los más de 800 miembros con derecho a voto en esta edición de 2026 reafirma la legitimidad y el prestigio que la institución ha logrado construir en un tiempo récord.
Lista Completa de los ganadores del evento:
- ARTISTA DEL AÑO: Rosalía
- ÁLBUM DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
- CANCIÓN DEL AÑO: ‘La Perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
- MEJOR NUEVO ARTISTA: Sanguijuelas del Guadiana
- PRODUCTOR/A DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
- MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM O CANCIÓN: Carles Campi Campón, por ‘El cuerpo después de todo’ de Valeria Castro
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Spanish Leather’, de Guitarricadelafuente
- MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA: ‘Babieca’, de Guitarricadelafuente
- COMPOSITOR DEL AÑO: ‘La Perla’, de Rosalía
- MEJOR VÍDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA: ‘Flores para Antonio’, de Elena Molina e Isaki Lacuesta
- MEJOR VIDEOCLIP MUSICAL: ‘Berghain’, de Rosalía
- MEJOR GIRA: ‘Tour Gigante’, de Leiva
- MEJOR EVENTO DEL AÑO (FESTIVAL, CICLO, GALA, CONCIERTO SOLIDARIO ETC): Inverfest 2025
- MEJOR ÁLBUM POP: ‘Lux’, de Rosalía
- MEJOR ÁLBUM POP TRADICIONAL: ‘Me lo voy a permitir’, de Luz Casal
- MEJOR ÁLBUM POP/ROCK: ‘Dolce Vita’, de Amaral
- MEJOR CANCIÓN DE POP_ROCK: ‘Caía libre’, de Leiva & Robe
- MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘El monte de los aullidos’, de Fito & Fitipaldis
- MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Esa ansiedad’, de Ilegales
- MEJOR CANCIÓN POP: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
- MEJOR CANCIÓN URBANA: ‘Chulx’, de Lia Kali & Eladio Carrión
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA: ‘Kaelis’ de Lia Kali
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘Déjate caer’, de Delaporte
- MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘PAEQB (Ale Acosta Remix)’, de Baiuca y Ale Acosta
- MEJOR CANCIÓN DE RAP/HIP HOP: ‘En la cuerda floja’, de Lia Kali & Toni Anzis
- MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO: ‘Manifiesto’, de María Terremoto
- MEJOR TEMA DE FLAMENCO: ‘Miraíta – Rumba, Libertad’, de María Terremoto
- MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA: ‘Mala de verdad’, de La Plazuela
- MEJOR ÁLBUM FOLCLÓRICO: ‘Amoríos. La verdad de mi coplilla’, de La Tania
- MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR/A: ‘Sílvia & Salvador’, de Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral
- MEJOR CANCIÓN CANTAUTOR/A: ‘Efímera’, de Rozalén
- MEJOR ÁLBUM BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘BSO Furia’, de Aitor Etxebarria
- MEJOR CANCIÓN/TEMA BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘Hasta que me quede sin voz’, de Leiva
- MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA: ‘Trío Celebration’, de Albert Guinovart
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA: ‘Paganini: 24 Caprices’, de María Dueñas
- MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL: ‘Suite flamenca’, de Diego Amador
- MEJOR ÁLBUM DE JAZZ: ‘Leo & Leo’, de Leonor Watling & Leo Sidran
- MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICA INFANTIL: ‘Me resbala’, de Pez Al Revés
- MEJOR CANCIÓN EN CATALÁ/VALENCIÀ/ MALLORQUÍ: ‘Ben poca cosa tens’, de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz
- MEJOR CANCIÓN EN EUSKERA: ‘Xorieri’, de Baiuca & Izaro
- MEJOR CANCIÓN EN GALEGO/ASTURIANU: ‘As que nunca cantaron’, de Tanxugueiras
- MEJOR DISEÑO DE ÁLBUM: ‘Gigante’, de Leiva, por el trabajo de Boa Mistura
- MEJOR ARREGLO: ‘Suite Flamenca’, de Diego Amador
- MEJOR SALA DE CONCIERTOS: Café Central de Madrid
- PREMIO DE HONOR: Joan Manuel Serrat.
Los “Grammys españoles”
La tercera edición de los Premios de la Academia de la Música de España marca la consolidación definitiva de unos galardones que nacieron en 2024 con la ambición de convertirse en los “Grammys españoles”. Creados por la Academia de la Música de España (ACAMUS) para llenar el vacío dejado por los extintos Premios Amigo y Premios de la Música, estos reconocimientos destacan por abarcar más de 40 categorías que premian no solo a los intérpretes, sino a todos los eslabones de la industria, desde ingenieros de sonido hasta diseñadores de empaque.
LEE | Miles Davis: cien años del nacimiento del músico que redefinió el jazz; EU lo festeja a lo grande
Un aspecto fundamental que refleja el palmarés de este año es la creciente sinergia cultural entre España y América Latina. El premio a Canción del Año para ‘La Perla’, una colaboración entre Rosalía y la agrupación de música regional mexicana Yahritza y su Esencia, ilustra cómo las fronteras de los géneros tradicionales se están desdibujando.
Esta tendencia de colaboraciones transatlánticas no solo enriquece el panorama sonoro al mezclar el pop y el flamenco con los corridos o el sierreño, sino que también responde a una estrategia de mercado que une a las bases de fans de ambos continentes.
TG
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Miles Davis: cien años del nacimiento del músico que redefinió el jazz; EU lo festeja a lo grande
Estados Unidos conmemora desde este martes el centenario del nacimiento de Miles Davis (1926-1991) con conciertos y retrospectivas en Nueva York, Los Ángeles o Chicago para recordar al trompetista que revolucionó el jazz y expandió sus límites a lo largo de cuatro décadas de carrera.
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La programación musical se extenderá durante semanas
En la Gran Manzana, el arquitecto del jazz moderno protagoniza una programación especial que se extenderá durante varias semanas, con ciclos dedicados a su figura en salas históricas como el Blue Note, el Village Vanguard, el Teatro Apollo o el Lincoln Center.
Más allá del mero homenaje retrospectivo, los programas combinan interpretaciones de sus piezas más emblemáticas con composiciones inspiradas en su universo sonoro, así como sesiones educativas, películas y encuentros con artistas que conectarán su obra con la evolución del jazz en el siglo XXI.
El Lincoln Center ha organizado mesas redondas con músicos, productores e historiadores que analizarán el impacto de álbumes como ‘Kind of Blue’ (1959), considerado uno de los discos más influyentes del siglo XX, o ‘Bitches Brew’ (1970), que marcó un giro hacia la fusión del jazz con el rock y la música experimental.
Mientras, el espacio The Apollo Stages at The Victoria, vinculado al icónico teatro, acogerá el día 29 una proyección especial y un coloquio moderado por el saxofonista Antonio Hart, con la participación del baterista Vince Wilburn Jr., sobrino del músico, y la académica Monica L. Miller para abordar su influencia en el desarrollo del género y su impacto en el hip hop y el soul.
De Chicago al bebop neoyorquino
Y en Chicago, uno de los primeros grandes epicentros del jazz fuera de Nueva Orleans y ciudad clave en la formación de Davis, que se crió en el estado de Illinois, ha organizado conciertos en Millennium Park para este verano, así como actividades educativas en el Chicago Jazz Institute. La ciudad evocará el paso de Davis por la escena local, donde entró en contacto con músicos del Medio Oeste que moldearon su estilo antes de mudarse a Nueva York en 1944 para sumarse a la efervescente escena del bebop.
Allí, Davis entró en contacto con figuras clave como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Max Roach, con quienes dio forma a esa nueva gramática del jazz que impulsaría su proyección internacional.
Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: A Century of Cool’
En la costa oeste, la Musichead Gallery de Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: ‘A Century of Cool’, con instantáneas inéditas de grandes fotógrafos del jazz, mientras que el Grammy Museum presentará otra exposición con trompetas, partituras originales y material de sesiones de grabación junto a músicos como John Coltrane o Herbie Hancock, colaboradores clave durante su carrera.
Reediciones y lanzamientos inéditos
Reediciones y lanzamientos inéditos del trompetista
En la efeméride de su nacimiento no podían faltar reediciones y lanzamientos inéditos como los que ofrecerá el sello Columbia Records, que ha confirmado ya la publicación de grabaciones en directo nunca antes editadas de sus giras de los años 60 y 70. Las principales plataformas de ‘streaming’ también han puesto el foco en su catálogo, con ediciones remasterizadas de algunos de sus discos más emblemáticos -‘Kind of Blue’ continúa siendo uno de los álbumes más escuchados de jazz en Spotify- y la recuperación de grabaciones que abarcan desde su etapa en los sellos Prestige y Columbia hasta sus últimos trabajos.
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Muchas de estas reediciones vienen de la mano de Legacy Recordings, que ha restaurado directos para publicar cajas completas que incluyen cuadernos de notas, fotografías y otros documentos de época, con la idea de que el oyente reconstruya el proceso creativo de las sesiones.
Criticado por los más puristas del jazz, pero venerado por crítica y público, su actitud desafiante, sus reinvenciones, su estética inconfundible —gafas oscuras, trajes impecables y presencia minimalista— y su sonido introspectivo, alejado del virtuosismo de la época, lo convirtieron en un referente del género.
Davis, que creció en un entorno marcado por la segregación racial, trascendió además el ámbito musical para convertirse en un símbolo de la cultura afroamericana y una figura admirada por desafiar las normas sociales de su tiempo.
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Sonny Rollins, mundialmente conocido y aclamado como el “Coloso del Saxofón”, falleció este lunes a los 95 años de edad, marcando el fin definitivo de una era dorada para el jazz a nivel internacional y dejando un legado musical que perdurará por siempre en la historia.
La triste y sorpresiva noticia fue confirmada a través de las redes sociales oficiales del artista y respaldada por su representante, Terri Hinte, detallando que el lamentable deceso ocurrió en la tranquilidad de su residencia ubicada en Woodstock, Nueva York, rodeado del cariño de sus seguidores a la distancia.
Cabe resaltar que los comunicados oficiales emitidos hasta el momento no han especificado una causa de muerte exacta ni han revelado detalles médicos adicionales sobre sus últimos momentos.
Sin embargo, fuentes cercanas al entorno del músico y diversos reportes de prensa indican que el legendario artista se encontraba retirado de los escenarios desde el año 2014, lidiando con severas complicaciones respiratorias y diversos problemas físicos propios de su avanzada edad.
El último adiós a una leyenda en Nueva York y su visión espiritual
“Con gran pesar y profundo cariño anunciamos el fallecimiento de Sonny Rollins”, rezaba la emotiva publicación oficial que rápidamente conmocionó a toda la industria musical, generando una ola de tributos por parte de los más grandes amantes del saxofón alrededor del mundo entero.
La página web del aclamado músico también aprovechó la ocasión para compartir una profunda reflexión que él mismo había expresado en vida durante una entrevista: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente etapa de forma trascendental”.
Rollins siempre mantuvo una visión sumamente trascendental sobre el ciclo de la vida y la muerte, afirmando con convicción que “esta vida no lo es todo”, una filosofía muy particular que logró impregnar en cada una de sus magistrales improvisaciones musicales sobre los escenarios.
Un legado imborrable junto a Miles Davis y otras figuras históricas
Nacido el 7 de septiembre de 1930 en el vibrante barrio de Harlem, Rollins creció rodeado de la efervescencia musical de sitios emblemáticos como el Teatro Apollo y el Savoy Ballroom, un entorno privilegiado que forjó su inigualable talento desde una edad muy temprana.
Durante las prolíficas décadas de 1950 y 1960, el virtuoso saxofonista trabajó codo a codo con gigantes indiscutibles de la talla de Miles Davis, Thelonious Monk y Clifford Brown, consolidando un estilo único y revolucionando el género del jazz por completo para las futuras generaciones.
Su estilo inconfundible, caracterizado por una creatividad melódica sin precedentes, una improvisación magistral y una constante experimentación sonora, lo llevó a ganar múltiples galardones de prestigio internacional, incluyendo codiciados premios Grammy que reconocieron su invaluable aportación a la cultura musical contemporánea.
Datos clave sobre la vida y obra de Sonny Rollins
Para entender la verdadera magnitud de su pérdida, destacan estos puntos clave en su carrera:
- Innovación constante con álbumes históricos como “Way Out West”.
- Retiros estratégicos para perfeccionar su técnica y explorar filosofías orientales.
- Múltiples reconocimientos, como la Medalla Nacional de las Artes y premios Grammy.
Su regreso triunfal a la música en los años 70, fuertemente impulsado por el apoyo incondicional de su esposa Lucille, demostró que su capacidad para reinventarse era verdaderamente inagotable, dando paso a una prolífica etapa de grabaciones de estudio y exitosas giras mundiales.
Hoy, el mundo entero despide con honores no solo a un músico excepcional y disciplinado, sino a un verdadero coloso que, a través de la magia de su inigualable talento, logró que la música tocara las fibras más profundas del alma humana para siempre.
CT
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