Musica
9 momentos clave en la carrera de Taylor Hawkins
Taylor Hawkins falleció el 25 de marzo del 2022 dejando detrás un recuerdo enorme no solo para los fans de Foo Fighters, sino para la escena del rock mundial. Un sonrisa contagiosa, una energía además de un talento incomparables y un carisma como pocos… por esto y más, el baterista es una leyenda total.
Los que hayan tenido la suerte de ir a algún concierto de los FF sabrán de lo que hablamos; ese legado presente en cada rola y en esa figura irremplazable que durante sus últimos años, lo vio incluso demostrando sus dotes como breve frontman en diversos shows de la banda. Un artista con presencia, es justo decirlo.
El próximo 3 de septiembre, Dave Grohl y los miembros restantes de Foo Fighters tocarán en el Estadio de Wembley de Londres junto a varios invitados en un concierto de homenaje a Taylor Hawkins (AQUÍ les decimos cómo verlo). Y rumbo al show, por acá armamos una semblanza con 10 momentos clave sobre la carrera del baterista para recordar por qué es un grande del rock y de la música.
Descubriendo su vocación como músico
Para nadie es un secreto el amor que Taylor Hawkins profesaba por Queen. Y en ese sentido, es justo decir que la legendaria banda comandada por Freddie Mercury fue la que convenció al baterista de origen texano (luego radicado en California) de que quería dedicarse a la música.
En un genial artículo que el propio Hawkins escribió para Louder, él mencionó que uno de sus primeros recuerdos musicales de la vida fue cantar la parte de la ópera de “Bohemian Rhapsody” junto con su hermana cuando sonaba en la radio. Y ahí no termina la cosa.
“Queen fue la primera banda que vi en vivo. Fue en Irvine Meadows en California en 1982 [durante la gira Hot Space ]. Fue tan inspirador que fui a casa y le dije a mi mamá que algún día tocaría en ese lugar. Realmente nunca creí esa mierd@, pero sucedió”, escribió el baterista. “Quería ser Roger Taylor y quería estar en Queen”, confesó en un una entrevista para 60 Minutes.
También en diversas declaraciones, dejó en claro que no solo Roger era una de sus máximas influencias ‘baterísticas’. Phil Collins de Genesis, Stewart Copeland de The Police y Neil Peart de Rush son otros de los bateristas que alguna vez citó como inspiración para desarrollar su estilo de tocar.
Los primeros proyectos musicales para los que tocó
Antes de alcanzar el estrellato con Alanis Morissette y con Foo Fighters, Taylor Hawkins participó en algunas bandas californianas. La más renombrada es Sylvia, en la que participó junto al reconocido Riz Story y Jon Davison. Este grupo, tiempo después se pasó a llamar ANYONE, aunque ya no con Hawkins en sus filas.
Recientemente, Riz y ANYONE liberaron a manera de tributo para Taylor un material titulado The Sylvia Sessions, donde podemos escuchar las primeras grabaciones que el icónico bataco hizo en su carrera. Las puedes escuchar POR ACÁ.
Tras ese proyecto, Taylor Hawkins se unió a inicios de los 90 a la banda de la cantante canadiense de rock, Sass Jordan. Podríamos decir que esta fue su primera incursión importante en la industria y aunque no es su etapa más reconocida, Jordan recordó de manera muy conmovedora a Hawkins en una entrevista del 2020.
“Era amigo de un amigo… Vino y tocó tres canciones a la velocidad de la luz. Pero había algo especial en este chico. Había algo encantador en ese niño en el que decíamos: ‘lo pondremos en forma’. Eso es exactamente lo que sucedió y, como pueden ver, se convirtió en una estrella mucho más grande que cualquiera de nosotros“, platicó Sass a North Coast Music Beat.
Tocando para Alanis Morissette
Luego de Sylvia y Sass Jordan, Taylor Hawkins entró a las grandes ligas de la música tocando como parte de la banda de Alanis Morissette. Los melómanos de antaño lo sabrán mejor que nadie, pero para esos fans de generaciones más recientes, Alanis era la mayor estrella del pop-rock de los 90.
El periodo de Taylor con Morissette se dio de 1995 a 1997 y como se platica en el documental Jagged, para la audición le dieron a Hawkins un casete con tres rolas entre la que venía el clásico “You Oughta Know”. Dijo Taylor que en cuanto escucho ese sencillo, él pensó que esa canción iba a ser un éxito total… y no se equivocó.
“Fue muy divertido. Me uní a la banda de Alanis y salió el sencillo y se volvió jodidamente nuclear. Lo siguiente que sabes es que estoy en un video que está en MTV cada hora. Esa gira fue muy especial y le debo mucha gratitud“, dijo Hawkins en una plática que tuvo en el podcast de Alice Cooper.
Conociendo a Dave Grohl y entrando a los Foo Fighters
Luego de dos años de girar con Alanis Morissette, Taylor Hawkins encontró la oportunidad de unirse nuevamente a una banda de rock puro como siempre lo quiso. Y esa banda, como saben ya, son los Foo Fighters.
Como contó en una entrevista con Entertainment Weekly, Taylor conoció a los Foo a mediados de los 90 cuando andaba de tour con Alanis, esto mientras Grohl y compañía (el baterista William Goldsmith incluido) promocionaban el disco debut de la banda.
Ya en 1997, Foo Fighters grababa el The Colour and The Shape pero Goldsmith se salió del grupo por fricciones con Grohl. Entonces, Taylor se enteró por ahí de eso y se puso en contacto con Dave, diciéndole: “Escuché que no tienen baterista en este momento”. Dave le respondió: “Sí. ¿Tiene alguna buena recomendación?” y Hawkins se propuso.
En la misma entrevista con Entertainment Weekly, Dave Grohl dijo que nunca creyó que Taylor Hawkins se uniría a los Foo pues Alanis Morissette y su banda estaban llenando estadios y siendo un hitazo. Pero al final sucedió y pues el resto es historia. Grohl dijo sobre Taylor en una biografía suya: “Mi hermano de otra madre, mi mejor amigo, un hombre del que recibiría una bala… estoy agradecido de haber encontrado a cada uno otro en esta vida”.
Tocando con los miembros de Queen y Led Zeppelin
Soñar con dedicarse a la música es una cosa… pero tocar con algunos de tus ídolos, es solo el plus que pocos pueden presumir. En el caso de Taylor Hawkins, su amor por bandas clásicas como Queen o Led Zeppelin era inmenso y uno no se puede imaginar la inmensa felicidad que debió ser para él acercarse a sus héroes.
Como dijimos, Dave Grohl y Taylor ya habían hecho la inducción de Queen al Rock & Roll Hall Of Fame en los inicios de los 2000 y desde entonces hubo una gran amistad entre ambos grupos. Luego, Foo Fighters tocó con Brian May una versión de “Have A Cigar” de Pink Floyd para la película de Mission: Impossible 2, en la que Hawkins hizo de vocalista.
Pero con los años, ese vínculo se fortaleció con diversas presentaciones donde los Foo invitaban a Roger Taylor y Brian May, como en el 2011 cuando fueron invitados de lujo en el Apple Music Festival del 2011. O luego, en el 2015, cuando FF trajo al escenario a John Paul Jones de Led Zeppelin y a Roger Taylor en un show en el Milton Keynes Bowl de Londres. Momentos épicos, sin duda.
Un incidente en Londres que lo dejó en coma (e inspiró una rola de Foo Fighters)
En alguna vieja declaración, Taylor Hawkins habló abiertamente de que cuando era joven y primerizo dentro de la industria musical, creía en esa estereotípica idea del “vive rápido, muere joven” que muchos rockeros famosos popularizaron.
Y el punto más duro de aquel arrebato, llegó en 2001 cuando tuvo una sobredosis de heroína en Londres que lo dejó en coma por dos semanas. Aquel momento, dicen, puso a la banda en el predicamento de si debían continuar, esencialmente porque Dave Grohl se cuestionó él mismo tras esa experiencia y la previa que vivió en los 90 con Kurt Cobain y Nirvana.
Sin embargo, Taylor Hawkins salió de esa, marcando un antes y un después en la trayectoria de los Foo. Además, Grohl pasó el tiempo en el hospital acompañando a su amigo esperando a que despertara; en ese lapso compuso una canción llamada “On The Mend” que viene en el disco In Your Honor. Les contamos más sobre esa canción y cómo modificó el vínculo de amistad de Dave y Taylor a continuación.
Su faceta alterna a los Foo
Taylor Hawkins fue, ante todo, uno de los rostros más significativos de los Foo Fighters junto a Dave Grohl. Pero claro que se hizo espacio para trabajar en otros proyectos musicales.
Ahí tenemos por ejemplo Chevy Metal, una bandita que armó junto a un par de viejos amigos para tocar covers de rock de los 70. También tuvo a The Birds Of Satan, que fue un desahogo para su inclinación por el rock de influencia progresiva además de algunos covers. Lanzaron un disco en 2014. También estuvo en NHC con Dave Navarro de Jane’s Addiction.
Y luego, lo vimos en The Coattail Riders con su amigo Chris Chaney también de Jane’s Addiction (quien también fue miembro de la banda de gira de Alanis Morissette). Ese proyecto sí trajo más álbumes de estudio y sin duda, merecía más reconocimiento.
Su breve pero interesante carrera como actor
El carisma de Taylor Hawkins no solo se pudo percibir propiamente en la música, sino también en el cine. Sí, Foo Fighters tiene una que otra rola componiendo soundtracks de diferentes películas, pero el baterista también hizo de las suyas como actor.
Quizá en ese sentido, su interpretación más conocida fue como Iggy Pop en la película CBGB del 2013, donde su caracterización está genial. Chequen la foto de él y la actriz Malin Ackerman como Debbie Harry.
Previo a su fallecimiento, Taylor apareció en Studio 666 protagonizada por todos los miembros de Foo Fighters. Chequen la entrevista que tuvimos con la banda AQUÍ.
Ingresando al Salón de la Fama del Rock & Roll
Foo Fighters oficializaron su estatus como una banda legendaria -ya lo eran antes la verdad- con su inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll en el 2021, con Paul McCartney como uno de los que condujo la ceremonia para los Foo. Y claro, el speech de Taylor Hawkins no podía faltar:
“Primero, me gustaría agradecer a Dave, porque nada de esta mierd@ habría sucedido si no fuera por Dave. Así que gracias por dejarme estar en tu banda… Mi hermosa esposa, Alison, mis hermosos hijos… Los amo mucho. Quiero agradecer a Paul McCartney, eso fue una locura. Quiero agradecer al Salón de la Fama del Rock & Roll por incluirnos. Me gustaría compartir este premio con un par de bandas que también me gustaría ver entrar allí algún día: me gustaría ver a George Michael allí un día. Me gustaría ver Jane’s Addiction allí; realmente me gustaría eso. Me gustaría ver Soundgarden allí… Así que compartiré esto con ustedes, pero cuando lo consigan, tendrán que devolverme su granito de arena. Y gracias a todos”.
Adelántenle al minuto 22:10 para ver el discurso de Hawkins.
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El universo del rock contemporáneo se ha visto conmocionado en este mes de julio de 2026 por el lanzamiento de una pieza musical cargada de simbolismo, lírica profunda y un misticismo que ha capturado la atención de las audiencias globales. La mítica agrupación irlandesa U2 ha vuelto a conmover a sus seguidores a través de una propuesta que entrelaza la música popular con la tradición religiosa milenaria.
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De acuerdo con expertos en religión, “Street of Dreams” no es un tema convencional. La composición destaca por incluir de forma directa un mensaje de fe explícito, arraigado en las escrituras que han acompañado la vida personal de los integrantes de la banda desde su juventud en Dublín.
El tema ha despertado el interés de teólogos, melómanos y críticos de la industria debido a la manera tan natural en que sus estrofas rescatan la poesía bíblica clásica. La pieza musical se erige como un testimonio contemporáneo donde la búsqueda de la paz interior y la justicia social se elevan como los motores conceptuales del proyecto sonoro.
 
El vínculo con las sagradas escrituras: la influencia de los salmos bíblicos
¿Qué relación exacta guarda esta nueva obra de arte con los textos antiguos y cómo se ve reflejada en la interpretación del vocalista? Los expertos musicales y religiosos coinciden en señalar que la estructura conceptual de “Street of Dreams” tiene una estrecha relación con los salmos, los poemas de alabanza y súplica que integran el Antiguo Testamento.
El líder y vocalista de la banda, Bono (cuyo nombre real es Paul David Hewson), ha manifestado abiertamente a lo largo de su carrera su profunda admiración por el rey David, a quien se le atribuye tradicionalmente la autoría de gran parte del cancionero bíblico. Para el cantante, estas antiguas plegarias representan una de las formas de expresión artística más honestas, brutales y transparentes de la historia de la humanidad.
La nueva canción arranca formalmente con una oración que evoca de manera directa el tono de los salmistas, donde conviven la duda humana, la desesperación ante la injusticia y la esperanza inquebrantable en un poder divino superior. Al igual que en las composiciones hebreas de la antigüedad, el tema transita desde la oscuridad de la confusión cotidiana hacia el consuelo de la fe y la redención del espíritu.
 
¿De qué verso hablamos y a qué salmo podría referirse?
Al inicio de la nueva canción de U2 lanzada apenas este 07 de julio del 2026, se pueden escuchar dos frases poderosas:
“God hear me shout,
Lend your ear to my prayer”.
Frases que podrían traducirse como:
“Dios, escucha mi clamor,
presta oído a mi oración”.
Analistas de espiritualidad sostienen que el arranque de esta pieza estaría relacionada directamente con el Salmo 61, que arranca de una forma muy similar:
“¡Dios mío, escucha mi clamor,
atiende a mi plegaria!”
Como ves, hay demasiada coincidencia entre estos inicios, lo que hace que cada vez más personas crean en la profunda conexión que hay entre “Street of Dreams” y el Salmo 61… ¿será?
 
Puntos clave para descifrar el mensaje oculto en la obra de U2
- Escucha el preludio con atención: La oración con la que abre el tema establece la pauta espiritual de toda la melodía, funcionando como un puente directo hacia la introspección personal.
- Explora el trasfondo literario: Si deseas comprender la profundidad de la letra de la canción, se recomienda revisar la estructura literaria de los salmos de lamentación y confianza en la Biblia.
- Analiza el uso de las metáforas: Elementos cotidianos como las calles, la luz y los sueños son utilizados de forma constante por la banda como símbolos del caminar de la comunidad hacia la iluminación.
- Revisa la discografía histórica: No es la primera vez que el grupo acude a la Biblia; temas clásicos como “40” (basado enteramente en el Salmo 40) demuestran que esta línea conceptual ha estado presente por décadas.
- Comparte la experiencia estética: Disfrutar de la canción en un entorno libre de distracciones visuales o auditivas te ayudará a captar los sutiles matices sonoros y poéticos diseñados por los músicos.
JM
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La cantante británica Bonnie Tyler, conocida sobre todo por su éxito ‘Total Eclipse of the Heart’, ha muerto a los 75 años, según un comunicado en su página web.
Tyler falleció “inesperadamente” en un hospital de Portugal, donde recibía tratamiento, informó su familia en la nota.
“La familia y el equipo de Bonnie están desconsolados al anunciar que falleció inesperadamente anoche en un hospital de Portugal, a consecuencia de la enfermedad por la que estaba siendo tratada“, agregaron.
“Por ahora pedimos privacidad para afrontar esta tragedia”, puntualiza la nota.
La cantante ha protagonizado una carrera de casi medio siglo en la que dominó géneros como el pop o el rock con su voz ronca y potente, con grandes éxitos como ‘It’s a Heartache’ y ‘Total Eclipse of the Heart’.
La artista había sido sometida hace unas semanas a una operación intestinal en el Hospital de Faro, en la región del Algarve de Portugal, país en el que residía desde hacía varios años para disfrutar de un clima más benigno que en su Gales natal.
Su legado, que incluye 18 álbumes de estudio, le llevó a optar a tres premios Grammy entre 1984 y 1995, así como a otros tres premios Brit en 1977, 1984 y 1986.
Y aunque no llegó a ganarlos, su inconfundible estilo la sitúan como una de las compositoras más personales de las últimas décadas.
CT
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El universo sonoro de Manuel de Falla nació entre contrastes. Su música recoge melodías populares españolas y las conduce hacia el lenguaje de la música de concierto; conviven en ella el impulso del flamenco y el refinamiento de la escritura orquestal, la pasión amorosa y una espiritualidad que atraviesa buena parte de su obra. Esa dualidad será el eje del concierto con el que la Orquesta Filarmónica de Jalisco cerrará su temporada, bajo la dirección de José Luis Castillo y con la participación de la mezzosoprano Guadalupe Paz.
El programa conmemora el 150 aniversario del nacimiento del compositor español y reúne tres de sus partituras más representativas: El sombrero de tres picos, las Siete canciones populares españolas y la versión de 1925 de El amor brujo.
Para Guadalupe Paz, el regreso a Guadalajara representa también un reencuentro con la Filarmónica, con la que cantó hace seis años la Novena Sinfonía de Beethoven.
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“La invitación nace a partir de una serie de coincidencias. Yo tenía muchas ganas de volver a trabajar música española y resulta que este año se celebra el 150 aniversario del natalicio de Manuel de Falla. Entonces platiqué con el maestro José Luis Castillo y vimos la oportunidad perfecta para volver a colaborar y hacer este maravilloso programa”, comenta la cantante, en entrevista con EL INFORMADOR.
“Está dedicado por completo a Manuel de Falla, un compositor español del siglo XX que pertenece a esa generación vinculada al nacionalismo musical. Ellos utilizaron melodías tradicionales y las llevaron al ámbito de la música de concierto. En el caso de Falla, las elevó mediante una riqueza armónica y rítmica extraordinaria”.
Dentro del repertorio, El amor brujo ocupa un lugar singular. La obra fue concebida en 1915 para una cantaora de flamenco y, años después, Falla la transformó para mezzosoprano. Esa historia determina también la manera en que Guadalupe Paz enfrenta el personaje de Candela.
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“Es muy interesante porque originalmente fue escrita para una cantaora de flamenco, no para una soprano. Eso hace que explore una parte muy particular del registro, la voz de pecho, que en la ópera casi no utilizamos. Ahora tendré la oportunidad de cantar en ese registro y me encanta porque ofrece otro color vocal. Además, la música es preciosa. Quizá la parte más conocida sea la ‘Danza ritual del fuego’“.
La cantante reconoce que esa herencia flamenca no puede reproducirse desde la técnica del canto lírico. En lugar de intentar imitar a una cantaora, busca conservar el espíritu expresivo que atraviesa la obra. “Para abordar el repertorio como lo hacen los grandes cantaores habría que tener otra técnica que yo no poseo. Entonces canto desde lo que conozco y desde mi propia técnica, aunque siempre inspirada en la magia del flamenco”, explica.
“Me fascina ese mundo. Hace poco interpreté Carmen en San Diego y para entrar en ese universo tomé clases de flamenco. Me encanta escuchar a Camarón de la Isla, Niña Pastori y Paco de Lucía. Pienso que Manuel de Falla escribió esta obra pensando en una cantaora y después refinó ese lenguaje porque aquí todo está escrito. En el flamenco existe una enorme libertad para improvisar; en esta obra seguiré exactamente lo que está en la partitura. Yo la cantaré con mi propia voz”.
Además de El amor brujo, la mezzosoprano interpretará las Siete canciones populares españolas, ciclo en el que Falla transformó melodías tradicionales en pequeñas escenas donde caben la ironía, el desamor, la ternura y el deseo. Esa variedad emocional obliga a modificar la forma de cantar en cada pieza.
“No todo es volumen, fuerza o vibrato; hay que encontrar muchos matices. Hay una canción de cuna y no puedes abordarla con el mismo dramatismo que otra pieza. Debes cantarla como si realmente estuvieras arrullando a un bebé. Hay otras canciones que son irónicas, entonces trato de jugar con los colores de la voz”, dice. “Creo que eso es lo más adecuado para este repertorio: no sonar demasiado lírica, sino buscar un canto más natural. Siempre desde mi técnica, por supuesto, pero con una interpretación más clara, más transparente y más cercana a la gente. Además, todo está en español y quiero que el público entienda lo que estoy diciendo”.
Falla, un visionario
Para la intérprete, el trabajo de Falla mantiene una vigencia que trasciende el repertorio histórico. Considera que tomar las raíces populares para transformarlas en música sinfónica sigue siendo una vía fértil para acercar nuevos públicos. “Pienso que sigue siendo un camino muy vigente. Aquí mismo tienen a Juan Pablo Contreras, que escribe inspirado en la música de mariachi y la lleva al ámbito sinfónico. Se parte de una música que la gente reconoce y después esa música evoluciona al convertirse en una obra para orquesta”.
“Mientras la música sea bella, siempre podrá transmitir algo y tocar fibras profundas del ser humano. Lo importante es hacerlo bien”.
El concierto marcará el cierre de la temporada de la OFJ y, para Guadalupe Paz, representa una oportunidad de volver a encontrarse con el público jalisciense. “Me siento muy honrada por la consideración de ser la solista que participará en esta gala de clausura. Para mí siempre es un honor pisar cualquier escenario. Cantar con la Orquesta Filarmónica de Jalisco es un privilegio y también lo es interpretar esta música“, dice. “En la ópera el personaje ya determina muchas cosas, mientras que en las canciones eres tú quien construye ese universo y lo comparte con el público. Es una oportunidad maravillosa para conectar con la gente que acompaña a la Filarmónica concierto tras concierto”.
¿Dónde, cuándo y a qué hora tendrá lugar el homenaje a Manuel de Falla?
El concierto será este domingo 12 de julio de 2026, a las 13:00 horas, en la Sala Plácido Domingo del Conjunto Santander de Artes Escénicas, como quinto y último programa de la Segunda Temporada 2026 de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. José Luis Castillo dirigirá el concierto y la mezzosoprano Guadalupe Paz será la solista invitada.
JM
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