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Te explicamos el fenómeno de C. Tangana y por qué muchos hablan de él
Cada cierto tiempo, surgen artistas que emocionan a la industria musical. Hay muchos ejemplos de esto, tanto buenos como malos (esos tampoco los podemos dejar de lado) en todo el mundo, que nos han puesto a estudiar la manera en que han llegado con su música a un montón de personas y triunfado vendiendo millones de discos. Sin embargo, al menos en la música en nuestro idioma, tenemos un hombre que ha causado revuelo en los últimos años y del que muchos hablan: C. Tangana.
Estamos seguros que al menos has escuchado el nombre de este artista, de eso no tenemos duda. Desde hace un buen rato, este rapero, cantante y compositor se convirtió en uno de los más importantes de España, pero aunque no lo crean, su éxito y ascenso a la fama no vinieron de la noche a la mañana. De hecho, detrás de lo que ha hecho para alcanzar el lugar en el que se encuentra en estos momentos, tuvo que pasar por un montón de cosas. No se preocupen, acá les explicamos todo su caso.
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Los inicios de un músico con hambre de sobresalir
Antón Álvarez Alfaro –mejor conocido como C. Tangana o Pucho para los cuates–, se interesó por la música desde temprana edad. Justo cuando estaba en la secundaria, comenzó a interesarse por el hip-hop y le entró al mundo de las batallas de freestyle dándose a conocer bajo el nombre de Crema. Poco a poco, además escribir rimas, mostró habilidades para la producción y así empezó a componer sus propias maquetas, las cuales compartía dentro de la escena underground del rap madrileño.
Años más tarde (en 2008 para ser exactos), Antón presentó un mixtape llamado Agorazein –donde ya aparecía el seudónimo que tiempo después lo haría famoso–, justo en el momento en el que destacaban grandes artistas españoles del género como Nach, Mala Rodríguez y Violadores del Verso. Sin embargo, se dio cuenta de que esto no sería suficiente como para sobresalir y ganar dinero con su música, es por eso que empezó a buscar la forma de reinventarse y encontrar su propio lugar en la industria.
De Crema a C. Tangana
Para 2012, Antón tomó el manto de C. Tangana y lanzó LO▼E’S, un disco en el que combinaba su faceta como Crema pero probando sonidos nuevos. Con este material discográfico, logró llamar la atención de la crítica en España, porque hasta ese momento no se había escuchado algo así. Pero también se ganó un montón de enemigos, ya que los raperos que crecieron junto a él en la escena under de Madrid lo consideraban un “vendido” y que había traicionado sus principios para convertirse en un producto.
De cualquier manera, no le importó lo que dijeran de él. Sin embargo, Pucho tampoco se dejó, pues en rolas como “Alligators” y el mixtape 10/15 se le va a la yugular al rap más purista, e incluso se burla de aquellos que solamente tiran rimas para presumir la ropa cara que visten todo el tiempo. Pero eso no fue todo, ya que a la par de todo esto, pues con esta colección de rolas nace una faceta que sería muy importante años después: el Tangana ambicioso que se dio cuenta que el marketing es vital en la música.
El nacimiento de un alter ego que sería una marca
Justo cuando C. Tangana decidió tomar un camino diferente al de los raperos españoles, inició una pelea con el grupo Los Chikos del Maíz. A través de distintas canciones, ambas partes se tiraron y dijeron hasta de lo que se iban a morir. Por un lado, a Antón lo criticaban por dedicarse a promocionar marcas de ropa y venderse a la industria musical, pero Pucho contraatacó afirmando que la agrupación valenciana hacen negocio gracias a su imagen como raperos revolucionarios y de la vieja escuela.
Más allá del chisme y todo lo que se tiraron, lo más importante de este momento fue que gracias a la bronca, nació el personaje de Tangana pero, ¿eso qué quiere decir? Bueno, pues comprendiendo que un artista se está interpretando continuamente a sí mismo, Pucho apostó fuertemente por crearse un álter ego separando su vida personal de la profesional. Y eso se notó en la manera que ahora tenía para comunicarse con los medios, pero también en una fuerte campaña que usó para promocionarse.
Para que se den una idea de lo que hablamos, C. Tangana, empezó a tener una enorme presencia en redes sociales, además se enfocó en el marketing de su propia marca, trabajó mucho en su comunicación y exposición como creador. Por si esto no fuera suficiente, parecía que cada uno de sus movimientos aparentemente los tenía fríamente con anticipación –siguiendo el camino que tomó Drake para su carrera–. Todo esto dio como resultado el lanzamiento de 10/15.
‘El Ídolo’ y sus colaboraciones con Rosalía y Alizzz
La enorme estrategia que armó rindió frutos en 2017, cuando Tangana firma un contrato con Sony Music España y gracias al respaldo de una disquera transnacional y de gran renombre, lanza el álbum Ídolo. Este disco es una verdadera declaración de intenciones, pues aunque no reniega de sus orígenes, deja muy claro que está en constante evolución y tiene hambre de más. Aunque en este punto de su carrera conoció a dos personas que serían muy importantes para su futuro cercano.
En ese año, C. Tangana colaboró con Rosalía en la rola “Antes de morirme”, la cual contó con la producción de Cristian Quirante –mejor conocido como Alizzz–. Sabemos que El mal querer es uno de los discos más importantes de habla hispana y de la carrera de la cantante catalana, pero además de iniciar una relación amorosa con Pucho, también se nutrieron artísticamente y eso se puede escuchar en las aportaciones que el arista madrileño hizo en algunas rolas de este disco que nos voló la cabeza.
Hablando sobre Alizzz, él fue una de las piezas claves para el sonido de Ídolo, pero a partir de este álbum, que convirtió en una de las piezas clave de Tangana. Ambos trabajaron en “Llorando en la limo” –que apareció en el mixtape Avida Dollars de 2018– y también en las canciones que Pucho grabó junto a Becky G, A. CHAL y MC Bin Laden. Sin embargo, las ganas que los dos tenían de reinventarse y hacer cosas nuevas, los llevó a planear su siguiente proyecto, el más ambicioso hasta el momento.
El trabajo más ambicioso de Pucho: ‘El madrileño’
Para 2020, C. Tangana sorprendió con un EP llamado Bien:(, que a diferencia de todo lo que venía haciendo, es una serie de rolas sumamente íntimas donde nos deja ver a la persona detrás del alter ego y en el que por momentos abandona su estatus como uno de los artistas más interesantes de España. Este material junto a canciones como “Un veneno” (que publicó en 2018), “Guille Asesino” y “Nunca estoy” sirvieron como puente de su nuevo material discográfico del que todo el mundo ha hablado.
El 26 de febrero de 2021 llegó El madrileño, un disco que es una verdadera locura y no exageramos con ese adjetivo. A lo largo de 14 canciones, Pucho –bajo la producción de Alizzz– mezcla sonidos modernos y el trap con la música tradicional española (como el flamenco) ritmos latinos que van desde la rumba, el bolero, la bossa nova y la bachata hasta rock. Una vez más, este artista toma sus influencias y todo lo que escuchó cuando estaba creciendo y lo transformó en algo alucinante.
Eso sin contar la espectacular lista de colaboradores que C. Tangana reunió para este álbum, pues aparecen grandes nombres del tamaño de Andrés Calamaro, Jorge Drexler, José Feliciano, Eliades Ochoa –conocido por su trabajo con Buenavista Social Club–; talento mexicano comandado por Ed Maverick, Adriel Favela y Carin Leon; y leyendas de la música de España como Niño de Elche, Kiko Veneno, La Húngara, Gipsy Kings y Pepe Blanco. Así que como verán, juntó a puros cracks en su propio género.
Llevar su concepto a otro nivel en un formato mundialmente famoso
A Tangana no le bastó dejarnos el ojo cuadrado con El madrileño, pues durante la pandemia recibió la invitación para participar en las famosas sesiones de Tiny Desk Concerts de NPR. Y fue justo en ese momento en el que llevó el concepto de su disco al siguiente nivel, pues debido a la pandemia, tuvo que grabar su set a distancia. Sin embargo, en lugar de filmarse frente a la cámara cantando y nada más, decidió crear una fascinante puesta en escena que conquistó a todo el mundo.
Pucho reunió a su familia, amigos y colaboradores en una casa para armar una sobremesa tradicional española llena de comida, tragos y buena vibra, donde tocaron cuatro rolas. Un tema nuevo llamado “Que me maten” –donde canta Antonio Carmona–, “Los tontos” (en la que incluso incluyó un fragmento de “Bizarre Love Triangle” de New Order”, una versión de “Demasiadas Mujeres” con un arreglo de cuerdas que te pone la piel chinita y “Tú Me Dejaste De Querer”.
Su sesión en Tiny Desk Concerts dejó la vara muy alta para los artistas que vinieron después –que se notó que le echaron más ganitas a raíz de esta presentación– y por si esto no fuera suficiente, C. Tangana se ganó un montón de fans en todo el planeta que quedaron hipnotizado por su set y sin siquiera entender lo que está cantando, simplemente se dejaron llevar por la música. Para que se den una idea de lo que hablamos, hasta el momento de redactar esta nota el video cuenta con 27 millones de views en YouTube.
C. Tangana es el ejemplo de que deben seguir los artistas en la actualidad para triunfar
Si algo nos queda muy claro repasando la carrera de C. Tangana es que es un tipo que no se conforma con nada. Con cada disco que lanza se puede notar que busca innovar y hacer cosas totalmente distintas a lo que nos tiene acostumbrados, pero no lo hace solo, pues siempre le encanta trabajar con productores y artistas que aporten algo nuevo a sus rolas. Pero más allá de las música, Antón Álvarez comprendió que no es suficiente el talento para triunfar dentro de la industria musical.
Y sí, esto quizá rompa los sueños de muchos y probablemente no estén de acuerdo. Pero para bien o para mal, las cosas son así, para llegar al lugar en el que está Pucho se necesita un montón de trabajo, constancia y sobre todo, planear muy bien cada uno de los pasos que tomarán en sus carreras, justo como él. Aquí también va incluido el enorme empeño que le puso a promocionarse como artista, venderse y crear estrategias con las cuales logró llegar a más personas en su país y todo el mundo.
Eso sin contar que a pesar de que muchos lo criticaron por intentar hacer dinero con sus canciones, tampoco se come del amor al arte y si alguien tiene chance de ganar unos milloncitos con lo que más te gusta, ¿eso no es válido? C. Tangana mostró que es importante valorar lo que haces y luchar por obtener lo justo por tu talento. Puede que no te guste su música o quizá todavía no le das la oportunidad que se merece, pero lo que está haciendo este madrileño es único y es algo que no habíamos visto en la música en español. Un fenómeno digno de analizar y valorar.
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Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)
Lo que necesitas saber:
Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.
En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.
Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.
Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).
Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia
Fleetwood Mac – ‘Tusk‘
Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.
Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.
A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.
Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.
Billy Idol – ‘Charmed Life‘
Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.
A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.
Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.
Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.
Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘
Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.
Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.
El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.
Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.
Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘
La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.
El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.
En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.
Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.
Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘
Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.
Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.
El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.
No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.
Korn – ‘Untouchables’
Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.
A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.
El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.
El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.
Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’
En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.
En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.
Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.
Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.
Def Leppard – ‘Hysteria’
Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.
Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.
Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.
Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’
Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.
A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.
Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.
Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).
Michael Jackson – ‘Invincible’
Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.
En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.
Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.
Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.
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Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?
El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.
Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.
En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.
A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.
Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.
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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.
Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.
Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.
Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.
A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.
En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.
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Cartel, boletos y todo lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024
Lo que necesitas saber:
Después de mucha espera y rumores, por fin tenemos el cartel del Coca-Cola Flow Fest 2024. Y por acá les contamos todos los detalles.
El cierre de este año ha estado leno de música y festivales, y todavía no termina, pues entre ellos tenemos el Coca-Cola Flow Fest 2024. Por acá les contamos todo lo que deben saber al respecto, como el cartel, boletos y más.
Como recordarán, fue en 2017 cuando nació este festival, con la intención de festejar la cultura urbana, promoviendo su música a través del rap, reggaetón, trap y hip-hop, con artistas nacionales e internacionales. Y vaya que a lo largo de este tiempo, han sacado lineups rifados para los fans de estos géneros, con los que se han armado verdaderas fiestotas (acá les contamos cómo se puso la edición 2023).
Este es el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024
Sin embargo, después de mucha espera, a finales de mayo, el Coca-Cola Flow Fest dio señales de vida a través de sus redes sociales, anunciando con bombo y platillo que iniciarían la venta early bird para su edición 2024. Y como era de esperarse, muchos aprovecharon la oportunidad para armar sus boletos antes de la revelación del cartel, sin saber quiénes se van a presentar.
En este entonces también confirmaron que el festival es ya este 23 y 24 de noviembre de 2024 en el lugar que ha sido su casa desde hace varios años, el Autódromo Hermanos Rodríguez.
Pero bueno, volviendo al cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024, la cosa se pondrá buena este año. Para que se den una idea, entre los actos principales tenemos nombres como Rauw Alejandro, Becky G, Rels B, Arcángel, Sebastián Yatra, Chencho Corlone, Tiny
Aunque en “las letras chiquitas” también aparecen artistas mexicanos que vienen sonando durísimo, entre ellos El Bogueto, Snow Tha Product, El Malilla, Yoss Bones y muchos más. A continuación les dejamos el lineup completo para que le echen un ojo.
Boletos para el Coca-Cola Flow Fest 2024
Ok, después de checar el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest, estamos seguros de que quienes no tiene boletos, querrán tenerlos aunque sea de último momento. Bueno, la venta general inició el 12 de junio, pero todavía hay boletos. Sí, es a través de Ticketmaster y de este lado les dejamos el link de compra.
Habrá streaming oficial para seguir en vivo el Flow Fest 2024
Ahora que si ya de plano sientes que es tarde para conseguir boletos, descuida, podrás seguir completamente en vivo el Flow Fest 2024. Habrá streaming oficial a través de Twitch, así que échale un ojo los dos días.
¿Qué tal? ¿Están listos para darle macizo contra el piso en el el Coca-Cola Flow Fest 2024? De plano, nos esperan dos días de fiestota intensa en el Autódromo Hermanos Rodríguez. Mientras, y si ustedes jamás han ido al festival pero quieren ver cómo se pone, a continuación les dejamos el aftermovie oficial del 2023.
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