En el Programa 7 de la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ), el director invitado Jorge Mester encara un recorrido que atraviesa el siglo XIX y el XX desde una misma pregunta: qué puede decir hoy la música sobre la vida.

El programa reúne “Los preludios” de Franz Liszt, el “Concierto para piano núm. 4” de Ludwig van Beethoven -con el solista Robert Thies- y la “Sinfonía núm. 6” de Dmitri Shostakóvich. Tres obras que, en distintos momentos históricos, abrieron tensiones formales y expresivas que aún siguen presentes en la escucha contemporánea.

En este contexto, Mester se detiene primero en Liszt y en la invención del poema sinfónico como forma. “Los preludios”, concebidos a partir de ideas literarias, condensan una visión de la existencia donde la música no solo organiza sonidos, sino que propone una lectura de la experiencia humana. “Es un poema sinfónico. Los poemas sinfónicos están basados en temas literarios y esta obra dura unos 17 minutos”, explica el maestro, en entrevista con EL INFORMADOR. “Tiene varias partes: una es primavera y amor, otra es tempestades de la vida -puras cosas románticas-, y otra es consolación de la naturaleza. Así que es muy romántico”.

La vigencia de esa forma, sin embargo, no se presenta como una continuidad lineal. Para Mester, el poema sinfónico pertenece a un momento histórico preciso, aunque sus resonancias puedan extenderse. “Es como la vida. Cada uno nace, crece y después se muere. Así que no conozco muchos poemas sinfónicos ahora, pero sí hay. Yo creo que los compositores modernos tienen programas literarios, estoy seguro. Pero el olor del romanticismo, naturalmente, ya no existe, ¿verdad? Pues así es la vida. No hay ideas barrocas, no hay ideas clásicas. Hay de todo”.

Esa transformación en las formas musicales se vuelve más evidente al pensar en el presente. Frente a un panorama donde la producción sonora puede generarse desde algoritmos o inteligencia artificial, el director insiste en un elemento que no puede sustituirse: el alma, el corazón palpitante, la inspiración humana. “Se necesita, yo creo, un corazón que late para poder alcanzar al público con música”, afirma. La idea no se plantea desde la nostalgia: es una condición de la experiencia musical. Aquello que conecta con el oyente no es solo la estructura, sino la intensidad humana que la atraviesa.

Violento con la orquesta, dulce con el piano

En el caso de Beethoven, el programa se desplaza hacia una relación distinta entre forma y expresión. El “Concierto para piano núm. 4” introduce una ruptura en la tradición del género al iniciar con el solista, sin la exposición orquestal previa. Para Mester, esa decisión responde a una lógica más profunda dentro de la obra. “Es cosa increíble. Y la orquesta entra con otro matiz completamente diferente. El segundo tiempo es una cosa increíble: es violento con la orquesta y tierno con el piano. Así que a mí me encanta esa obra más que cualquier otro concierto de piano”.

La lectura que propone el director se centra en los contrastes internos de la pieza, en la manera en que el conflicto se articula dentro del propio lenguaje musical. El diálogo entre piano y orquesta no se limita a un intercambio de protagonismo; construye una tensión entre fuerzas opuestas -violencia y lirismo, impulso y contención-. La presencia del pianista Robert Thies, con quien Mester ha trabajado en distintos escenarios, refuerza la dimensión interpretativa. La ejecución del concierto, explica, se construye desde la preparación de la orquesta y la capacidad de adaptación en el momento mismo del encuentro. 

La música no aparece nunca como un resultado fijo; es un proceso vivo que se ajusta en tiempo real.

Forma, tensión y ambigüedad

El programa concluye con la “Sinfonía núm. 6 de Shostakóvich”, una obra que desde su estreno generó desconcierto por su estructura inusual. En lugar de una progresión heroica, presenta un amplio movimiento lento seguido por dos movimientos breves y contrastantes. 

Exige del oyente una escucha atenta, capaz de sostener la ambigüedad entre lo solemne y lo irónico, entre lo introspectivo y lo aparentemente ligero. El primer movimiento, de gran extensión, construye un espacio de tensión contenida, mientras que los movimientos finales introducen un tono que puede leerse como desplazamiento o incluso como ruptura.

Para Mester, esta disposición no puede reducirse únicamente a una lectura política, aunque el contexto soviético sea inevitable. “Se ha escrito mucho sobre si es burla o si es música, pero de todos modos sirve por sí sola, sin atribuciones políticas. Es interesante. Shostakóvich hizo algo, un testamento político, pero lo importante es que, de todos modos, es pura música”.

Sin duda, la música atraviesa el programa como pensamiento: reflexión en Liszt, tensión en Beethoven y ambigüedad en Shostakovich. Para Mester, interpretarla depende del cuerpo y la experiencia. Más que repertorio, el concierto propone una escucha viva que conecta pasado y presente.

La batalla interna de la música

La Orquesta Filarmónica de Jalisco se presentará este jueves 19 de marzo a las 20:30 horas y el domingo 22 a las 12:30 horas en el Teatro Degollado, con boletos disponibles desde 100 pesos en taquillas y a través de Boletomóvil.

CT

El nombre de Henry Russell Walter, mejor conocido en la industria musical como Cirkut, volvió a cobrar relevancia tras darse a conocer que participa como productor en la canción oficial del Copa Mundial de la FIFA 2026, interpretada por el cantante mexicano Carín León.

Cirkut es uno de los productores y compositores más influyentes del pop internacional en la última década. Nacido el 23 de abril de 1986 en Halifax, en la provincia canadiense de Nueva Escocia, comenzó su carrera musical desde muy joven. 

En 2004 se trasladó a Toronto, donde fundó su propio estudio de grabación, Dream House Studios, espacio que marcó el inicio de su consolidación como productor.

LEE: Mikel Erentxun celebra 40 años de canciones en México

Con el tiempo se mudó a Los Ángeles, ciudad donde desarrolló gran parte de su carrera y comenzó a trabajar con algunas de las figuras más importantes del pop y la música urbana.

El productor detrás de grandes éxitos del pop

A lo largo de su trayectoria, Cirkut ha participado en la creación de varios de los mayores éxitos del pop contemporáneo. Entre ellos destacan canciones que alcanzaron el número uno en el Billboard Hot 100, como Part of Me, Roar y Dark Horse de Katy Perry, además del éxito mundial Wrecking Ball de Miley Cyrus.

También ha colaborado con una larga lista de artistas internacionales, entre ellos Rihanna, The Weeknd, Britney Spears, Shakira, Nicki Minaj, Kesha y Lil Wayne, consolidando una carrera marcada por la versatilidad y el éxito comercial.

Su trabajo en el álbum Starboy de The Weeknd le valió en 2018 el Premio Grammy al Mejor Álbum Urbano Contemporáneo, uno de los reconocimientos más importantes de su carrera. En 2026 ganó el Premio Grammy como mejor productor por su participación en el disco vocal con el grupo MAYHEM.

Colaboraciones cercanas en la industria

Uno de sus proyectos más conocidos ha sido su colaboración con la cantante Ava Max, con quien trabajó en gran parte de su repertorio musical. Ambos músicos han compuesto cientos de canciones juntos desde mediados de la década de 2010.

En una entrevista concedida en 2023, la intérprete reveló que su relación profesional comenzó cuando le cantó “Happy Birthday” a Cirkut, momento que marcó el inicio de su colaboración creativa. Aunque en algún momento mantuvieron una relación sentimental, actualmente continúan siendo amigos cercanos y socios musicales.

LEE: Lanzan tráiler oficial del especial por el 20 aniversario de “Hannah Montana”

Con su participación en la canción del Mundial 2026 junto a Carín León, Cirkut suma otro proyecto internacional a su carrera, ahora vinculado al mayor evento futbolístico del planeta.

TG

Ciertas canciones sobreviven a la época en que fueron escritas y terminan instalándose en la memoria de varias generaciones, e incluso sobre la memoria misma del tiempo. A veces cambian de dueño, dejan de pertenecer por completo a quien las compuso y empiezan a circular como una especie de patrimonio emocional compartido. Algo de eso ocurre con el repertorio de Duncan Dhu, grupo fundamental del pop en español que, cuatro décadas después de su origen, regresa a los escenarios bajo la voz de Mikel Erentxun con una gira que mira hacia atrás sin quedarse en las comodidades de la nostalgia: es una fiesta.

La visita a México forma parte de esa celebración. Para Erentxun, el recorrido tiene además un matiz particular: aunque ha venido al país en numerosas ocasiones como solista, la historia de Duncan Dhu con el público mexicano había permanecido incompleta. “Es muy raro, porque vinimos muchas veces de promoción. Y de hecho tocamos en Estados Unidos varias veces”, dijo el vocalista, durante un encuentro con medios. “Y por alguna razón extraña, Duncan Dhu nunca se ha presentado en México. Yo luego, como Mikel Erentxun, llevo como 20 años viniendo a tocar, pero Duncan Dhu nunca. No sé el motivo”. 

El músico explica que la idea del tour surgió como una ocurrencia que fue creciendo hasta volverse una realidad. “Nos dimos cuenta de que se cumplían 40 años desde los comienzos de Duncan Dhu y nos dijimos: ‘¿Hacemos algún concierto?’. Y ese algún concierto se convirtió en un tour larguísimo de 70 shows, y ha seguido creciendo. Este año vamos a hacer otros tantos por aquí, por América. Vamos también a Europa y, al final, van a ser dos años enteros celebrando el legado de una banda”. 

En México, la respuesta del público se ha hecho evidente desde los primeros conciertos. Erentxun cuenta que viene de tocar en Querétaro y que la reacción del público le confirmó el lugar que estas canciones siguen ocupando en la memoria colectiva. “La gente canta todas las canciones. Espero que tenga continuidad aquí en Guadalajara”. El repertorio, dice, se construye desde esa voluntad de celebrar el pasado, de volver sobre canciones que siguen vivas, aunque también con espacio para algunas piezas de su etapa en solitario. “En España únicamente hacíamos canciones de Duncan Dhu, pero en México me piden canciones mías, de Mikel Erentxun”.

Música analógica en la era del consumo rápido

En la conversación aparece también una reflexión clara sobre los cambios que ha vivido la industria musical. Erentxun pertenece a una generación que conoció la circulación del cassette, del vinilo, del CD y luego el impacto de la digitalización, la piratería y el streaming. Ha visto cambiar la manera en que la música se distribuye, se escucha y se consume. Su balance es crítico. “Todo se ha convertido en un consumo rápido, un fast food musical, donde todo está al alcance de todo el mundo de una manera instantánea. Entonces, se valora muchísimo menos la música. Un disco que te cuesta un año o dos de tu vida muchas veces no dura nada en el mercado, porque la oferta es inmensa”.

Aunque participa de ese ecosistema y reconoce la importancia que hoy tienen las plataformas, su fidelidad sigue estando del lado del objeto físico y de una cierta ética del directo. “Yo sigo cuidando mucho al consumidor del objeto físico. Sigo grabando de una manera analógica siempre, cuido mucho el soporte físico y me gusta que la gente vaya a la tienda y compre el vinilo”. Lo mismo ocurre sobre el escenario: rehúye el uso de pistas disparadas o secuencias pregrabadas y prefiere la fragilidad y la libertad del concierto tocado en tiempo real. “Todo lo que suena en el escenario lo estamos tocando, no llevamos nada disparado. Nuestros instrumentos van con cable al amplificador. Somos una rara avis”.

Canciones que cambian de dueño

Parte de la permanencia de Duncan Dhu tiene que ver con la manera en que sus canciones han sido apropiadas por el público. Para Erentxun, conversando con EL INFORMADOR, ese proceso ha ocurrido de forma natural. Las letras, afirma, dejan de pertenecer del todo a quien las escribe en el momento en que circulan y se integran a la experiencia de los otros. “Las canciones dejan de ser mías, se convierten en canciones de todo el mundo y cada quien les da su sentido y su futuro”. Por eso se resiste a explicarlas demasiado. Lo que a él interesa y le parece más gratificante es la capacidad de sugerencia que tienen ciertas imágenes que una interpretación cerrada.

Ese fenómeno puede notarse en piezas como “En algún lugar”, una canción que en México ha adquirido una resonancia particular. Durante años circuló el rumor de que aludía a un pueblo mexicano o a una geografía precisa del país. Erentxun lo niega, pero reconoce que el vínculo entre la canción y el público mexicano se volvió especialmente intenso. “No habla de ningún lugar en concreto, pero sí que es cierto que mucha gente piensa que habla de México y de lugares concretos de México. Tengo que decir que la canción es un éxito en México. Es mayor éxito en México que en España. Es una canción que aquí se ha convertido casi en un himno”.

En esa relación con el público aparece también una idea central de su concepción de la música: las canciones como pequeñas bandas sonoras personales. Al escucharlas, dice, cada quien las conecta con momentos específicos de su vida, y él mismo no escapa a ese mecanismo. “Las canciones, como los olores, muchas veces te transportan a otros momentos, felices o infelices. En mi caso, felices”. Recuerda, por ejemplo, cómo una canción de Michael Jackson lo devolvió de golpe a sus años de juventud, a las noches de baile y a una versión anterior de sí mismo. Esa capacidad de la música para activar el tiempo es, en parte, lo que explica que una obra compuesta hace cuarenta años siga encontrando nuevas resonancias.

El paso del tiempo y el oficio

Volver al repertorio de Duncan Dhu también ha implicado para Erentxun un ejercicio de revisión personal. La gira lo obligó a sumergirse en canciones escritas a los 18, a los 25, a distintas edades de una vida que ahora contempla desde otra orilla. “De hecho, en esta gira, en la que he tenido que bucear en mi pasado para elegir el repertorio, me he encontrado con canciones de ‘uy, yo por qué escribí esto, ¿no? ¿En qué estaría pensando?’”. El tiempo modifica la relación con las propias letras, pero no necesariamente para renegar de ellas. “Hay algunas letras un tanto sonrojantes de mis primeras canciones, pero las escribí cuando era muy joven. Entonces yo no las cambiaría. Están bien así”.

Esa mirada hacia atrás no ha cancelado el impulso de seguir escribiendo. Aunque el tour celebra la historia de Duncan Dhu, Erentxun insiste en que su trabajo creativo continúa orientado hacia adelante. Mientras gira con un repertorio construido sobre éxitos, prepara también canciones nuevas y trabaja en otro disco. La conmemoración, en ese sentido, no funciona como cierre sino como una estación más dentro de un trayecto mayor.

Cuando se le pregunta qué le diría al joven que comenzaba en los años ochenta, evita cualquier tentación de corregirse a sí mismo. “Los dos Mikel se parecen bastante. Ahora tengo canas, tengo muchos más años, tengo familia, pero mis inquietudes musicales, mis intereses musicales, son los mismos”. El consejo que sí se permitiría darle tiene que ver con el tiempo: “Quizá el único consejo que le diría es: paciencia, porque todo llega. Sí que recuerdo que al principio, cuando éramos muy jóvenes, teníamos mucha prisa. Todo lo vivíamos de una manera muy rápida y muchas veces, cuando las cosas van tan aceleradas, no las disfrutas”, finalizó.

Duncan Dhu se presenta este miércoles 18 de marzo en el Teatro Diana. Boletos desde $744 pesos en taquillas y Ticketmaster.

MF