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Shiva Baby: La presión de una mujer joven

Shiva Baby retrata la ansiedad y presión que vive una mujer a lo largo de un día durante el inicio de la Shiva —periodo de luto tras el fallecimiento de algún miembro cercano de la comunidad judía—. Sin embargo, esta ópera prima de Emma Seligman ha logrado conectar con mujeres que no necesariamente comparten características con la protagonista. Danielle es una joven bisexual interesada en el mundo artístico con un trabajo temporal como niñera; con unos padres que «quieren lo mejor para ella» y los cuales buscan conseguirle un trabajo bien remunerado, una pareja y un comportamiento digno de admiración dentro de la comunidad.
Desde su estreno en festivales, Shiva Baby, ha sido catalogada como una comedia feminista debido a la conexión que ha tenido con mujeres de diferentes parte del mundo sobre la ansiedad que podemos vivir las chicas jóvenes por intentar cumplir con las expectativas que han puesto sobre nosotras.
Emma Seligman, una mujer joven de 25 años que logró posicionar su película —la cual comenzó como un cortometraje escolar— como una de las mejores películas estrenadas en 2020, nos comparte la experiencia de retratar vivencias tan personales y después, conectar de forma universal.
- Has mencionado que viste algunas películas que muestran la ansiedad o el estrés en la mujer para representar las crisis nerviosas de Danielle. ¿Podrías decirme algunas cintas o directores que formaron parte de esta investigación y de qué manera influenciaron en tu película?
Claro. Comencé queriendo ver películas que presentaran historias de un solo día y una locación, o de algunos días pero en la misma locación. Quería ver cómo lograban presentar estas historias de manera exitosa porque yo sabía que nuestra película transcurriría así para mantener bajo nuestro presupuesto y alcanzable pues estábamos juntando el dinero por nuestra cuenta. Vi Krisha, Una mujer bajo la influencia, El casamiento de Raquel y Las vueltas del destino. Todas estás películas que vi eran muy intensas. Después de pensar en otros thrillers psicológicos que ya había visto como El Cisne Negro, me di cuenta de que quería lograr más en la categoría de realismo. Quería tocar el horror de la vida de todos los días. Vi muchas películas de John Cassavetes, en especial Noche de estreno. Ya había visto muchas películas que mostraban lo salvaje de una vida ajena, películas judías, películas coming of age, comedias románticas; pero en lo que concierne a la creación de una película (música, edición, fotografía) me fijé más en los thrillers.
- Ya que tus propias experiencias fueron la inspiración para Shiva Baby, me gustaría saber, ¿en qué punto comenzaste a cuestionarte si estabas de acuerdo con algunas de las tradiciones judías?
Crecí muy reformada, así que el judaísmo fue un punto clave en mi vida diaria y cultura. Mi familia era muy extensa y todos estábamos juntos en Toronto. Las costumbres y tradiciones judías fueron una parte muy importante de mi vida. Cada dos semanas veía a mi familia para algún evento, ya fueran bodas, el nombramiento de un bebé o una fiesta judía. No sé si llegó un punto en el que comencé a criticarlo por mi madre o mi hermana o por mí misma, siempre encontrábamos una manera de hablar de lo molesto que resultaban las preguntas a mí y a mi hermana mientras crecíamos. “¿Qué harás ahora que ya eres mayor?”, “¿Qué piensas hacer de tu vida?”.
Mi hermana y yo éramos las más jóvenes de nuestra generación y mi madre era la más joven de su generación, al igual que mi abuela, así que siempre destacamos como las más jóvenes de nuestro círculo. Nuestros primos comenzaron a tener hijos y ya había gente menor, pero siempre estábamos solas en lo que respectaba a nuestro futuro o nuestras situaciones amorosas. A pesar de esto, creo que este problema va más allá de la cultura judía, creo que es algo que constantemente se les está preguntando a los jóvenes.
- ¿Por qué decidiste enfocarte en la Shiva?
Al crecer en una comunidad reformada y moderna, siempre me pareció gracioso que la Shiva se celebraba como cualquier otro evento, incluso si algún miembro de la familia recién hubiera muerto. Me parecía cómico que hubiera un cadáver cerca y nosotros estuviéramos platicando, riéndonos y contando chismes. No se sentía ninguna diferencia. Creo que la comunidad judía siempre ha sabido bromear sobre la muerte y lidiar con ella. Nuestro humor es muy mórbido. Creo que este contraste que existía en la Shiva me ayudó a plasmar el contraste que siente Danielle al tener dos versiones de ella misma que está tratando de mantener a lo largo del día. También creo que la Shiva es un evento de transformación, pues comienzas estando completamente triste y el objetivo es ayudar con el duelo a los familiares de la persona fallecida. Es como un reconcilio con la muerte mientras pasas por todas esas etapas de duelo, todo esto idealmente en una semana. En un nivel un poco más simbólico, la transición la tiene Danielle en la película.
- ¿Qué tan importante crees que sea la cercanía entre el cineasta y los temas que está representando?
Creo que para tu primera película es genial crear algo tan personal y auténtico, es una gran manera de mostrar tu voz y tu manera de ver el mundo. Prácticamente también es mucho más fácil. Yo escogí este evento judío porque sentía que podía escribir a los personajes de una manera más cercana. Creo que puede ser de gran ayuda, pero no creo que debería ser necesario. Sin embargo, si estás del otro lado tratando de mostrar a una comunidad marginada sin tú mismo haber pasado por su sufrimiento, no creo que esté mal, pero la especificidad de esta experiencia será más difícil de mostrar. Ahora me siento emocionada de mostrar historias que no me sean tan personales, pues me interesa la dificultad de acercarme a otros temas.
- ¿Describirías tu película como una comedia feminista?
Mi objetivo principal no era hacer una película feminista. Yo solo quería crear algo que me resultara auténtico y cercano a mí. Quería acercarme a mi propia experiencia y a mi ansiedad. Creo que todas las ansiedades que las mujeres pasan en su vida vienen de un lugar específico desde su género. Estoy bien con la gente llamando a mi película una ‘comedia feminista’, me hace feliz, pero yo no me propuse hacerla así. Me gusta que lo sientan así, digo, ser mujer es un hecho político, mostrar las ansiedades de Danielle y que los demás lo tomen como un acto político. Recuerdo a una entrevistadora en un festival que me mencionó el aspecto ‘político’ de mi película y la manera en la que yo estaba trayendo a la mesa temas que las mujeres deben soportar a diario. Me gusta saber que lo sienten así, pero nunca fue mi único objetivo.
- ¿Cómo fue el proceso de tocar los temas de la presión laboral, los desórdenes alimenticios, la bisexualidad y el conseguir un sugar daddy sin que se sintiera saturado?
El único problema que me costó plasmar fue la bisexualidad de Danielle porque toma lugar en un solo día, así que no podía mostrarla ese mismo día con Maya y Max, así que tuve que mostrar su relación con Maya de una manera que no se sintiera tan obvio. Siempre me ha molestado que la gente ‘recuerde’ en películas para tratar los temas, porque no se siente natural. Esta relación me resultó muy complicada por el tiempo y porque en un evento familiar no estás hablando abiertamente de tu vida sexual. Sobre los sugar babies, no fue tan complicado, digo Danielle es una sugar baby, pero sí quise hablar de cómo se llega a esa posición y darle a Danielle la oportunidad de contar su historia. Lo judío de la película… es muy judío. A veces no pensaba en ello, pero otras sí tenía que encontrar maneras de lograr mis resultados.
- ¿Cómo se logra una comedia de humor negro sobre la religión sin ofender a los que practican esta religión?
Yo creo que es difícil porque al final siempre ofenderás a alguien. A veces, desafortunadamente, hay verdad en los estereotipos y todas las líneas que escribí en el momento que una mujer intercepta a Danielle en la Shiva. Vienen de una experiencia real que yo viví. Todo es real. No puedes no mostrar estereotipos, en especial en una historia judía, pero traté de enfocarme en lo absurdo de la situación para dejar en claro que no intentaba burlarme de nadie. Creo que lo mejor que se puede hacer en estos casos es mostrar la humanidad detrás de los estereotipos, específicamente con la madre, porque creo que las mujeres judías son un estereotipo muy recurrente en los medios. Quería mostrar a la mamá igualmente amorosa como dominante y al final del día mostrar su relación tan profunda con su hija. Tristemente no tuve todo el tiempo para mostrar todas las relaciones a fondo, pero sí traté de hacerlo con algunos de los personajes.
- ¿Qué efecto te gustaría dejar en el espectador con tu película?
Solamente mostrar (y tal vez esto es lo político/feminista) que es imposible ser todo lo que esperan que seas como una mujer joven. A veces cuando intentas ser todas estas cosas terminas teniendo crisis nerviosas o ataques de pánico, como le sucede a Danielle en la película. Recuerdo que cuando me acercaba a mi graduación sentía la presión por parte de mi familia acerca de mi futuro laboral y mi situación amorosa. También sentía una presión por parte del resto del mundo, en especial de Nueva York, por ser una mujer independiente y sexualmente empoderada. Nos alientan a las mujeres para que seamos sensuales y libres, pero al mismo tiempo esperan que tengamos un novio. Solamente quería mostrar que era imposible hacer todo en nuestra vida.
Shiba Baby estrena este 11 de junio en MUBI.
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guía para saber qué ver
El catálogo de Netflix puede ser abrumador, especialmente para quienes buscan algo más que entretenimiento inmediato. Por eso, esta lista de las mejores películas en Netflix México está pensada para todo tipo de gustos: cine de autor, películas premiadas, apuestas formales interesantes y obras que dialogan con el cine contemporáneo. Si buscas algo interesante, estimulante, o simplemente entretenido, aquí tenemos la solución.
Si te preguntas cuáles son las mejores películas que puedes ver Netflix México hoy y quieres ir más allá del Top 10, esta guía prioriza la calidad cinematográfica, la visión de autor y la conversación crítica que cada película propone. Además, también puedes revisar los estrenos en Netflix de la semana y del mes.
Cine de autor imprescindible en Netflix México
Roma (Dir. Alfonso Cuarón)

Una de las películas mexicanas más importantes del siglo XXI y una de las mejores películas en Netflix México. Filmada en un hipnótico blanco y negro, Roma combina memoria personal, observación social y una puesta en escena precisa que la convirtió en un referente inmediato del cine moderno.
El poder del perro (The Power of the Dog, Dir.a Jane Campion)
Un western psicológico contenido y perturbador, donde la violencia es emocional antes que física. Campion construye un retrato de masculinidad tóxica a través del silencio, el encuadre y una tensión constante.
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (Dir. Alejandro G. Iñárritu)
Ensayo fílmico, viaje autobiográfico y provocación estética. Bardo es excesiva, irregular y profundamente personal, pero también una de las propuestas más ambiciosas del cine mexicano reciente.
Dramas contemporáneos en Netflix que dejaron huella

Historia de un matrimonio (Marriage Story, Dir. Noah Baumbach)
Un drama íntimo sobre el final de una relación, sostenido por guion, actuaciones y una puesta en escena invisible pero devastadora. Ideal para quienes buscan cine emocional sin sentimentalismo barato.
Manchester junto al mar (Manchester by the Sea, Dir. Kenneth Lonergan)
Un retrato del duelo y la culpa que evita cualquier trampa melodramática. Sobria, dolorosa y profundamente humana, es una de las grandes películas estadounidenses de la década pasada.
Thriller y cine de género con inteligencia

Zodiaco (Zodiac, Dir. David Fincher)
Procedimental obsesivo sobre la imposibilidad de cerrar una historia. Fincher convierte la investigación en un laberinto moral y psicológico, y redefine el thriller moderno desde la frustración y el detalle.
Primicia Mortal (Nightcrawler, Dir. Dan Gilroy)
Una sátira oscura sobre los medios, el sensacionalismo y la ética en el capitalismo tardío. Jake Gyllenhaal ofrece una de las interpretaciones más inquietantes de su carrera.
Animación y ciencia ficción para adultos

Aniquilación (Annihilation, Dir. Alex Garland)
Ciencia ficción existencial que privilegia la atmósfera y las ideas por encima de la explicación. Una película que se experimenta más de lo que se entiende, ideal para espectadores curiosos y pacientes.
Pinocho (Dir. Guillermo del Toro)
Una reinterpretación oscura, política y profundamente emocional del cuento clásico. Del Toro utiliza la animación stop-motion para hablar de autoritarismo, muerte y desobediencia con una sensibilidad única.
Joyas menos evidentes (para salir del algoritmo)

Los Meyerowitz: La familia no se elige (The Meyerowitz Stories, Dir. Noah Baumbach)
Comedia dramática sobre familia, ego y frustración artística, con diálogos afilados y actuaciones contenidas. Pequeña, incómoda y muy honesta.
Okja (Dir. Bong Joon-ho)
Fábula moderna que mezcla cine comercial con crítica social. Bong demuestra que se puede hacer cine político sin renunciar al espectáculo ni al humor.
Si buscas qué ver en Netflix México y quieres algo que te deje pensando, aquí tienes un excelente punto de partida.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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Las películas con más nominaciones al Óscar 2026.
Desde películas con efectos visuales sorprendentes, hasta tragedias centradas en historias familiares, esta temporada de premios presentó una gran variedad de cintas que prometen una competencia reñida rumbo al cierre de la temporada, el cual se vivirá en la 98a edición de los Premios Óscar el próximo 15 de marzo de 2026. Aquí las películas con más nominaciones al Óscar 2026.
Aquí las películas que recibieron más nominaciones y sus respectivas categorías. Y revisa nuestra lista completa de nominados al Óscar 2026 y dónde puedes ver las películas (incluso los cortos).
Pecadores – 16 nominaciones

Dirección: Ryan Coogler
Son sus 16 nominaciones, Pecadores se convirtió en la película con más menciones al Premio de la Academia. El récord anterior lo tenían La malvada (1950), Titanic (1997) y La La Land (2016), con 14 nominaciones cada una. Pecadores es una historia sobrenatural, con música excepcional y, además, repleta de emoción y referencias histórico-sociales es lo que el director y guionista, Ryan Coogler, nos da con su más reciente cinta, Pecadores. En ésta, que sigue la historia de los gemelos Smoke y Stack (ambos interpretados por Michael B. Jordan), así como la de su primo, Sammie (Miles Canton), podemos observar lo que es, en realidad, un relato de opresión, racismo, herencia y apropiación cultural.
Pecadores es una producción que no deja de maravillarte, con su fotografía, su elenco y su música inolvidable.
Nominaciones:
- Película
- Actor – Michael B. Jordan
- Actriz de reparto – Wunmi Mosaku
- Guion original – Ryan Coogler
- Actor de reparto – Delroy Lindo
- Música (score original) – Ludwig Göransson
- Música (canción) – «I Lied to You», música y letra de Ludwig Göransson y Raphael Saadiq
- Dirección – Ryan Coogler
- Fotografía – Autumn Durald Arkapaw
- Efectos visuales
- Edición
- Maquillaje y peinado – Ken Diaz, Michael Fontaine, Shunika Terry
- Diseño de vestuario
- Diseño de producción
- Sonido
- Casting – Francine Maisler
Una batalla tras otra – 13 nominaciones

Dirección: Paul Thomas Anderson
Considerada ya como una de sus mejores obras, Paul Thomas Anderson adapta la novela Vineland de Thomas Pynchon para convertirla en una ambiciosa obra cinematográfica. Con un presupuesto de producción de alrededor de $130 millones de dólares es, hasta ahora, también su más costosa.
La cinta sigue la historia de un grupo de revolucionarios (Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Benicio del Toro) que, tras 16 años de haberse separado se ven obligados a enfrentarse a fantasmas de su pasado, esta película brinda cierta frescura al mezclar temas de lealtad, política y amistad.
Nominaciones
- Casting – Cassandra Kulukundis
- Fotografía – Michael Bauman
- Música (score original) – Jonny Greenwood
- Sonido
- Película
- Dirección – Paul Thomas Anderson
- Actor – Leonardo DiCaprio
- Actor de reparto – Benicio del Toro
- Actor de reparto – Sean Penn
- Actriz de reparto – Teyana Taylor
- Guion adaptado – Paul Thomas Anderson
- Diseño de producción
- Edición
Frankenstein (2025) – 9 nominaciones

Dirección: Guillermo del Toro
Uno de los monstruos más importantes de la cultura popular es tomado por Guillermo del Toro para ser llevado a la pantalla grande. Sin duda, el director mexicano plasmó su pasión y obsesión por Frankenstein y convirtió su versión de esta novela en una de las producciones cinematográficas más reconocidas del año.
Una cinta que relata una historia emocional y gótica, invita a uno a cuestionarse qué es realmente la humanidad y si es que ésta es exclusiva del hombre. Frankenstein (2025) innova con los escenarios y elementos tradicionales de la historia y, junto con sus actores y equipo detrás, brinda una nueva perspectiva a la historia.
Nominaciones
- Fotografía – Dan Laustsen
- Maquillaje y peinados – Mike Hill, Jordan Samuel, Cliona Furey
- Música (score) – Alexandre Desplat
- Sonido
- Película
- Actor de reparto – Jacob Elordi
- Guion adaptado – Guillermo del Toro
- Diseño de producción – Tamara Deverell (diseñadora de producción), Shane Vieau (decoración de set)
- Diseño de vestuarios – Kate Hawley
Marty Supremo – 9 nominaciones

Dirección: Josh Safdie
Inspirada en el jugador de tenis de mesa Marty Reisman, esta cinta dirigida por Josh Safdie experimenta con la ficción que se puede crear a partir de una persona real. La comedia dramática sigue el ascenso de Marty (Timothée Chalamet) dentro del mundo del deporte de tenis de mesa profesional, donde muestra cómo la arrogancia del protagonista lo lleva a consecuencias inesperadas. Safdie retrata los límites que puede romper una persona en la búsqueda de la grandeza.
Nominaciones
- Casting – Jennifer Venditti
- Fotografía – Darius Khondji
- Película
- Dirección
- Actor – Timothée Chalamet
- Guion original – Josh Safdie, Ronald Bronstein
- Diseño de producción – Jack Fish (Diseñador de producción), Adam Willis (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Miyako Bellizzi
- Edición – Ronald Bronstein, Josh Safdie
Valor sentimental – 9 nominaciones

Dirección: Joachim Trier
El nuevo drama del director Joachim Trier (La peor persona del mundo, 2021) explora la compleja relación entre un padre ausente y sus dos hijas. Tras años de distancia, Gustav Borg (Stellan Skarsgård) intenta reconectar con su hija, Nora (Renate Reinsve), a través de la única manera en la que sabe relacionarse: el arte. Nora, llena de rencores y de traumas personales, se resiste a formar parte del proyecto de su padre. Trier no sólo retrata la conexión de un director con el proceso creativo de su películas, sino que profundiza en las fracturas personales ocasionadas por la familia y sobre cómo el arte puede ser utilizado como un puente capaz de reparar la conexión entre una familia que se desarrolla en ese ámbito.
Nominaciones
- Película
- Película Internacional (Noruega)
- Dirección – Joachim Trier
- Actriz – Renate Reinsve
- Actor de reparto – Stellan Skarsgård
- Actriz de reparto – Elle Fanning
- Actriz de reparto – Inga Ibsdotter Lilleaas
- Guion original – Joachim Trier, Eskil Vogt
- Edición – Olivier Bugge Coutté
Hamnet – 8 nominaciones

Dirección: Chloé Zhao
Este drama histórico, dirigido por la ganadora del Óscar de dirección en 2021, Chloé Zhao (Nomadland), nos adentra en la creación de la obra más famosa de William Shakespeare: Hamlet. Basada en la novela de Maggie O’Farrell, la película retrata el profundo duelo de Shakespeare y su esposa Anne (a veces Agnes) Hathaway, tras la pérdida de su hijo de 11 años, Hamnet. Zhao experimenta con la representación de este dolor, enfocándose en lo íntimo de la familia, el duelo, la fragilidad de la vida y aquello que nos inspira a crear arte. Con su narrativa contemplativa y emocional propia del cine de Zhao, no es sorpresa ver a esta película entre las principales nominadas.
Nominaciones
- Casting – Nina Gold
- Música (score) – Max Richter
- Película
- Dirección – Chloé Zhao
- Actriz – Jessie Buckley
- Guion adaptado – Maggie O’Farrell, Chloé Zhao
- Diseño de producción – Fiona Crombie (Diseño de producción), Alice Felton (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Malgosia Turzanska
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La dramaturgia cinematográfica en las escenas de juego: por qué las mesas de cartas ganan a los slots
Pregunte a cualquier cinéfilo cuál es su momento favorito relacionado con el juego en una película y, muy probablemente, la escena que describirá tendrá que ver con un juego de cartas. Ha habido escenas icónicas construidas en torno al blackjack y al poker, con dramáticos primeros planos de jugadores que intentan leer las señales de sus oponentes sin revelar las suyas propias, el empuje de las fichas sobre el tapete verde y, por supuesto, revelaciones a cámara lenta.
Pero lo que no se ve tan a menudo en la gran pantalla son dramatizaciones de jugadores sentados frente a slots. Esto puede parecer extraño, especialmente para aquellos que están familiarizados con los casinos online, donde más del 80 % de los jugadores pasan la mayor parte de su tiempo en slots. Las mejores apps de casinos y también sitios web ofrecen una amplia variedad de juegos con diferentes temas y estilos.
Sin embargo, en las películas, las escenas en las mesas de juego casi siempre predominan. Y quizás por una buena razón. Pero dado que los slots son tan importantes en el mundo real del juego y siguen siendo muy populares, ¿por qué estas máquinas icónicas han sido tan ignoradas en las películas?
Crear conflicto
La primera y más obvia razón por la que los juegos de cartas de casino tienen tanta preferencia sobre los slots en el cine se debe a la creación de conflictos. Todas las buenas historias necesitan el conflicto como fuerza motriz para hacer avanzar la trama, y no hay mejor escenario dentro de un casino que una mesa de poker, donde los jugadores compiten directamente entre sí. En los juegos de cartas como el blackjack y el baccarat, se trata más bien de una competición contra las manos del dealer.
Pero todos los juegos de cartas tienen algo más en común, y es la influencia de la elección sobre el azar. Los jugadores tienen que tomar decisiones conscientes sobre si subir una apuesta en el poker, por ejemplo, o si pedir otra carta o plantarse en una mano de blackjack. Este elemento de elección que tiene el personaje produce una sensación de que controla su destino.
Creación de personajes
La forma en que un jugador reacciona ante un momento intenso en un juego suele ser bastante reveladora de su carácter. ¿Hasta qué punto son reacios al riesgo? ¿Qué tan buenos son para farolear? Cuando la elección de la estrategia de un personaje entra en juego durante una partida de cartas, aporta mucho más a la mesa cinematográfica en términos de drama que cualquier juego en un slot.
¿Por qué? Porque el slot es externo al jugador, y todo lo que haría un personaje sería presionar un botón para girar, el drama llegaría rápidamente a un callejón sin salida.
En una escena dramática de poker, el personaje principal intenta lograr algo, que en gran medida consiste en burlar a un antagonista. A menudo, este es un mecanismo para avanzar en la trama o para resolver algo. Una vez más, el personaje que juega es tan importante como el juego en sí, porque sus habilidades o sus defectos deben influir en el resultado del juego, relevante para el desarrollo de la trama.
Por supuesto, dado que todos los juegos de casino se basan en el azar, la suerte sigue siendo un elemento importante; es la naturaleza misma de los juegos de casino. En el mundo del cine, aunque la suerte sigue existiendo en las representaciones de los juegos de cartas, es realmente la agencia de los jugadores lo que define la escena.
¿Cuál será su decisión cuando sepan que no tienen una buena mano en el poker? ¿Se arriesgarán para ganar una partida de blackjack? Esto introduce factores que también profundizan un poco más en el personaje.
Esto se debe a que lo que está en juego para el personaje es extremadamente personal, lo que genera una gran tensión y dramatismo. Un personaje podría perder fácilmente una oportunidad por falta de criterio, o ver cómo su inteligencia en el juego alcanza un nivel completamente nuevo al enfrentarse a oponentes experimentados y despiadados en la mesa de poker.
Suerte mediocre
Dado que las máquinas de casino funcionan con generadores de números aleatorios para garantizar la imparcialidad, son el epítome de la suerte. Ver a un personaje jugar a una de ellas no tendría el mismo impacto dramático que los juegos de cartas. Imagínese una escena en la que un jugador gana una mano de poker crucial bajo una enorme presión gracias a su astucia, después de apostarlo todo en un último intento desesperado.
Ahora compárelo con un personaje que gana el premio gordo en un slot. Debido a la aleatoriedad de los slots, no habría una tensión intensa; la victoria simplemente ocurriría de la nada y eso, a su vez, probablemente haría que los espectadores pusieran los ojos en blanco ante un momento tan deus ex machina.
Por el contrario, si el personaje no ganara un premio mayor en un slot, sería muy decepcionante, aunque se base en gran medida en la realidad, ya que las posibilidades de ganar uno son matemáticamente muy escasas.
Los juegos de cartas ganan por goleada
Para un drama sobre el juego, nada supera a un juego de cartas en un casino. Desde la configuración hasta la competitividad de las rondas de apuestas y el enfrentamiento final, los juegos de mesa permiten subtextos importantes, como la exteriorización del conflicto interno.
Por eso los juegos de cartas se han utilizado una y otra vez en películas como Apuesta final (Rounders) y Casino Royale; porque son un medio formidable para poner a prueba los nervios y tienen consecuencias enormes, angustiosas y sobrecogedoras.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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