Cine y Tv
Jane Fonda: actriz de películas e icono político
Jane Fonda colecciona en su biografía, además de reconocidas películas, una serie de sucesos que podrían pasar en los titulares como chismes o anécdotas de ocasión, pero que en realidad son más relevantes de lo que parecen. Sin importar que la actriz ya tenga 83 años de edad y se pueda decir que ya pertenece a otra generación, el pensamiento activista de la actriz está más actualizado que nunca y es más interesado que el de muchos otros de sus compañeros de la industria.
Fonda es reconocida por su carrera en la actuación, por su constante lucha política en varios temas preocupantes para la humanidad, e incluso por su gran influencia durante los inicios de la cultura del wellness en Estados Unidos. A continuación repasamos por qué Jane Fonda es una figura influyente tanto dentro como fuera de sus películas.
Jane Fonda, la actriz de películas
Antes de ser reconocida como una gran actriz de cine, Jane Fonda fue modelo e incluso portada en varias ocasiones de la revista Vogue durante los años 50. Si bien nació en una familia más que acomodada, e incluso podría calificarse como aristocrática, su realidad no fue del todo cómoda. Cuando tenía 12 años su madre se suicidó cortándose la garganta con una navaja y aunque su padre intentó ocultar la manera trágica en que ésta había fallecido, la realidad surgió a la luz gracias a los medios de comunicación ocasionándole un trauma que desembocó en una bulimia que le acosó durante más de dos décadas.
No obstante, su trabajo como modelo persiguió siempre fines económicos. Fonda trabajó incansablemente para pagar su carrera como actriz en clases con Lee Strasberg, el padre del «método». Precisamente fue él quien le convenció de que definitivamente tenía talento para la actuación. Y así años más tarde consiguió su primer protagónico en la película Me casaré contigo de 1950 a lado de Anthony Perkins. De allí su carrera fue en constante ascenso y ahora se le recuerda como la actriz de más de un par de clásicos de los sesenta como Barbarella (1968), Walk on the Wild Side (1962) o Barefoot in the Park (1967).
Sin embargo, no fue hasta la siguiente década cuando obtuvo el reconocimiento de la propia industria. Gracias a They Shoot Horses, Don’t They? (1969) obtuvo su primera nominación al Óscar, premio que ganó dos años después por Klute (1971), en donde interpretó a una sexoservidora telefónica que asiste a un detective en la resolución de un crimen. En 1979 obtuvo su segunda estatuilla por Coming Home (1978), un filme que se liga íntimamente con el conflicto bélico en Vietnam. Su participación en ésta película, bien pudo o no, ser una consecuencia de su pensamiento político para que entonces ya despertaba cierto furor y comentarios varios entre los miembros de Hollywood.
La mujer del abrigo rojo
A Jane Fonda también se le recuerda por su constante lucha política y sus ideales fuertemente representados en declaraciones fotografías e incluso arrestos varios. A finales de la década de los 60, varios episodios trágicos en su vida le orillaron a escapar a la India en busca de reflexión interna. Sucesos como la Guerra de Vietnam, el asesinato de Martin Luther King y la pobreza que experimentó en dicho país le obligaron a regresar a los Estados Unidos con otro pensamiento y una determinación totalmente diferente que le ha marcado hasta la fecha.
A su regreso se convirtió en activista política. Apoyó constantemente el movimiento de los derechos civiles y encabezó marchas continúas que condenaban la Guerra de Vietnam. Durante aquella época, muchos compatriotas y compañeros actores le observaron con recelo e incluso recibió críticas que la calificaron de traidora de la patria. Su intenso activismo desembocó en el apodo de Jane Hanoi, después de un viaje que realizó a Vietnam en donde convivió con soldados vietnamitas y posó con ellos para algunas fotografías.
Experimentó la cárcel por primera vez en 1970 cuando a su regreso de un viaje a Canadá, en donde participó en manifestaciones en contra de la Guerra de Vietnam, se le detuvo en el aeropuerto de su país bajo pretexto de unas pastillas que cargaba con ella. No eran más que vitaminas, pero el episodio y sobre todo la fotografía de la ficha policial con la actriz alanzando el puño en señal de protesta se convirtieron en historia.
A lo largo de los años, la actriz no ha dejado de lado su preocupación política y los temas que afectan a la humanidad. Además de luchar por los derechos civiles, protestar contra el racismo, las víctimas de acoso sexual, o el fin de la creación de armas nucleares, en la actualidad se preocupa fervientemente por el cambio climático. Inspirada por Greta Thunberg, en el 2019 Fonda participó en varias protestas en Washington que condenaban la inmovilidad de los políticos ante la agenda apremiante ecologista.
Durante cinco semanas consecutivas fue arrestada por la policía en medio de las protestas. Sin importar que la primera vez fuera llevada a prisión con 80 años, la actriz resolvió en usar entonces un llamativo abrigo rojo que pudiera ser visto por las cámaras y por los medios de comunicación, durante sus arrestos y lo que estuvieran por venir. «¿Ves este abrigo? Necesitaba algo rojo, así que salí a buscar y encontré este abrigo en oferta. Es la última prenda de ropa que voy a comprar», le dijo a los medios, cuando la policía le colocaba las esposas y la escoltaban a una patrulla.
La fotografía de Fonda con el abrigo rojo y las manos esposadas en alto, se convirtió en la segunda instantánea histórica de una actriz que no tiene miedo a expresar su ideología. Más icónico fue todavía cuando se presentó en la gala de los premios Óscar en 2020 repitiendo un vestido que había llevado al Festival de Cannes del 2014. Desde luego era una prenda roja, pero por si eso no fuera suficiente, también colgó su abrigo rojo del hombro, un símbolo político de la Jane Fonda de nuestros tiempos.
La estética deportiva de Jane Fonda
El rostro y voz de Jane Fonda no sólo resulto icónico en sus películas y en fotografías de contextos políticos. A decir verdad, a la actriz también se le debe la creación y posicionamiento de una estética deportiva que resuena hasta nuestros días. ¿Recuerdas el video de la canción «Hang Up» de Madonna? ¿O el más reciente «Physical» de Dua Lipa? Ambos beben del estilo workout que predominó en los videos musicales y las películas de los 80 en donde las grandes estrellas eran mostradas en amplios espacios y gimnasios haciendo ejercicio con música predominante de sintetizador.
Jane Fonda fue la primera que lo hizo y no como parte de un relato de ficción. Su obsesión con los aerobics comenzó a finales de los 60 y por ello tuvo la idea de plasmar los beneficios de dicho ejercicio en un libro con ejemplos y tablas de instrucción. Cosa que eventualmente hizo en Jane Fonda’s Workout Book, sin embargo, Stuart Karl, quien por aquel entonces era dueño de una productora de videos caseros del emergente formato VHS le propuso la idea de trasladar sus ejercicios al audiovisual.
En principio la actriz mostró cierto recelo ante la idea, sobre todo por su estatus de gran estrella de Hollywood, pero pronto se dio cuenta de que sin su imagen, posiblemente los beneficios de los aerobics pasarían al olvido. Para ella era importante que las mujeres estadounidenses entraran de lleno a lo que ahora es llamado como cultura del wellness, por lo que al final del día (o una década) terminó realizando 16 cintas de video.
Su proyecto fue imitado hasta el cansancio desde entonces. Mujeres carismáticas y con un cuerpo bonito que instruían sobre los ejercicios que podían realizar desde casa, con música animada y la vibra carismática necesaria para impulsar lo que inició un rush sobre el cuidado del cuerpo en las mujeres de la época.
Está comprobado que este exitoso proyecto reportó ganancias millonarias tanto para la actriz como para Stuart Karl y ayudó a posicionar el formato del VHS que dominó el entretenimiento en casa prácticamente hasta el nuevo milenio. Incluso hay quienes mencionan que la actriz podría o no haber posicionado la moda de los mallones ajustados, los calentadores y varias prendas que para los gurús de la moda podrían pasar como ridículos, pero que, sin embargo, se han convertido en el uniforme por excelencia de los amantes del fitness y la cultura del wellness.
Jane Fonda: el ícono
Como una gran estrella hollywoodense, Jane Fonda es querida en la actualidad no sólo por sus películas, sino por su sencillez y su forma innata de permanecer como una elegante luminaria, a pesar de publicar fotografías de resaca con el pelo alborotado y la ropa del día anterior.
Después de haber donado el dinero obtenido por sus videos de aerobics a la fundación ecológica de su esposo de aquel tiempo, a principios de los 90 Fonda anunció su retiro de la actuación. Una promesa que rompió en 2004 cuando protagonizó una comedia a lado de Jennifer López, más tarde en un filme con el director italiano Paolo Sorrentino y eventualmente en la serie The Newsroom, de Aaron Sorkin.
Sin embargo, actualmente su proyecto más querido es la serie de comedia Grace & Frankie que estelariza junto a su amiga Lily Tomlin, un proyecto que le permitió regresar a las entregas de premios y al cariño del público contemporáneo. El ícono de Jane Fonda trasciende más allá de la actuación y sin duda es el ejemplar perfecto de lo que significa ser una gran estrella de Hollywood.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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