Cine y Tv
FICM 2020: 499, el conquistador que «descubre» el México moderno
Habiendo naufragado su navío, un militar español ha extraviado los tesoros del Nuevo Continente y ha despertado nuevamente en las costas de Veracruz. Ataviado con su armadura del siglo XVI, decide entonces volver sobre sus pasos hacia Tenochtitlán, pero un paisaje arenoso profanado por basura y una lejana cuatrimoto le dejan en claro que ésta ya no es su época. En la docuficción 499, que llega este fin de semana al Festival Internacional de Cine de Morelia 2020 (FICM 2020), un agente de la Conquista ha viajado en el tiempo hasta el México actual, donde después de casi quinientos años la violencia prevalece.
Dirigida por Rodrigo Reyes, el largometraje 499 arriba a nuestro país un año antes cumplirse el 500 aniversario de la culminación de la Conquista de México, con la caída del imperio azteca. Al definirse como «un híbrido que mezcla la no ficción con elementos dramáticos», la película sigue a este fantasmagórico Conquistador (interpretado por el madrileño Eduardo San Juan Breña) quien emprende de nueva la cuenta la denominada «Ruta de Cortés», pero en el México del siglo XXI.
En su travesía del estado de Veracruz a la moderna Ciudad de México, el barbudo protagonista entra en contacto con una serie de historias que representan algunas de las problemáticas más hirientes de nuestro país, como el asesinato de periodistas, la desaparición forzada y el feminicidio. El altivo soldado, quien en un inicio se muestra indiferente, pronto reflexiona símiles entre el contexto actual y el proceso histórico de la Conquista, además de verse desarmado ante la tragedia que sus oídos perciben.
Tras su paso por el Festival de Tribeca (premio a la mejor fotografía) y el Hot Docs (premio especial de jurado), la película 499 presume su premiere mexicana en el FICM 2020. En entrevista exclusiva con Cine PREMIERE, el director Rodrigo Reyes nos manifiesta su gusto de estar en Morelia, además de compartirnos algunos detalles en torno a ésta, su más reciente docuficción.
499 llega a Morelia en un momento muy particular para el festival, dentro del marco de la contingencia sanitaria. ¿Cómo te sientes de formar parte de esta edición?
Estoy súper contento de poder presentar la película en Morelia. Es su estreno mexicano, entonces es muy significativo que arranquemos con este festival tan importante. Y además es la primera oportunidad de presentar la película con un público en vivo, lo cual no habíamos podido hacer a pesar de que hemos estado en Tribeca y en otros espacios. Es muy lindo que la primera oportunidad surja en México, a pesar de todos los problemas que estamos viviendo este año.
¿Cómo nació la premisa de 499, sobre este Conquistador fuera de tiempo, andando la Ruta de Cortés en pleno siglo XXI? ¿Qué inquietud fundamentó el nacimiento de este proyecto?
Pues se venía encima el aniversario, ¿no? Hace cinco años que imaginamos esta película, pues ya se veían venir estos 500 años [desde la Conquista], bien redonditos y muy importantes. Pero la pregunta era: ¿Cómo haces una película sobre este tema sin caer en lugares comunes o sin reforzar narrativas nacionalistas? ¿Cómo haces algo interesante que nos ayude a aprovechar este aniversario? La idea fundamental era cómo aprovechar este aniversario para reflexionar sobre el presente, y no quedarnos tanto atascados en el pasado. Si recuerdas, en 1992, con los 500 años del mal llamado “Descubrimiento de América”, gran parte de las reflexiones no calaban. Había que recordarle a gobiernos e instituciones que había que hablar de la realidad de hoy. Entonces queríamos seguir un poco esa ruta de “hacker” de alguna manera, darle la vuelta y que nos ayudara a reflexionar sobre las urgencias de hoy.
En otras circunstancias, ¿hubieras querido que la premiere mundial de esta cinta fuera en 2021, bajo el título «500»? ¿O por qué tenía que llamarse 499 y estrenar un año antes del 500° aniversario?
Porque yo creo que justamente ahí sigue la idea de transformar el aniversario y recordarnos que sigue habiendo un trabajo incompleto. Por un lado, las prácticas de violencia y de conquista siguen ahí, siguen en pie. Por otro lado, el proyecto de transformar el país y quizá alcanzar otro futuro permanecen como una posibilidad. Entonces queríamos quitarle ese respeto al aniversario, quitarle esa cifra tan redonda y generar otra provocación. Por eso, cuando el Conquistador viene a conocer el México actual, se ve obligado a hacer cosas que él jamás haría. Él jamás estaría dispuesto a escuchar a ninguna víctima, a ningún sobreviviente. No tenía por qué, y sin embargo en este mundo raro de 499, se ve obligado a tener que escuchar y a seguir esta odisea. Entonces es una oportunidad de colarnos entre las cifras del aniversario y revelar otra realidad.
Tu película presenta estos testimonios que refieren a problemáticas actuales, distintas y profundamente graves. ¿Por qué te decidiste a incluir aquellos testimonios en particular, como el trágico caso de Fátima Quintana?
La película se plantea como una colaboración con las personas reales. Entonces yo me acercaba a ellas después de que me los presentaban amigos periodistas, amigos de confianza, y les iba platicando la tirada de la película, su tesis. Todos los testimonios están sobre la Ruta de Cortés, o sea, sobre el espacio geográfico. Entonces se van revelando estas conexiones del presente y del pasado a través de la violencia. Hablamos mucho con las personas reales, explicándoles la tesis, invitándoles a participar y ya cuando íbamos generando esa colaboración y esa confianza, pasábamos a rodar estas secuencias.
Por ejemplo, al acercarnos a un personaje como Jorge, cuyo padre, Moisés, fue asesinado [un periodista en Veracruz], hablamos bastante por teléfono y luego nos conocimos en persona. Luego rodamos la entrevista pero [el Conquistador] estaba ahí presente escuchando. [Siempre construíamos] a partir de la idea de escuchar. Si nos damos cuenta de los reclamos de muchas víctimas y muchos sobrevivientes en México y en América Latina, lo primero es escuchar: “Escúchennos, escuchen lo que nos está pasando y escuchen lo que queremos cambiar”. Ese acto de escuchar es súper poderoso y por algo no se les escucha, por algo tanta indiferencia, porque ese acto abre la puerta para una transformación radical. Creo que de alguna manera eso llamó mucho la atención a las personas, esta posibilidad de poder dialogar con alguien que representa parte del poder, que es un ladrillo en la pirámide del poder, pero te tiene que escuchar. Tiene que escuchar y algo tiene que aprender de tu testimonio. Eso movió a muchas de esas colaboraciones.
En algunos casos, la interacción de las personas reales con el Conquistador lleva a integrarlos a la ficción. Por ejemplo, figura este exmilitar que simula venderle un arma al personaje. Al momento del rodaje, ¿qué retos hubo para “dirigirlos” y hacerlos parte de la narrativa central?
Muy bien observado. Hay una escena donde está un exmilitar jugando con unas armas y con el Conquistador. Esos juegos se daban precisamente por esa confianza y por este espacio híbrido en el que estábamos, donde la película de repente borra los límites de ficción y documental.
Por ejemplo, la escena del soldado surgía a partir de esa confianza, de esa convivencia con las personas reales y la pregunta era: ¿Qué le quieres tú compartir al Conquistador? ¿Qué quieres que él entienda de tu realidad? ¿Le vas a enseñar las armas del día de hoy o le vas a enseñar el uniforme de tu hijo? ¿O le vas a compartir un poema? Entonces se iban generando diferentes interacciones, muy personales de cada quien y siempre a base de un diálogo. [Por otro lado] yo creo firmemente que en un documental tienes que dirigir, tienes que generar un punto de vista, y cada director tiene su manera de hacerlo, pero eso es lo que más se agradece: que haya un punto de vista, que la película nos lleve a algún sitio, que no se quede solamente en la observación, sino que revele algo de nuestra realidad. Por ejemplo, una cosa que a mí me gusta mucho pensar es que, de alguna manera, lo que hace la película es encarnar a un fantasma cultural que ya tenemos en México. Ya existe este Conquistador y lo que hace la película es darle cuerpo, revelarlo. Entonces eso cobró mucho sentido. Siempre que colaborábamos con la gente, decían: “Órale, pues sí tienes razón. Hay esta ruta y esta conexión con el pasado y jamás había visto mi historia en ese contexto”.
¿Cómo percibes la relación entre las atrocidades cometidas en tiempos de la Conquista y la actualidad? ¿Puede decirse que, aún después de 500 años, aquellas historias del México moderno que rescata tu película son herencia de la Conquista y el colonialismo?
Yo creo que de cierta forma estamos en un proyecto colonial que no ha terminado, que sigue en pie y sigue operando en México. Y no hablo de que vienen los españoles a tratar de controlarnos. No es algo tan sencillo, sino que las herramientas de la Conquista, por ejemplo la censura que imponían los españoles –quemando textos y obligando a que se olvidaran muchas cosas de las culturas originarias– tiene su símil con el asesinato de periodistas que estamos viendo hoy en México. O el uso del terror, de la violencia del terror que usaban los mexicas para imponer su dominio, lo vemos hoy en día con el uso del terror para silenciar a un periodista, para controlar a una comunidad. Yo más bien lo que veo es una transformación de herramientas que, como país, les hemos dado continuidad. Hemos reinventado esta violencia. Pero a la par tampoco creo que estemos condenados a vivir este laberinto de la soledad, el cual es una metáfora muy bonita pero para nada estamos condenados ni obligados a seguir repitiendo estos ciclos. Tenemos toda la posibilidad de romper y de exorcizar nuestros fantasmas. Para mí eso es un poco la coyuntura en la que estamos en México. El cambio se tiene que generar. Tenemos que romper estos ciclos.
Cuéntame un poco sobre el proceso de construir al personaje del Conquistador, quien finalmente no sólo está ahí para escuchar, sino que también presume un cierto arco de transformación. Él aprende y evoluciona durante su trayecto a la Ciudad de México.
Trabajé afortunadamente con una guionista que se llama Lorena Padilla, quien es de Guadalajara. Lorena y yo generamos un guion antes del rodaje. Cada escena tenía una intención pero sobre todo una intención emocional. Entonces en el rodaje íbamos adaptando el guion a las circunstancias. A lo mejor no rodábamos lo que estaba escrito en el guion pero sí la intención. Esas intenciones nos ayudaban a decidir qué hacer durante el viaje del Conquistador. Otra cosa fue que se rodó todo en secuencia cronológica. Empezamos con este performance, este rodaje más de experiencia, de vivir el personaje, de irlo construyendo en orden. En el primer acto, por ejemplo, tenemos la intención de la soberbia, del orgullo del personaje. Entonces todas sus acciones remitían a eso, pero ya sabíamos que en el segundo acto iba a empezar a desmoronarse y a sentir terror, y en el tercero se iba a desesperar. Teníamos estas intenciones y ya durante la filmación con el actor, con Eduardo [San Juan Breña], todo el tiempo estábamos reescribiendo, platicando, inventando nuevos acercamientos al personaje y nuevas pautas. Fue un proceso constante de ir equilibrando todas las herramientas que teníamos a la mano.
Asumida la idea de autoridad que refleja tu personaje, ¿cómo reaccionaban estas personas que brindan su testimonio ante el Conquistador? ¿Había cierto miedo, cierto rencor o siempre hubo mucha apertura de los testigos para contarle sus historias?
Justamente tuvimos suerte de encontrar personas que tenían una gran calidad humana y fueron muy generosas con el personaje, porque comprendieron que no importaba tanto el castigarlo o el tenerle un rencor, sino que él se fuera con un aprendizaje, que él aprendiera algo de cada testimonio. Creo que eso es maravilloso, esta capacidad de perdón y de empatía que nace desde las víctimas sin dejar de exigir que se les escuche. Ese es el camino. Entonces al Conquistador lo trataban así. Sabían que era una persona limitada, prejuiciosa, con muchos errores, pero que también por eso mismo tenía que escucharlos, por eso tenía que estar presente ahí y recibir algo de cada persona. Y luego todo eso, después del montaje, ayuda mucho a estructurar la película y a generar la voz en off, esta voz en off de los pensamientos del Conquistador, quien está a la vez tratando de escribir su historia. Está tratando de escribir una epopeya como las que escribieron en vida real tantos Conquistadores, las Crónicas de Indias. Él trata de escribirla también, se pone al lado de Cortés, [afirma que] él conocía a la Malinche y todo esto. Él trata de escribirse a sí mismo como una parte importante de la historia pero poco a poco su versión se va desvaneciendo, se va desmoronando, porque tiene que enfrentar esta realidad y las consecuencias de lo que él ayudó a generar.
De esta película, me quedo con la búsqueda de empatía, de saber escuchar al otro. El Conquistador finalmente se lamenta por someter y esclavizar a “mis hermanos”, como los llama, pero su destino irremediablemente adquiere un halo de amargura…
Sí, tiene que achicarse el Conquistador y aprender a borrarse porque de alguna manera su ideología tiene que deshacerse. Tiene que quemarse toda la ideología colonialista y construirse desde cero. Lo curioso es que en la investigación de esta película, que duró años, fue muy claro que en la época de la Conquista ya existía esta reflexión que criticaba los abusos y los errores de ese proceso. Ya había muchos curas en particular que señalaban, criticaban y abogaban por otro modelo, por respetar más los derechos de los pueblos originarios. Ya había estas críticas y no las quisieron escuchar muchos de ellos, como el Conquistador.
499 es una de tantas producciones fílmicas que se han consolidado gracias a los fideicomisos, los cuales están cada vez más cerca de su extinción. ¿Qué opinión te merecen las recientes medidas gubernamentales?
499 es una película guerrera. Recibió el Foprocine. Con el Foprocine y el apoyo de Sundance y Tribeca, hicimos la película, además de con fondos míos y de los productores Inti Cordera y Andrew Houchens. O sea, ¿dónde está ahí el esquilme? ¿Dónde está la corrupción en una película que se hizo con muchas agallas y muchas ganas? Yo creo que estos fondos son fundamentales. Mis últimas dos películas también cuentan con el Foprocine. Nadie se está haciendo rico con un fideicomiso en el cine, por lo menos entre los directores que conozco. Todos están chambeando con lo que pueden y estirando cada peso que se les otorga para hacer grandes películas que nos han ganado reconocimientos a nivel México por todo el mundo. Se ha alzado en alto el nombre del cine mexicano. Hemos incidido, hemos sido influencia, estamos en la conversación de la cultura del cine a nivel global gracias a los fideicomisos. Entonces de alguna manera tienen que reconstruirse y reponerse si hace falta que implementen alguna medida de seguridad o de revisión. Adelante, pero lo que no puede ocurrir es que de repente desaparezcan estos fondos que en realidad nos ayudan a sobrevivir, y no a nosotros como personas sino a nuestras películas. Cuesta tanto hacer una película en términos de tiempo y esfuerzo que estos fondos, yo creo, son fundamentales para llegar a la meta.
El largometraje 499 puede verse gratuitamente en línea, a través de Cinépolis KLIC, hasta las 13:30 horas del domingo 1 de noviembre.
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La popular serie Oshi no Ko hace su cierre en la gran pantalla. La intriga y enredos de Aqua, Ruby y su madre Ai se desenlazan en un evento cinematográfico. Aquí te contamos lo que debes saber sobre la película Oshi no Ko: El último acto:
¿De qué trata Oshi no ko: El último acto?
La historia de Oshi no ko comienza con el doctor Gorou Amamiya, un ginecólogo-obstetra que ayuda en secreto a la famosa idol Ai Hoshino a dar a luz a sus hijos gemelos. La noche del parto un fanático obsesivo de Ai aparece y asesina a Gorou, pero algo inesperado sucede. Gorou reencarna como Aqua, uno de los gemelos de Ai, y él está consciente de los recuerdos de su vida anterior. Sin saberlo, su hermana Ruby también es la reencarnación de otra persona; Sarina Tendōji, una paciente de Gorou que era fanática de Ai.
Cuatro años después del nacimiento de los gemelos, Ryōsuke, el fanático que asesinó a Gorou reaparece molesto por que la idol ha traicionado su amor teniendo hijos en secreto y mata a Ai. El fanático se quita la vida, pero Aqua cree que su padre biológico es cómplice del asesino y le proporcionó la información de dónde encontrar a su madre. Así que el niño decide vengar la muerte de la idol.
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Doce años más tarde, Miyako Saitō, la dueña de la agencia de talentos de Ai, Strawberry Productions, ha adoptado a los niños. Aqua y Ruby ya adolescentes, han seguido los pasos de su madre en el entretenimiento. Ruby trabaja en convertirse una idol, mientras que Aqua se ha desenvuelto en la actuación. Utilizando su posición dentro del espectáculo, Aqua pretende utilizar sus contactos y amistades para localizar a su padre y cobrar cuentas.
La película tiene lugar después de los eventos de la serie. La distribuidora Madness Entertainment comparte la siguiente sinopsis:
En Oshi no Ko: El último acto, la búsqueda de venganza de Aqua Hoshino alcanza su clímax mientras secretos del pasado y traiciones salen a la luz. Dividido entre hacer justicia y proteger el legado de su madre Ai, Aqua se enfrenta a las sombras del despiadado mundo del entretenimiento. Mientras tanto, Ruby brilla como estrella, pero su éxito oculta heridas profundas. Cuando sus caminos se cruzan en una revelación que sacude la industria, deberán elegir: ¿destruir la oscuridad que los une o dejar que los consuma? Un final impactante lleno de drama, giros y emociones desgarradoras”.
Producción de la película Oshi no Ko: El último acto
Oshi no Ko originalmente fue creada en el año 2020 como una serie de manga publicada en la revista Shūkan Young Jump de Shūeisha. Es una historia escrita por Akasaka Aka (Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Ren’ai Zunōsen) e ilustrada por Mengo Yokoyari (Kuzu no Honkai). Ha sido adaptada a anime por el estudio Doga Kobo (YuruYuri) y recientemente serializada como drama de televisión para Amazon Prime Video.
La película Oshi no ko: El último acto cuenta con el mismo equipo de producción de Ryûsuke Imoto para la serie live-action. Smith retoma su posición en la dirección para la película, Ayako Kitagawa como guionista y la banda sonora compuesta por Fox Capture Plan. El elenco está compuesto por Kaito Sakurai (Vivant) como Aqua Hoshino, Nagisa Saito (Algún día seré la novia de alguien) como Ruby Hoshino, Asuka Saito (Light of My Lion) como Ai Hoshino, Nanoka Hara (Suzume) como Kana Arima, Mizuki Kayashima (To Be Killed by a High School Girl) como Akane Kurokawa, y Ano (Adam by Eve: A Live in Animation) como Mem-cho.
¿Dónde puedo ver la serie Oshi no ko?
La serie live-action de ocho episodios está disponible en Amazon Prime. Además puedes encontrar las dos temporadas de la serie de anime en Netflix. Una tercera temporada del anime está planeada para estrenarse en el año 2026.
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¿Dónde ver la película Oshi no ko: El último acto?
Cinépolis tendrá en exclusiva la película Oshi no Ko: El último acto únicamente un fin de semana, los días 21, 22 y 23 de febrero de 2025.
Póster oficial
Tráiler de Oshi no Ko: El último acto
Victor Recinos “El Collecto” El cine me ha acompañado toda mi vida en un viaje de emociones, a través del tiempo, la imaginación y mundos mágicos de colores; desde galaxias muy lejanas hasta la realidad. Gracias al cine soy: creativo, otaku, Jedi, replicant, Batman y parte Cine PREMIERE.
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Corría 1996 cuando la periodista, novelista y guionista Helen Fielding lanzó El diario de Bridget Jones, novela escrita en forma de diario donde una mujer con más de treinta años hacía un recuento de su vida profesional, familiar y amorosa. De inmediato se convirtió en un éxito, pues le hablaba con veracidad a mujeres que, como su protagonista, enfrentaban más de un obstáculo para realizarse en todos los sentidos. Varias décadas después, Bridget Jones se convirtió en la protagonista de queridas y exitosas películas, demostrando que más de una persona se identificaba con ella.
Working Title Films adquirió los derechos en 1997, y pronto se puso en marcha la primera adaptación cinematográfica. Nombres como Helena Bonham Carter, Cate Blanchett y hasta Kate Winslet fueron considerados, y al final Renée Zellweger se convirtió en la elegida. Más de 25 años después, no queda duda de cuán acertada fue la decisión.
¿Cuántas películas de Bridget Jones se han hecho?
El diario de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2001)
Bridget Jones es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver, su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy, un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido.
La película se convirtió en un éxito de taquilla en Estados Unidos, donde mantuvo caídas pequeñas durante varias semanas gracias al boca a boca. En el Reino Unido su taquilla fue una locura, y a pesar de las críticas por la elección de Zellweger (que no era británica), el público cayó rendido. La cinta consiguió una nominación a los BAFTA, y Zellweger incluso llegó a contender por el Óscar a la Mejor actriz, algo no muy común para las comedias románticas.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bridget Jones: Al borde de la razón (Dir. Beeban Kidron, 2004)
Todo parece felicidad en la vida de Bridget. Vive con Mark Darcy y ya dejó a Daniel, su mujeriego exjefe. De pronto llega la atractiva Rebeca, quien pone problemas en la relación de Bridget y Mark. Los celos, la inseguridad y la tentación laboral -esta última de nuevo junto a Daniel- amenazan con pisotear el sueño de Bridget en un enredo que involucra malos consejos, peores malentendidos y verdaderos desastres que sólo le podían pasar a ella.
A pesar de sus locaciones en Austria y hasta las referencias a Orgullo y prejuicio (en su versión creada por la BBC), las críticas fueron terribles. Se le acusó de ser predecible, abusar de los gags sin sentido, y de convertir a su protagonista prácticamente en un chiste. Su taquilla bajó en Estados Unidos, pero creció a nivel mundial, llevándola a ser aún más exitosa que su antecesora. Renée Zellweger repitió su nominación a los Globos de Oro como Mejor actriz en una película musical o de comedia.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
El bebé de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2016)
El cuento de hadas parece haber terminado. Bridge terminó su relación con Mark, por lo que se encuentra soltera y recibiendo los 40 años. Decidida a empezar un nuevo capítulo, se concentra en el trabajo y aprovecha para rodearse de todos sus amigos. or una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control. Pero su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack, un galán que tiene todo lo que no tiene el Sr. Darcy. Al descubrir que está embarazada, Bridget entra en pánico: no sabe quién es el padre del hijo que espera.
La cinta se anunció un lustro después de la segunda película, pero con su historia se tomó una decisión inesperada: basarla en las columnas escritas por Helen Fielding, no en la tercera novela de la saga. Hugh Grant no participó en esta entrega, pues mostró su descontento con la primera versión del guion, y posteriormente no se le encontró una forma de encajar en la trama. Las críticas fueron tan positivas como con la primera cinta, pero no hubo presencia en grandes premiaciones.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Bridget Jones: Loca por él (Dir. Michael Morris, 2025)
En la cuarta entrega de la saga se vive una tragedia. Bridget ahora es madre soltera de Billy, de 9 años, y Mabel, de 4. Tristemente, quedó viuda cuando Mark murió en una misión humanitaria en Sudán hace cuatro años. Acompañada por sus leales amigos: Shazzer, Jude, Tom, su compañera de trabajo Miranda, su madre y la Dra. Rawlings, Bridget intenta encontrar un nuevo camino hacia el amor y la vida. Gracias a las apps de citas y sus nuevas relaciones laborales, un joven decide cortejarla. Al mismo tiempo, el maestro de ciencias de Billy mostrará un ligero interés en ella.
La película se confirmó a finales de 2022, y se basa en el tercer libro de la serie. Cuando el tráiler confirmó la muerte de Mark, no muchos fans quedaron satisfechos. Hugh Grant regresa a la franquicia, mientras que Chiwetel Ejiofor Y Leo Woodall se suman como los intereses amorosos.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
¿Habrá más películas de Bridget Jones?
En 2016, Helen Fielding publicó el último libro (hasta ahora) de Bridget. Curiosamente, no se trata de Loca por él, sino de aquel donde se habla sobre su embarazo. Ya hubo una película inspirada en otras publicaciones de la autora, pero los planes siempre han sido respetar el material original y la visión de Helen. Ante las peticiones de una quinta entrega y lo que podría deparar el futuro, así respondió Renée Zellweger (vía).
“Digo todo el rato que sí, pero Helen terminó ya de escribir todas las historias de este personaje y creo que es justo. Me encanta el personaje, sus experiencias vitales y me gusta reencontrarme con amigos en el set de rodaje. Creo que devolver a la vida a Bridget en cada película es algo mágico y, encima, hago nuevos amigos. Digamos que no es un mal día en la oficina”.
¿Cuál es el orden cronológico de las películas?
- El diario de Bridget Jones (2001)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (2004)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
- Bridget Jones: Loca por él (2025)
¿Cuál es el orden de lanzamiento de los libros?
- El diario de Bridget Jones (1996)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (1999)
- Bridget Jones: Loca por él (2013)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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