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De álter egos y evolucionar constantemente: Una entrevista con The Neighbourhood
Llega un momento en la carrera de todo artista donde decide cambiar por completo, porque aceptémoslo, escuchar siempre la misma canción de una banda –por más que nos guste– llega ser cansado para ambos lados, es renovarse o resignarse a repetir la misma fórmula una y otra vez. Y aunque en estos tiempos es complicado explorar diferentes sonidos y ritmos, aún hay bandas que se atreven a hacerlo, como The Neighbourhood.
Hace algunos días, la banda de California estrenó Chip Chrome & the Mono-Tones, su cuarto álbum de estudio donde dejan de ser los integrantes de siempre para crear personajes y un concepto completamente diferente. Es por eso que tuvimos chance de platicar con Jesse Rutherford, vocalista y frontman del grupo, quien nos contó sobre la inspiración detrás de su álter ego, que súper banda formaría con músicos legendarios y la historia de uno de sus más grandes rolas.
Foto: Getty
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El cambio que inició una nueva etapa en The Neighbourhood
Cuando The Neighbourhood saltó a la fama, eran unos jóvenes que de la noche a la mañana comenzaron a ser relevantes dentro de la industria musical. Con el paso de los años su sonido ha evolucionado, y los miembros de la banda también maduraron como personas y músicos, es por eso que en este momento de su carrera, decidieron dar un giro de 180 grados para renovarse, aunque este cambio tomó a muchos por sorpresa, pues de un momento a otro lucían como una banda diferente pero, ¿qué fue lo que sucedió? ¿porqué tomaron este paso tan arriesgado?
“¿Qué pasó? En realidad no lo sé, supongo que somos humanos y solo crecimos. Las cosas siempre están en constante cambio y creciendo para nosotros en este proyecto, supongo. Aprendí más cosas en la guitarra, me interesé por aprender más y eso me hizo crecer como músico.
Creo que también aprendí a apreciar lo que tengo y quería mantenerlo, más allá de intentar ganar algo más y no enfocarme en aquellas cosas que no tengo. Me enfoqué en aquello que hay en mí y lo que tenemos como banda, para poder ofrecerle algo mejor a grandes audiencias, como la de Guadalajara o la Ciudad de México, tener la habilidad de llevar nuestra música a donde queremos y que conecte de manera profunda con nuestros fans”.
Jesse Rutherford tocando con The Neighbourhood en 2019/ Foto: Getty
El nacimiento de Chip Chome & The Mono Tones
Ahora, a Jesse ya no lo vemos vestido como usualmente lo hacía. Desde el verano de 2019 comenzó a pintarse el rostro de plateado y a lucir atuendos extravagantes, sin saberlo, el público de The Neighbourhood vio el nacimiento de Chip Chrome, el álter ego del frontman de la banda, pero fue todo un proceso el que tuvo que seguir hasta tomar la decisión de mostrar otra personalidad en el escenario.
“Tenía la idea de Chip… tuve el nombre desde hace algunos años, de hecho. Así que intenté empezar a hacer música que representara o encajara con ese personaje, trabajé mucho en ello y justo cuando estábamos en el estudio grabando nuestro último disco con Columbia Records surgió esta canción (‘Middle of Somewhere’) basada en guitarra y bajo y por un momento pensé, ‘somos una banda, una banda de rock’.
“Al principio no quería esto para nosotros, ser encasillados como un grupo de rock, pero el mundo terminó diciéndonos por donde ir y por obvias razones yo no lo quise creer, pero tuve que aceptar que eso era la realidad. Y lejos de resignarme me pregunté ‘si yo fuera un rockstar, ¿qué haría?’, creo que siempre me sentí como una antigua estrella de rock cool y después comencé a pensar en qué era lo que quería ver, qué es lo que nadie está haciendo y lo que quiero ser.
Jesse Rutherford, tocando con The Neighbourhood en el festival Live Out 2019/ Foto: Getty
Las influencias para crear un álter ego
A lo largo de los años, un montón de músicos se han inventado personajes que reflejen el momento artístico y personal por el que están pasando. Casos hay muchos, y casi siempre el público los identifica ya sea porque se disfrazan y maquillan que por su verdadero rostro, es por eso que Jesse se inspiró en verdaderas leyendas a la hora de crear a Chip Chrome, a los cuales fácilmente los podemos reconocer por sus álter egos:
“Claro, en Chip hay un montón de referencias a otros artistas del pasado como David Bowie, KISS, Alice Cooper, Dolly Parton, cualquier artista que siempre sentí que tomó su imagen o estética y la mostró al mundo para presentar música muy sólida, y creo que eso era algo que nos hacía falta. No es que no hiciéramos música sólida, sino que nuestra imagen no era tan fuerte como podría ser, especialmente cuando empezamos en 2012 y 2013, nos vestíamos de blanco y negro, así éramos en ese momento y puedo recordarnos tocando casi uniformados.
“Pero cuando estábamos grabando el tercer disco pensamos, ¿por qué siempre usamos pantalones azules? Eso es jodidamente aburrido, estaba aburrido de eso, de verlo todos los días y que eso me representara casi de manera perpetua, sentía que eso no era lo que quería que la gente viera reflejado mientras tocábamos en los grandes escenarios de todo el mundo, no era suficiente para nosotros, pero después vino Chip, el líder perfecto para guiarnos y quien me ha ayudado a comprender la música rock, creo que lo necesitaba, necesitaba una visión y necesitaba una nueva imagen”.
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Los retos a la hora de llevar a Chip al escenario y una súperbanda con álter egos
Es normal que el público se quede con el ojo cuadrado cuando de un año al otro, su artista favorito suele verse y vestir diferente cuando se sube a tocar en vivo. Nadie entiende qué es lo que está sucediendo y eso le pasó a Jesse Rutherford, pues fue todo un reto conseguir que tanto sus compañeros como el público comprendieran lo que quería expresar. Y bajita la mano, también nos contó con qué músicos que han creado álter egos armaría una súper banda
“Al principio no fue fácil, terminó siendo un verdadero reto. El primer año justo en el verano todo el mundo me veía y dice ‘¿qué estás haciendo?’ Y ahora siento que todos ellos me comprenden, lo cual es raro sentir para mí porque es algo que no me pasa muy seguido, pero todo esto ha sido un verdadero camino y estamos en él”.
“Esa es una pregunta muy loca y muy difícil… cuando pienso en todos esos músicos que han tenido álter egos me doy cuenta de que la mayoría son vocalistas, es complicado crear una banda de esa manera porque hay muchos cantantes queriendo pelear por el puesto, pero quizá el baterista de Gorillaz, Russell, Ace Frehley de KISS en la guitarra… ¿quién tocaría el bajo? No lo sé, no quiero que Gene toque el bajo porque tendría dos miembros del mismo grupo… está bien, yo tocaré el bajo y cantaré, seremos una banda de tres miembros”.
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El proceso de grabar un disco completamente diferente
Si son fans de antaño de The Neighbourhood, Chip Chrome & the Mono-Tones les sonará muy extraño, pues es un verdadero viaje desde la primera canción hasta la que cierra. En él pasamos por toda clase de sonidos y sensaciones, una montaña rusa de emocionar que al final termina siendo uno de los discos más ricos –musicalmente hablando– en la carrera de la banda y para el cual, intentaron de todos hasta conseguir un resultado que los convenciera por completo.
“Creo que el único cambio que hicimos a la hora de grabar este disco fue contar con Danny Parra, él coprodujo con nosotros el disco, pero creo que eso resultó grandioso porque no era el típico productor que nos trataba como si fuéramos niños inexpertos, al contrario, nos motivaba a intentar cosas nuevas y sobre todo a dejar el miedo atrás, a hacer lo que queremos y simplemente dejarnos llevar, siento que eso fue lo más especial en esta ocasión”.
La canción que definiría a ‘Chip Chrome & the Mono-Tones’
Para un artista es difícil quedarse con una sola canción que describa a la perfección el momento creativo y personal por el que está pasando. Sin embargo, en el caso de The Neighbourhood no lo es, al menos en la opinión de Jesse, pues para él “Silver Lining” –la rola que cierra su último disco– es perfecta para definir el concepto de este disco, donde cambia los papeles con Chip para traernos una historia fascinante de principio a fin.
“Siento que ‘Silver Lining’ definiría por completo este disco, porque fue la última que escribí y creo que describe todo este camino musical. La idea de Chip es algo que está en el exterior, que se adhiere a mí, como si Jesse lo necesitara, pero cuando compuse esta canción me pregunté, ‘¿qué pasaría si fuera al revés?’
“Si le diera el alma y el cuerpo de Jesse a Chip, mostrar a este ser vulnerable y dejar de lado al personaje, olvidarme de la pintura y hasta de mis tatuajes, ¿sabes? ¿Cómo sería este lado de la historia de Chip? Sentí que le traería la última esperanza cuando las cosas van mal, en el momento la escribí intenté darle un nuevo significado a todo este concepto, así que siento que esta canción es crucial para contar la historia”.
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El mensaje de este disco y las redes sociales
En discos conceptuales como Chip Chrome & the Mono-Tones, los artistas suelen intentar dejar un mensaje muy claro, que se sienta la intención de crear un álbum complejo que tenga coherencia lineal. Y en este material lo hay, Jesse Rutherford se dio cuenta de una situación muy peculiar en el internet que lo llevó a cuestionarse sobre la actitud de la que la gente en redes sociales, aunque al final cada quien es libre de interpretar lo que quiera.
“Para mí este disco fue una verdadera búsqueda de identidad, ¿sabes? Apagué el internet por nueve meses y fue muy bueno, estuve usándolo mucho y hasta cierto punto era adicto al internet desde que tenía 13 años, específicamente estaba traumado con las redes sociales. Empecé con MySpace y en aquel entonces lo usaba como una herramienta, como una herramienta creativa y después de un tiempo me di cuenta de que en estos espacios no solo se trataba de creatividad, ahora los convirtieron en lugares que te definen como persona, justo como los demás creen que eres y eso me molestó mucho”.
“En las redes sociales hay de todo, comentarios buenos y malos, ciertos y falsos, y realmente descubrí que soy muy sensible a eso. Por eso decidí apagar el internet y de alguna manera apagué mi voz en ese espacio, para enfocarme en la música y pensar qué era lo realmente importante para mí, quizá ese sea el mensaje detrás de este disco, encontrar tu propio mensaje y opinión. Sonará a cliché de artista, pero es real, creo que cada quien puede tener su propio mensaje y no me gusta imponerle algo al público”.
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La historia de “Sweater Weather”
Si hablamos de rolas que marcaron por completo la historia de The Neighbourhood, por supuesto que tendríamos que mencionar “Sweater Weather”, una de las canciones que no pueden faltar en cualquier de sus conciertos. Y aunque muchos le han dado varios significados, la realidad es que comenzaron a componerla justo cuando Jesse estaba pasando por un momento complicado, tratando de buscar su identidad, como ahora.
“Estábamos Zack, Mickey, Jeremy y yo pasándola bien. Solíamos tocar en bandas locales, bandas de hardcore diferentes, cada quien estaba en una y me conocieron por mi banda hasta que nos separamos, en ese momento empecé a rapear y todas las personas de mi ciudad me odiaban, me trataban como el peor pedazo de mierda por no querer hacer lo mismo de siempre y por cambiar. Era algo muy tonto, muchos músicos suelen ser muy crueles con los otros, pero ellos (los demás miembros de la banda) seguían aceptándome, nos hicimos amigos y comenzamos a salir a dar la vuelta, te lo juro, estábamos fuera día y noche”.
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De un momento de improvisación surgió una canción con la que se identifican los jóvenes
Justo cuando menos lo esperamos, puede surgir una canción espectacular y eso fue justo lo que pasó con “Sweater Weather”, pues nació cuando The Neighbourhood simplemente estaba improvisando. Y al final, crearon una canción que mueve masas y con la cual miles de jóvenes del mundo se pueden identificar, un mensaje sencillo y claro que demuestra la magia de la música, que puede venir en cualquier momento.
“Entonces, Zack comenzó a tocar el riff de guitarra ‘Sweater Weather’, lo tocó por meses. Un día me dijo ‘Jesse, ¿puedes grabar esto por mí?’ No me acuerdo qué era lo que quería que cantara pero lo hice y me contestó ‘uy, deja le pongo unos beats de batería’ y sonaba súper cool. Le pedí que me dejara intentar rapear o cantar sobre eso, lo único que queríamos era hacer una canción, él no estaba emocionado con la idea pero accedió y en ese momento pensamos ‘mierda, esto es muy bueno’.
“Después escribimos más canciones y el resto es historia, literalmente ‘Sweater Weather’ fue la primera canción que compusimos como banda, fue mágico, cada que lo recuerdo me dan escalofríos, es bastante simple y divertida, y los chicos se vuelven locos cuando la tocamos. En ese momento quería sentir que alguien escuchaba y eso lo encontré en la música, pienso que es así como toda la juventud se siente en algún punto, y creo que (‘Sweater Weather’) funciona porque encaja con esta generación”.
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El entretenimiento sigue presente en algunos de los principales recintos de la ciudad. Por ello, puedes consultar qué conciertos y presentaciones habrá en los principales escenarios en la selección de la agenda de Buena Vida Life & Style.
El príncipe sinfónico
El legado del cantante mexicano José José se presenta por primera vez en la ciudad con la Orquesta Sinfónica Universal (OSU), con una coproducción en gran formato que inaugura el ciclo Voces eternas de México, en colaboración con Palcco. Disfruta de un espectáculo que exalta su inconfundible voz, su intensidad interpretativa y la elegancia emocional del Príncipe de la canción, que fusiona arreglos sinfónicos inéditos y un videomapping que hace un homenaje a su historia.
Palcco.
11 de julio, 20:30 hrs.
De $600 a $1,200.
Virrey
La agrupación emergente presenta su álbum “Alacránico” con un show inspirado en los paisajes del norte de México como el desierto, la frontera y la vida nocturna. Un viaje de poderoso rock con visuales cinematográficos, un sonido moderno y una narrativa escénica en cuatro actos.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
11 de julio, 21:00 hrs.
$300.
El amor brujo
La Orquesta Filarmónica de Jalisco clausura su segunda temporada de conciertos, bajo la dirección de José Luis Castillo, con un repertorio dedicado a Manuel de Falla a través de las suites El sombrero de tres picos, siete canciones populares españolas y Amor Brujo. Como invitada estará la mezzosoprano Guadalupe Paz.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
12 de julio, 13:00 hrs.
De $140 a $600.
La bella durmiente
La compañía de danza Balanz Ballet se presentará en el escenario tapatío con esta obra del ballet clásico con l icónica música de Tchaikovsky, que será interpretada en vivo por la Camerata Femenina de Jalisco. La historia entrelaza la magia y el amor con la danza, Aurora es víctima de un maleficio del Hada Carabosse, cayendo en un profundo sueño de 100 años. Sólo un beso de amor verdadero romperá el hechizo y despertará al reino entero.
Teatro Diana.
11 de julio, 19:00 hrs.
De $580 a $800.
Otros Eventos
Orquesta Higinio Ruvalcaba
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 11 de julio, 19:30 hrs. De $100 a $230.
Cats
Con Cinema Canta. Teatro Galerías. 12 de julio, 17:00 hrs. $470, $480 y $490.
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Guadalajara dejó de ser una ciudad donde las giras internacionales hacían una escala ocasional. Para José Luis Alva Briseño, director general de Music Vibe, el comportamiento del público durante los últimos años modificó la manera en que las promotoras planean sus calendarios y abrió la puerta a una programación que reúne artistas de perfiles muy distintos, desde el rock clásico hasta el pop latino, la bachata o los corridos.
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“Con el tiempo entendimos que Guadalajara se comporta como una especie de Ciudad de México en pequeño: aquí existen públicos y mercados para prácticamente todos los géneros musicales. Por eso este año me entusiasma presentar una cartelera independiente con cerca de ocho eventos dirigidos a públicos de distintas edades, gustos y preferencias, en diferentes recintos”, explicó en entrevista con EL INFORMADOR. “Nuestro objetivo es democratizar la música, llevar propuestas diversas a distintos espacios y ofrecer espectáculos para todo tipo de audiencias”.
La empresa, fundada hace seis años, considera a Jalisco como uno de sus mercados estratégicos. En ese periodo ha promovido más de medio centenar de conciertos con artistas como Luis Miguel, Don Omar, Ana Gabriel y Ricardo Arjona, experiencia que, de acuerdo con Alva Briseño, permitió comprender mejor el comportamiento del público local y diversificar la oferta más allá de los nombres de convocatoria masiva.
Esa visión también quedó reflejada durante la presentación de la cartelera para el segundo semestre del año, donde la empresa anunció conciertos de Romeo Santos, Ricardo Arjona, Tini, Alan Parsons Live Project, Deep Purple y Junior H, entre otros proyectos. Para el promotor, el reto consiste en construir una programación donde convivan figuras consolidadas con artistas dirigidos a públicos específicos.
“Nos interesa que exista una programación amplia: conciertos para jóvenes, para quienes disfrutan de la música colombiana, para adultos, para adultos mayores y para distintos géneros musicales. Ese es el compromiso que tenemos como empresa”, señaló durante la rueda de prensa.
El Estadio Panamericano busca convertirse en una nueva sede para las grandes giras
El crecimiento de la cartelera también responde a la incorporación de nuevos espacios para espectáculos. Music Vibe considera que el Estadio Panamericano puede convertirse en una alternativa para producciones de gran formato en una ciudad donde la disponibilidad de fechas en otros recintos resulta cada vez más limitada.
“El Estadio Panamericano representa una apuesta muy importante para nosotros. No solamente queremos utilizarlo como un recinto más, sino convertirlo en una de las principales sedes para Music Vibe y también para otros promotores independientes”, asegura. “Los estadios de futbol tienen calendarios muy complicados y encontrar fechas disponibles resulta cada vez más difícil. Por eso creemos que el Estadio Panamericano puede convertirse en una alternativa muy importante para Guadalajara”.
La empresa reconoce que el primer concierto realizado en ese espacio dejó áreas de oportunidad, particularmente tras la presentación de Ricky Martin. Sin embargo, sostiene que esa experiencia permitió replantear la operación del recinto. “Cuando cometemos errores, nuestra obligación es aprender de ellos. Eso ocurrió con el concierto de Ricky Martin. Analizamos todo lo que sucedió y trabajamos para mejorar la operación del Estadio Panamericano. Y cuando las cosas salen bien tampoco debemos conformarnos. Siempre buscamos mejorar”, afirmó.
Para Alva Briseño, el crecimiento de Guadalajara como mercado de espectáculos también implica asumir riesgos con artistas que no siempre pertenecen al circuito comercial dominante. Uno de esos casos es Alan Parsons Live Project, cuyo concierto llegará el 23 de octubre a la Arena Guadalajara. “Somos una de las pocas promotoras independientes mexicanas que sigue apostando por el rock, el metal y el rock pop“, explica.
“En la Ciudad de México presentamos este tipo de conciertos con frecuencia, pero llevarlos a otras ciudades resulta mucho más complicado. Son géneros que la gente escucha y aprecia, pero no siempre se traducen en venta de boletos. Nosotros queremos romper con esa idea. Ya trajimos a Tool, Slipknot, ahora viene Alan Parsons, después llegará Deep Purple y queremos seguir construyendo esa línea de programación”, comentó.
Para el empresario, la permanencia de ese tipo de propuestas dependerá también de la respuesta del público. “Es muy importante que quienes disfrutan esta música apoyen estos conciertos. Si el público responde, podremos continuar trayendo artistas de este nivel.”
Una cartelera construida para públicos distintos
La diversidad de la programación también responde a una manera distinta de leer el comportamiento del público. Mientras algunos artistas mantienen una convocatoria masiva casi automática, otros requieren una apuesta basada más en la intuición que en los indicadores tradicionales de la industria. Alva Briseño explica que la empresa combina herramientas de análisis digital con años de experiencia como promotora para decidir qué proyectos llegan a Guadalajara. También entra en la fórmula algo mucho más importante, pero también más imprevisible: el instinto.
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“Trabajamos con dos elementos. El primero son los datos. Hoy existen muchas herramientas para medir cuántas personas escuchan a un artista en Spotify, YouTube y distintas plataformas digitales. Eso nos ayuda mucho cuando hablamos de figuras actuales. Sin embargo, con artistas históricos como Deep Purple o Alan Parsons esa información ya no resulta suficiente. Sus canciones forman parte de la memoria colectiva, pero no necesariamente aparecen todos los días en las plataformas. Ahí entra un segundo elemento: el instinto. Hay una parte importante que depende del tacto, de conocer al público, entender las características de cada ciudad y asumir ciertos riesgos. Gracias a Dios, esas apuestas nos han dado más alegrías que tropiezos”, comparte.
En el otro extremo aparece Tini, una de las principales figuras del pop latino de la nueva generación, cuya producción obligó a adaptar la operación de la Arena Guadalajara. “Tini es una estrella global. Para mí representa una nueva generación de grandes figuras del pop latino. Algo que admiro mucho de ella es el enorme respeto que tiene por su público. Entendió perfectamente el fenómeno que vivió desde Disney y decidió responder con una producción de primer nivel. Mover esa producción fue un reto importante para nosotros. En Sudamérica se presenta ante cincuenta o sesenta mil personas en estadios, y ahora podremos verla en la Arena Guadalajara con un formato mucho más cercano.”
El mismo criterio se aplica a dos artistas que Music Vibe conoce bien: Ricardo Arjona y Romeo Santos. La empresa ha trabajado anteriormente con ambos, experiencia que, de acuerdo con Alva Briseño, permitió replantear el tipo de recinto que mejor responde a las características de cada espectáculo. “A Romeo Santos ya lo presentamos en 2022 en el Estadio Jalisco y posteriormente en el Estadio Akron. A Ricardo Arjona lo trajimos hace cuatro años al Auditorio Telmex, donde ofreció cuatro conciertos con localidades agotadas. Ese aprendizaje nos permite tomar mejores decisiones. Con Arjona entendimos que, por su agenda, ya no resulta viable pensar en cuatro conciertos consecutivos como ocurrió anteriormente. Hoy la apuesta consiste en ofrecer una única presentación en un recinto con mayor capacidad.”
En el caso del cantautor guatemalteco, la expectativa también gira en torno al crecimiento de la producción escénica. “Quienes asistieron a la gira Blanco y Negro recordarán una producción extraordinaria. Ahora encontrarán un espectáculo todavía más grande. Ricardo Arjona posee una capacidad muy particular para conectar con el público. Muchos asistentes dicen, incluso en tono de broma, que compran un boleto para ir a llorar, y eso habla del nivel de identificación que consigue generar con sus canciones.”
Romeo Santos, por su parte, llegará con un planteamiento diferente al de sus presentaciones anteriores en Guadalajara. “Queremos ofrecer una experiencia más cercana. La intención es reducir el aforo para que el público viva un concierto mucho más íntimo. Queremos que quienes realmente son seguidores de Romeo Santos puedan sentir una conexión distinta con el escenario y que todo el espectáculo se convierta en una experiencia completamente sensorial”, explica.
La estrategia también contempla formatos alejados del concierto tradicional. Entre ellos figura la experiencia inmersiva inspirada en Minecraft, actualmente instalada en la Ciudad de México y cuya llegada a Guadalajara permanece en análisis. “Nos interesa mucho traerla, pero primero debemos asegurarnos de que existan las condiciones logísticas y económicas para desarrollar una experiencia de esa magnitud.”
Más allá de la cartelera
Para José Luis Alva Briseño, el objetivo de Music Vibe no consiste únicamente en sumar nombres reconocidos a la agenda de espectáculos. La apuesta, afirma, pasa por ampliar las posibilidades de una ciudad que, desde su perspectiva, ha dejado de depender de las giras que antes concentraban sus esfuerzos en la capital del país.
“Queremos consolidarnos como uno de los dos o tres principales promotores de entretenimiento en Guadalajara. Nos hemos atrevido a desarrollar proyectos que quizá otros no habrían intentado. Traer a Deep Purple, Alan Parsons, Tini o llevar a Luis Miguel a un estadio cuando la tendencia era presentarlo únicamente en arenas son decisiones que implican asumir riesgos”, dice.
“Nuestro objetivo no es convertirnos en la promotora más importante para los artistas o para las estadísticas. Lo verdaderamente importante es que el público de Jalisco nos considere una empresa que hace bien las cosas y que sigue elevando la calidad de la oferta de entretenimiento en la ciudad”, finalizó.
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Tini – Futttura World Tour
Recinto: Arena Guadalajara - 16 de octubre de 2026
La Reina del Flow Live
Recinto: Arena Guadalajara - 23 de octubre de 2026
Alan Parsons Live Project
Recinto: Arena Guadalajara - 31 de octubre de 2026
Romeo Santos – Más cerca de ti
Recinto: Estadio Panamericano - 16 de noviembre de 2026
Ricardo Arjona
Recinto: Estadio Panamericano
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Deep Purple
Recinto: Arena Guadalajara - 29 de enero de 2027
Junior H
Recinto: Estadio Jalisco
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Taylor Swift pagó esta elevada cifra por la seguridad de su boda; decenas de policías blindaron el recinto
La cantante Taylor Swift pagó 160 mil dólares por los permisos policiales para proteger su boda con Travis Kelce, celebrada el pasado fin de semana en el estadio Madison Square Garden de Nueva York, según divulgó este viernes el alcalde de la ciudad, el demócrata Zohran Mamdani.
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¿Cuánto pagó Taylor Swift por su boda?
La estrella del pop “ha pagado ya el costo del permiso que fue presentado, que fue de unos 160 mil dólares para ese evento y para la respuesta a ese evento”, comentó Mamdani en una rueda de prensa no relacionada, sobre el despliegue de seguridad que implicó cortes de tráfico y numerosos policías.
Al alcalde se le preguntó si la artista pagó las horas extras trabajadas por los policías, pero este no respondió directamente y solo señaló que últimamente la ciudad acogió varios momentos “históricos”, incluyendo la victoria de los Knicks en la NBA.
La ceremonia se celebró en un ambiente privado
La pareja organizó el viernes una cena para cien invitados y el sábado celebró la recepción y ceremonia nupcial ante un millar de celebridades. Ambos eventos estuvieron sumidos en la privacidad pese a tener lugar en el céntrico estadio de Manhattan antes del festivo del Día de la Independencia.
El perímetro de seguridad solicitado a las autoridades implicó que la zona fuera blindada al tráfico de vehículos y peatones, con decenas de policías apostados en los alrededores del Garden durante buena parte de esos dos días.
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Según ha trascendido en medios de la farándula, la pareja no escatimó en lujos en su boda, desde el traje y el vestido de alta costura de Dior que lucieron ambos hasta las decoraciones personalizadas, pasando por una rifa de regalos que contenía bolsos de diseñador y un Chevrolet Chevelle de 1970.
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