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Comic-Con: Charlize Theron y la importancia de la mujer en el cine de acción

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4 años ago

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Charlize Theron no sólo es reconocida en Hollywood por su talento y versatilidad, también porque en los últimos años se ha inclinado de alguna forma al cine de acción, situación que le ha dado una etiqueta de ser aquella actriz que representa la fortaleza de un protagónico femenino en cintas que muchos consideran exclusivas para hombres… Pero ella cree que en realidad la situación va más allá de eso.
Así lo explico en el panel de Comic-Con @ Home, Charlize Theron: Evolution of a Badass – An Action Hero Career Retrospective.

En la entrevista virtual, la actriz hizo una retrospectiva de su carrera en filmes como La vieja guardia, Mad Max: Furia en el camino, Atómica, Æon Flux y La estafa maestra. A pesar de haber incursionado en estos filmes del género de acción, la actriz considera que no tiene afinidad por un género en particular a la hora de trabajar, pero que el interpretar personajes audaces le ha dejado cuestionando muchos aspectos del trabajo femenino en la acción.

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En primer lugar, Theron explicó que cuando filmó La estafa maestra en 2002, es cuando se dio cuenta de que a las mujeres en el género se les daba un trato diferente cuando a ella la citaron a entrenamientos seis semanas antes que a sus compañeros de reparto, lo cual le pareció «insultante».

Sin embargo, dicha cinta fue la que le dio un motivante a su capacidad de hacer sus propias escenas de acción cuando logró dar una vuelta de 360 en un coche.

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A pesar de haber ganado coraje gracias a hacer sus propios stunts y trabajar en cintas que requieren un alto rendimiento para llevar a cabo coreografías de pelea como Atómica, Theron reveló que al ser mujer también te encuentras en una posición de desventaja muy frustrante al hacer estos trabajos, ya que de alguna forma tiene la presión de que si no hace bien su trabajo, puede ser que no vuelva a tener la oportunidad de trabajar en ello en un futuro. Esto complementando que la edad también es un factor importante para los realizadores.

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Al seguir trabajando en cintas del género, Charlize ha buscado explorar historias donde las mujeres puedan ser las protagonistas que tengan una personalidad que va más allá de ser una buena madre o un buen interés amoroso. Resalta que un buen contraste de sus personajes en cintas de acción, además de su gran fortaleza y habilidad, es que son personajes que te dan la oportunidad de contrastar esa rudeza con su verdadera fragilidad y humanidad más allá de saber usar armas o pelear.

Dice que esto es importante a la hora que cualquier mujer que vaya al cine a verla en estas cintas, ya que espera que se pueda proyectar en ciertas características.

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Charlize Theron cree que estamos en un excelente momento donde ya se está haciendo una reinvención del género, pero que de parte de las mujeres dentro de la industria tiene que haber una presión hacia destacarlas en películas donde se les retrata como heroínas de acción que las niñas y adolescentes puedan admirar y ver como si fuera algo normal. Charlize termina por reflexionar sobre el miedo y cómo ha cambiado su perspectiva gracias a estas cintas, ya que no se considera inmune al miedo, sino que al contrario, se motiva por el mismo y lo enfrenta.

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Si quieres ver el panel de Comic-Con @ Home de Charlize Theron completo puedes ingresar en el siguiente enlace. De igual forma, si quieres conocer más sobre la programación de la emblemática convención para disfrutar desde casa, puedes ingresar aquí.

La entrada Comic-Con: Charlize Theron y la importancia de la mujer en el cine de acción se publicó primero en Cine PREMIERE.

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FICM 2024: Fechas, programación, invitados y todo sobre la 22ª edición

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2 días ago

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septiembre 25, 2024

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Cine y Tv

‘La Mostra’ de Venecia será el primer festival de cine presencial desde que comenzó la pandemia

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3 días ago

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septiembre 23, 2024

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CINE
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EFE.- A principios de 2020, cuando se empezaron a cancelar grandes eventos por la pandemia, muchos no esperábamos que la crisis sanitaria durara tanto. Ahora, a inicios de septiembre, llega una gran noticia para los amantes del cine: La Mostra será el primer certamen cinematográfico presencial de la época del Covid-19.

También conocido como el Festival Internacional de Cine de Venecia, este magno evento se llevará a cabo del 2 al 12 de septiembre de este año. Y, como dice el director de La Mostra, Alberto Barbera, el cine “no puede permitirse seguir bloqueado”.

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“Hemos decidido celebrarlo de todos los modos porque creemos necesario lanzar una señal de optimismo y solidaridad con la industria del cine“.

“Es hora de reabrir porque no podemos permitirnos permanecer confinados durante mucho tiempo”, sostuvo Barbera, a pocos días del comienzo de del certamen más memorable de Venecia.

El virus no ha logrado detener al festival de cine internacional más antiguo del mundo, instituido en 1932, aunque estuvo a punto, pero lo cierto es que influirá fuertemente en su celebración.

La Mostra in extremis

El director del festival, enredado en la vorágine de los preparativos finales, no esconde los desvelos que vivió en las últimas semanas al ver que su evento podría acabar suspendiéndose.

Esto parecía posible debido a la suerte de algunos de sus más directos competidores, como el francés de Cannes.

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Durante la primera mitad del año parecía imponerse el pesimismo y todo parecía apuntar a que no sería posible realizar el festival. “Sólo a finales de mayo, cuando se redujeron las medidas de confinamiento (en Italia) empezamos a comprender que la situación mejoraba”, rememora.

La duda entonces era si merecería la pena celebrar La Mostra con menos películas y estrellas. Y a mediados de junio se apostó por seguir adelante pero, eso sí, aplicando estrictos protocolos de seguridad.

Foto: Shutterstock

Venecia y su mensaje de optimismo

Ahora todo está listo y Venecia aspira a lanzar un mensaje de optimismo: dejar claro que se puede seguir disfrutando del cine si se respetan las indicaciones sanitarias al pie de la letra. El porvenir de la industria depende de cómo se adapte al contexto de la pandemia.

“Creemos que se puede hacer. Esperamos que el festival pueda convertirse en una suerte de laboratorio en este sentido”.

“Que sirva como ejemplo para otros, que pueda ser la demostración de que si se respetan todas las medidas y protocolos se puede comenzar a volver al cine y a grabar películas”, defiende Alberto Barbera.

El futuro del Séptimo Arte depende de que logre adaptarse a esta nueva normalidad. Así, la idea es defenderlo y perseverar en celebrarlo justo cuando vive uno de sus momentos más aciagos.

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Por lo tanto este año cabe esperar que La Mostra sea “muy diferente a la habitual”, adelanta Barbera. Los cubrebocas, la distancia y por supuesto la desinfección estarán a la orden del día.

Una de las cuestiones más comentadas es la ausencia de
Hollywood. Este año no se esperan grandes estrellas en el Lido veneciano como
en las ediciones pasadas, siempre impregnadas de glamour.

Barbera reconoce que este ha sido un precio a pagar con tal de celebrar el certamen porque las grandes productoras como Netflix prohíben a sus directores y actores viajar por el riesgo de contagio de coronavirus, lo que supondría paralizar los rodajes.

No obstante La Mostra también contará con grandes figuras como las actrices Tilda Swinton o Frances McDormand. Además, asistirán directores de la talla de Amos Gitai, Andréi Konchalovski o Pedro Almodóvar, que estrenará su primera obra en inglés, La voz humana.

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“Soul”, la nueva película de Disney que reflexiona sobre la vida con el jazz

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4 días ago

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septiembre 23, 2024

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CINE
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EFE.- Si en Inside Out se adentraba en el cerebro de los seres humanos, en Soul Pete Docter busca en el alma para construir una historia que funde música y sueños, en la primera película de Pixar con un protagonista afroamericano, que es una nueva joya de estos estudios de animación.

Quizás le falta la irreverencia de Toy Story, la perfección de Wall-E, la magia de Coco o el humor de Los Increíbles, pero Soul es un gran compendio de los 25 años que lleva Pixar revolucionando el mundo de animación.

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Preciosista hasta en el más mínimo detalle, Soul completa el estudio del interior de las personas que Docter comenzó en Inside Out y lo hace en clave existencialista, tratando de responder a una de las preguntas clave de la humanidad: ¿cuáles son las razones de identidad de cada ser humano?

La respuesta es la que busca Joe, un músico dedicado a la enseñanza que por fin consigue su gran oportunidad, actuar en un club de jazz acompañando al piano a la cantante Dorothea. Pero surge un pequeño obstáculo: se muere.

Cuando se ve en la escalera que le lleva al cielo, hace lo imposible por regresar a la Tierra, pero acaba en el ‘Great before‘, el lugar en el que las nuevas almas reciben sus personalidades antes de nacer como seres humanos.

Dos mundos muy diferentes, el colorista y vertiginoso Nueva York en el que vive Joe y el paisaje de nubes azules y rosadas en el que se mueven las blanquecinas almas mientras esperan encontrar la chispa que complete sus características.

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El contraste entre ambos mundos es evidente y no solo por los colores. La música, las voces y hasta el ritmo de la narración es completamente diferente, hasta el punto de que parecen dos películas vinculadas por un solo personaje.

Pero son precisamente esas diferencias las que dotan a la película de una unidad difícil de entender sólo con el planteamiento inicial.

Foto: EFE

Hay que ver el filme –ya en Disney+-, para entender la idea que le surgió a Docter cuando hace 23 años nació su hijo. El realizador se dio cuenta de que el bebé tenía su propia personalidad desde el mismo instante de su nacimiento.

“¿De dónde le venía? Yo creía que la personalidad se desarrolla a medida que interactúas con el mundo. Pero estaba claro que todos nacemos sabiendo de forma muy certera quiénes somos”, explica Docter en las notas de producción de Soul.

Con ese punto de partida, Docter, Kemp Powers (codirector) y Mike Jones elaboraron una historia en la que la música es una parte central y vuelve a ser un elemento diferenciador de los dos mundos en los que se mueve Joe.

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Para la música de jazz de la vida de Joe en la Tierra, fue Jon Batiste el encargado de la composición que acompaña a las escenas de Nueva York. Y para las del universo de las almas los encargados fueron Trent Reznor y Atticus Ross, de Nine Inch Nails.

Además, para las diferentes versiones ling\u00fcísticas de la película se eligió a cantantes populares para interpretar alguno de los temas principales.

Es el caso de Pablo López que compuso e interpretó Escucha la vida para la versión española, o de la colombiana Greeicy Rendón, que canta para la latinoamericana Así es la vida.

Una película concebida para ser exhibida en cines, como resaltó Docter en un encuentro virtual con periodistas unos días antes de que Disney anunciara que se estrenaría directamente en la plataforma debido a la pandemia. 

No se cobrará un extra, como sí se hizo con Mulán, pero en el trasvase a la pequeña pantalla, Soul ha perdido parte de su alma, que necesita de una sala de cine para brillar en todo su esplendor. 

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