Estados Unidos conmemora desde este martes el centenario del nacimiento de Miles Davis (1926-1991) con conciertos y retrospectivas en Nueva York, Los Ángeles o Chicago para recordar al trompetista que revolucionó el jazz y expandió sus límites a lo largo de cuatro décadas de carrera.

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La programación musical se extenderá durante semanas

En la Gran Manzana, el arquitecto del jazz moderno protagoniza una programación especial que se extenderá durante varias semanas, con ciclos dedicados a su figura en salas históricas como el Blue Note, el Village Vanguard, el Teatro Apollo o el Lincoln Center.

Más allá del mero homenaje retrospectivo, los programas combinan interpretaciones de sus piezas más emblemáticas con composiciones inspiradas en su universo sonoro, así como sesiones educativas, películas y encuentros con artistas que conectarán su obra con la evolución del jazz en el siglo XXI.

El Lincoln Center ha organizado mesas redondas con músicos, productores e historiadores que analizarán el impacto de álbumes como ‘Kind of Blue’ (1959), considerado uno de los discos más influyentes del siglo XX, o ‘Bitches Brew’ (1970), que marcó un giro hacia la fusión del jazz con el rock y la música experimental.

Mientras, el espacio The Apollo Stages at The Victoria, vinculado al icónico teatro, acogerá el día 29 una proyección especial y un coloquio moderado por el saxofonista Antonio Hart, con la participación del baterista Vince Wilburn Jr., sobrino del músico, y la académica Monica L. Miller para abordar su influencia en el desarrollo del género y su impacto en el hip hop y el soul.

De Chicago al bebop neoyorquino

Y en Chicago, uno de los primeros grandes epicentros del jazz fuera de Nueva Orleans y ciudad clave en la formación de Davis, que se crió en el estado de Illinois, ha organizado conciertos en Millennium Park para este verano, así como actividades educativas en el Chicago Jazz Institute. La ciudad evocará el paso de Davis por la escena local, donde entró en contacto con músicos del Medio Oeste que moldearon su estilo antes de mudarse a Nueva York en 1944 para sumarse a la efervescente escena del bebop.

Allí, Davis entró en contacto con figuras clave como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Max Roach, con quienes dio forma a esa nueva gramática del jazz que impulsaría su proyección internacional.

Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: A Century of Cool’

En la costa oeste, la Musichead Gallery de Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: ‘A Century of Cool’, con instantáneas inéditas de grandes fotógrafos del jazz, mientras que el Grammy Museum presentará otra exposición con trompetas, partituras originales y material de sesiones de grabación junto a músicos como John Coltrane o Herbie Hancock, colaboradores clave durante su carrera.
Reediciones y lanzamientos inéditos

Reediciones y lanzamientos inéditos del trompetista 

En la efeméride de su nacimiento no podían faltar reediciones y lanzamientos inéditos como los que ofrecerá el sello Columbia Records, que ha confirmado ya la publicación de grabaciones en directo nunca antes editadas de sus giras de los años 60 y 70. Las principales plataformas de ‘streaming’ también han puesto el foco en su catálogo, con ediciones remasterizadas de algunos de sus discos más emblemáticos -‘Kind of Blue’ continúa siendo uno de los álbumes más escuchados de jazz en Spotify- y la recuperación de grabaciones que abarcan desde su etapa en los sellos Prestige y Columbia hasta sus últimos trabajos.

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Muchas de estas reediciones vienen de la mano de Legacy Recordings, que ha restaurado directos para publicar cajas completas que incluyen cuadernos de notas, fotografías y otros documentos de época, con la idea de que el oyente reconstruya el proceso creativo de las sesiones.

Criticado por los más puristas del jazz, pero venerado por crítica y público, su actitud desafiante, sus reinvenciones, su estética inconfundible —gafas oscuras, trajes impecables y presencia minimalista— y su sonido introspectivo, alejado del virtuosismo de la época, lo convirtieron en un referente del género.
Davis, que creció en un entorno marcado por la segregación racial, trascendió además el ámbito musical para convertirse en un símbolo de la cultura afroamericana y una figura admirada por desafiar las normas sociales de su tiempo.

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AS

Sonny Rollins, mundialmente conocido y aclamado como el “Coloso del Saxofón”, falleció este lunes a los 95 años de edad, marcando el fin definitivo de una era dorada para el jazz a nivel internacional y dejando un legado musical que perdurará por siempre en la historia.

La triste y sorpresiva noticia fue confirmada a través de las redes sociales oficiales del artista y respaldada por su representante, Terri Hinte, detallando que el lamentable deceso ocurrió en la tranquilidad de su residencia ubicada en Woodstock, Nueva York, rodeado del cariño de sus seguidores a la distancia.

Cabe resaltar que los comunicados oficiales emitidos hasta el momento no han especificado una causa de muerte exacta ni han revelado detalles médicos adicionales sobre sus últimos momentos.

Sin embargo, fuentes cercanas al entorno del músico y diversos reportes de prensa indican que el legendario artista se encontraba retirado de los escenarios desde el año 2014, lidiando con severas complicaciones respiratorias y diversos problemas físicos propios de su avanzada edad.

El último adiós a una leyenda en Nueva York y su visión espiritual

“Con gran pesar y profundo cariño anunciamos el fallecimiento de Sonny Rollins”, rezaba la emotiva publicación oficial que rápidamente conmocionó a toda la industria musical, generando una ola de tributos por parte de los más grandes amantes del saxofón alrededor del mundo entero.

La página web del aclamado músico también aprovechó la ocasión para compartir una profunda reflexión que él mismo había expresado en vida durante una entrevista: “Creo que cuando la persona creativa termina su existencia, continúa en la siguiente etapa de forma trascendental”.

Rollins siempre mantuvo una visión sumamente trascendental sobre el ciclo de la vida y la muerte, afirmando con convicción que “esta vida no lo es todo”, una filosofía muy particular que logró impregnar en cada una de sus magistrales improvisaciones musicales sobre los escenarios.

Un legado imborrable junto a Miles Davis y otras figuras históricas

Nacido el 7 de septiembre de 1930 en el vibrante barrio de Harlem, Rollins creció rodeado de la efervescencia musical de sitios emblemáticos como el Teatro Apollo y el Savoy Ballroom, un entorno privilegiado que forjó su inigualable talento desde una edad muy temprana.

Durante las prolíficas décadas de 1950 y 1960, el virtuoso saxofonista trabajó codo a codo con gigantes indiscutibles de la talla de Miles Davis, Thelonious Monk y Clifford Brown, consolidando un estilo único y revolucionando el género del jazz por completo para las futuras generaciones.

Su estilo inconfundible, caracterizado por una creatividad melódica sin precedentes, una improvisación magistral y una constante experimentación sonora, lo llevó a ganar múltiples galardones de prestigio internacional, incluyendo codiciados premios Grammy que reconocieron su invaluable aportación a la cultura musical contemporánea.

Datos clave sobre la vida y obra de Sonny Rollins

Para entender la verdadera magnitud de su pérdida, destacan estos puntos clave en su carrera:

• Innovación constante con álbumes históricos como “Way Out West”.
• Retiros estratégicos para perfeccionar su técnica y explorar filosofías orientales.
• Múltiples reconocimientos, como la Medalla Nacional de las Artes y premios Grammy.

Su regreso triunfal a la música en los años 70, fuertemente impulsado por el apoyo incondicional de su esposa Lucille, demostró que su capacidad para reinventarse era verdaderamente inagotable, dando paso a una prolífica etapa de grabaciones de estudio y exitosas giras mundiales.

Hoy, el mundo entero despide con honores no solo a un músico excepcional y disciplinado, sino a un verdadero coloso que, a través de la magia de su inigualable talento, logró que la música tocara las fibras más profundas del alma humana para siempre.

CT

Entre los gritos de los pájaros, vegetación de la jungla, aleteos de cotorros y guacamayas, el grupo argentino Los Pericos enterraron fragmentos de su pasado y de su historia la mañana de este lunes en el aviario del Parque Agua Azul de Guadalajara, en un gesto de agradecimiento a la ciudad donde tuvieron muchos de sus conciertos más importantes, y como un gesto a futuro: la música los trascenderá y los sobrevivirá, pues cuando ya no quede ninguno de ellos vivo en este mundo, las canciones de Los Pericos seguirán siendo cantadas en América Latina.

Como parte de su nuevo material discográfico, “Inmortal”, los Pericos realizaron el acto simbólico de dejar una cápsula del tiempo, resguardando objetos de valor sentimental, mensajes e imágenes que capturan el instante que la banda vive ahora, pero que también recopilan el universo sonoro que han construido desde hace décadas: diez canciones inéditas que, en un testimonio vivo, fueron resguardadas en el aviario del Agua Azul, y que en medio siglo, esperan sea redescubierto, resignificado y sentido por nuevas generaciones.

“Escogimos Guadalajara porque es la primera ciudad que nos recibió después de que nos volvimos masivos. Tenemos una conexión tremenda con el público acá, tremenda”, asegura Willie Valentinis, conversando con EL INFORMADOR. “Después, el Parque Agua Azul porque tocamos muchas veces en la Concha Acústica; es un lugar emblemático para nosotros. De los shows más lindos que hicimos en México fueron acá. Y después tenían el aviario, que era un lugar ideal para la cápsula del tiempo. Es un poco como preservar para el futuro. Es un mensaje hacia el futuro: preservación de la Tierra, semillas, nuestra música que nos va a trascender, etcétera. Y justo lo que hacen acá es eso: conservar cosas para las futuras generaciones; aves, plantas, mariposas. Es un pulmón dentro de la ciudad”.

“Eso es muy importante y nosotros estamos muy agradecidos de que nos hayan permitido dejar acá la cápsula del tiempo, la verdad. Les gustó la idea y nos pareció un lugar hermoso para hacerlo”.

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Con cuatro décadas de trayectoria, Los Pericos miran hacia el futuro con este acto simbólico de la cápsula del tiempo; al respecto de cómo esperan ser recordados en medio siglo, luego de cuarenta años de granjearse el amor de fanáticos de todas las edades y de todas las generaciones, el guitarrista Juan Alfredo Baleiron dice que han entregado al tiempo canciones accesibles, para todos, que espera superen la prueba del mismo tiempo. Hasta ahora lo han conseguido: cuatro décadas no las consigue cualquiera.

“Si la música es buena, no importa. Hoy escuchamos música de hace siglos y está igual de buena. No importa el género, la moda actual, lo que escuchen los chavos o la gente más grande. Si está bueno, está bueno. Y creo que ya con 40 años de carrera creemos que esas canciones van a quedar bien. Dentro de 50 años van a seguir siendo fáciles de escuchar, entendibles y lindas, porque son lindas”, compartió.

Casi medio siglo después, para Juan Alfredo Baleiron y Willie Valentinis sigue siendo sorpresivo cómo llegaron hasta donde están hoy, después de haber iniciado este camino sin más aspiración y esperanzas que las de crear música. Es decir: todo lo demás ha sido inesperado. “Nomás dijimos, hay que hacer música y ver qué ocurre. Pero incluso hoy nos pasa eso también“, dice Diego. “Siempre hacer un disco nuevo es ver qué ocurre, si a la gente le va a gustar. No casarte con tu pasado y decir lo que quieres decir hoy. El disco es una foto de un momento musical tuyo. Entonces hay canciones que han pasado el tiempo y están mejor que nunca, y canciones que tal vez ya no te representan tanto. Es lo que pensabas en ese momento. Estas canciones son lo que nosotros queremos dejar para el futuro de este momento. Hay canciones como “La Tierra”, que tiene un mensaje ecológico, canciones de amor o invitados con los que siempre quisimos colaborar, como Sabino. Pero la música de un disco siempre es una fotografía musical de lo que vive el grupo en ese momento”.

En la misma línea, los músicos reconocen que, aunque ya no son las mismas personas que crearon las canciones de hace décadas, han disfrutado contemplar la música como un espejo de lo que alguna vez fueron, de lo que han sido, de lo que son hoy. “Las canciones pasan por muchas etapas. Más allá de lo lindas que sean o de cuánto nos gusten, te marcaron en un momento y las tocaste mucho. Por ahí te cansaron. Después las vuelves a escuchar desde otra perspectiva”, dice Juan Alfredo Baleiron. “Quizás cuando uno es más joven, con los éxitos reniegas un poco: “Ay no, esta canción la escucha todo el mundo”. Y después te amigás y lo disfrutás porque uno madura, crece y amplía la percepción de uno mismo, de lo que hizo y de cómo era”.

“A veces, cuando eres más joven, ves una foto de cuando eras niño y te incomoda. Ya cuando res más grande decís: “Qué lindo todo lo que viví, todo lo que hicimos”. Nosotros hicimos todo convencidos, nos gustara más o menos. No tenemos nada de lo que realmente nos arrepintamos. Todo lo que hicimos lo hicimos con ganas, inspirados. Hay canciones que con el paso del tiempo se pusieron mejor y otras que quedaron un poco perdidas, pero a todas les pusimos mucho amor y ganas”.

La banda agradece al gobierno municipal

Por último, Los Pericos agradecieron al Gobierno de Guadalajara por las facilidades que les concedieron para llevar a puerto este proyecto que es significativo para ellos como banda, como memoria del tiempo, y como agradecimiento a una ciudad a la que le tienen afecto, y que los recibió de brazos abiertos desde siempre. Guadalajara no es la única ciudad en la que Los Pericos dejarán cápsula, pero sí tendrá ese pedacito de memoria, esa tiempo enterrado de lo que han sido.

“Guadalajara ha sido espectacular. De entrada dijeron que sí. Para nosotros este espacio es importante porque la Concha Acústica es un sitio muy emblemático en nuestra carrera, donde hicimos cinco o seis conciertos muy grandes. Y también tiene una parte natural que nos gustaba mucho. Todas las cápsulas las fuimos dejando en lugares emblemáticos de cada ciudad, que tengan relación con la ecología y con todo eso. En Mendoza dejamos una en una montaña; en Salta será en el Tren de las Nubes; y acá, en este parque. Entonces todo eso nos parecía importante, y dijeron que sí enseguida. Así que estamos muy agradecidos”, finalizó Willie Valentinis.

“Inmortal” marca además el regreso de la banda a un disco de canciones inéditas, consolidando así un presente que respeta su legado y lo proyecta hacia un futuro.

1. Corazón Cristal Ft. Abel Pintos
2. Amor Bonsai Ft. El Plan de la Mariposa
3. Los Latidos Ft. Denny Denan (Timbalada)
4. Inquilino en el Espacio Ft. Facundo Soto (Guasones)
5. La Tierra Ft. Néstor Ramljak (Non palidece)
6. Inmortal Ft. Sabino
7. Baila el cielo
8. Corre
9. Soledad
10. La Verdad

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OB