Musica
Conciertos: Memoria afroamericana en clave sinfónica
La memoria como gesto sonoro, el ritual como forma de comunidad y la orquesta como espacio político. Bajo esa premisa se articula el quinto programa de la Primera Temporada de la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ), que será dirigido por la violinista y directora chilena Alejandra Urrutia, primera mujer en ocupar la dirección de la Orquesta de Cámara del Teatro Municipal de Santiago. Los conciertos serán los días jueves 5 y domingo 8 de marzo, a las 20:30 y 12:30 horas, respectivamente.
El programa, construido a partir de una sugerencia inicial de la propia orquesta, adquirió su forma definitiva cuando Urrutia incorporó una obra de Gabriela Lena Frank, completando así un arco que atraviesa el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, la fisicalidad del sonido percusivo, la espiritualidad andina y el imaginario del oeste norteamericano.
“Fue una sugerencia de la misma orquesta el repertorio y yo incluí también una obra de la compositora Gabriela Lena Frank”, explica la directora, en entrevista con EL INFORMADOR. El concierto abre con “Variaciones Montgomery”, de Margaret Bonds, una creadora afroamericana discípula de Florence Price cuyo legado comienza apenas ahora a ser plenamente revalorado. La obra fue escrita en 1964, tras los acontecimientos de Birmingham, Alabama, en el contexto del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos, y está dedicada a Martin Luther King Jr.; de hecho, para Urrutia, no se trata solo de una partitura con referencia histórica, sino de una pieza que transforma un acontecimiento político en forma musical.
“El programa comienza con una pieza de Margaret Bonds, una compositora norteamericana que escribió una obra que se llama ‘Variaciones Montgomery’, pensando en Montgomery, la capital de Alabama en Estados Unidos. Es una obra que ella dedicó a Martin Luther King Jr. y fue inspirada en todo el movimiento de los derechos civiles de los afroamericanos en Estados Unidos”, explica.
De los siete movimientos originales, la OFJ interpretará tres. La directora detalla que el núcleo emocional del fragmento seleccionado está en la marcha, inspirada en el boicot a los autobuses tras el acto de resistencia de Rosa Parks en los años cincuenta, detonante simbólico de una transformación estructural en la historia estadounidense. La serie completa transita de la esperanza y la determinación a la oración y la acción, reflejando el impulso espiritual y político de aquel momento histórico.
“Nosotros vamos a hacer tres movimientos de esta obra, que tiene siete en total. Vamos a hacer la marcha, que es muy interesante porque ella la escribió basada en los eventos que ocurrieron en los años cincuenta, cuando una mujer afroamericana no le cedió el asiento en un bus a un hombre blanco. Esto fue muy impactante. Debido a este acto específico hubo un antes y un después con el tema de los derechos civiles en Estados Unidos, porque fue en ese momento que comenzaron a tener más derechos, algo tremendamente importante. Esta marcha representa justamente esas caminatas que ocurrieron en esa época”.
Tras la marcha, el programa se desplaza hacia un movimiento de carácter más luminoso, que evoca la vida en el sur de Estados Unidos desde una perspectiva esperanzadora. El cierre de la obra retoma la raíz espiritual que sostiene toda la construcción, devolviendo la partitura a su origen devocional y coral.
“También vamos a hacer otro movimiento, el que sigue a la marcha, que habla de la vida en el sur de Estados Unidos, ya con un carácter más esperanzador. Y terminamos con el último movimiento de la pieza, que es una bendición. Esta obra está basada en un espiritual titulado ‘I Want Jesus to Walk with Me’. El último movimiento tiene ese carácter espiritual y devocional”, dice Alejandra Urrutia.
Dirección con identidad propia
Más allá del repertorio, la presencia de Urrutia en el podio también tiene un peso simbólico. Aunque es la primera mujer en dirigir la Orquesta de Cámara del Teatro Municipal de Santiago, rehúye convertir su trayectoria en un discurso de excepción.
“En general el estar parada en el podio frente a una orquesta ha sido un camino bastante tranquilo en ese sentido”, reflexiona la directora. “Yo creo que tiene que ver con mi formación como violinista, porque esa identidad te da autoridad. Los músicos se dan cuenta inmediatamente cuando uno sabe o cuando uno no sabe. En cada orquesta nueva intento enfocarme en la música y el hecho de que soy mujer lo dejo de lado porque en realidad no debería existir una diferencia. Si los músicos tienen resistencia frente a una directora, hay trabajo que hacer ahí, porque no debería haber diferencia entre quien esté al frente, sea mujer u hombre”.
Tras dos ensayos previos, la directora describe el proceso como un momento de materialización sonora de lo que antes solo existía en la mente.
“Uno se pasa estudiando en su cabeza y me encanta que en el proceso de ensayo uno ya escucha lo que estaba en la cabeza y el proceso es maravilloso. Hemos tenido una linda química con la orquesta y van a ser dos conciertos increíbles. La música está tomando mucha forma, es muy flexible, y la orquesta es una superorquesta. Estoy feliz de que se me haya dado la oportunidad de estar trabajando con la orquesta acá”, finaliza.
El espíritu de los Andes
El segundo eje del programa desplaza la escucha hacia la fisicalidad del sonido: el “Concierto para timbales” del compositor danés Kai Stensgaard, reconocido internacionalmente por su producción para percusión solista y particularmente por su cercanía con América Latina, donde su “Concierto mexicano” para marimba es ampliamente interpretado. De aproximadamente 16 minutos de duración, la pieza combina pasajes que evocan la música medieval con momentos de gran expresividad cinematográfica, y tendrá como invitado a Sergio Quesada en los timbales.
“Con una pieza como esta, la orquesta, en realidad, cambia como cambiaría con cualquier otro instrumentista que pasa a ser solista. La obra es muy transparente en su acompañamiento orquestal, entonces es muy fácil de seguir al percusionista”, dice la directora. “Sergio Quesada es realmente increíble y para mí es especial escuchar al timbal al lado mío y ver lo que puede lograr, que muchas veces uno no se lo imagina cuando los timbales están tocando dentro de la orquesta. Ahora es otra sensación: el solista tiene siete timbales a su alrededor y se va girando a medida que va tocando cada uno de ellos, entonces es una experiencia en 360 grados”.
La tercera pieza, “Apu”, de Gabriela Lena Frank, introduce la cosmovisión andina en clave sinfónica. El “apu” es, en la tradición andina, un espíritu de la montaña que protege y acompaña a los viajeros. La partitura inicia con una evocación del pinkillo -flauta tradicional representada en la orquesta-, continúa con un haillí solemne, una plegaria ritual, y culmina con una aparición intensa y fugaz del espíritu.
“La obra está muy bien escrita, ella -Gabriela- es una gran compositora y todos los elementos compositivos que usa son muy claros y efectivos. Yo lo único que tengo que hacer con la batuta es asegurarme de que soy precisa, pero además que haya una conexión con la orquesta. Lo que el director siempre busca es que podamos crear una versión en común basada en el trabajo de los ensayos. Para mí la obra de Gabriela Lena Frank no cambia mi rol por ser una obra más contemporánea; el rol es el mismo en todo el repertorio”, comparte Alejandra Urrutia.
CT
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A poco más de un mes de su lanzamiento, ARIRANG, el quinto álbum de BTS, mantiene al grupo en el Billboard Hot 100 por quinta semana consecutiva.
LEE: BTS llega a cines y desquicia a ARMYS mexicanos: ¡las reacciones más virales!
El sencillo principal, “Swim”, que debutó en el número 1, ha transitado por los puestos 2, 5 y 10, y actualmente se ubica en la posición 22 . En tanto, “Body To Body” figura en el lugar 95, tras haber ingresado en el puesto 25.
El buen momento del álbum coincide con la gira mundial del septeto, que tras arrancar en Corea del Sur pasó por Japón y recientemente llegó a Tampa, Miami, donde ofreció tres presentaciones en el Raymond James Stadium entre el 25 y el 28 de abril.
México será la siguiente parada del ARIRANG Tour, con fechas programadas para el 7, 9 y 10 de mayo como parte de un recorrido que contempla 31 conciertos en 12 ciudades.
 
¿Qué esperar del ARIRANG Tour de BTS?
De acuerdo con reportes de medios estadounidenses, los primeros shows han destacado por su espectáculo visual y por la interacción con el público. Los fans también han acompañado la experiencia con atuendos inspirados en la estética del álbum, en tonos negro, blanco y rojo.
El show combina temas clásicos con lanzamientos recientes y suma momentos para canciones sorpresa, además de elementos como instrumentos tradicionales y escenografías durante los cambios de vestuario.
Asimismo, se han proyectado mensajes y carteles del público en las pantallas del estadio. Desde el escenario, los integrantes han expresado cuánto extrañaban reencontrarse con sus fans.
 
BTS, curioso por México… ¡Suga, Jimin, J-Hope y V no aguantan los nervios!
Bajo este contexto, la expectativa por México ha crecido. Tras su última presentación en Tampa, Suga expresó en una transmisión en Weverse su entusiasmo por visitar el país acompañado por Jimin, J-Hope y V.
“Tengo altas expectativas sobre México”, comentó el rapero, mientras que J-Hope recordó su visita previa y aseguró que el grupo quedará impresionado. Jimin, por su parte, añadió: “Estoy esperando que llegue”.
Los integrantes también destacaron que México es uno de los países con mayor interacción en sus redes sociales.
JM
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Madonna, una vez más, demuestra ser la reina de la pista de baile, y esta vez tiene una invitada: Sabrina Carpenter. Las cantantes lanzaron el día de hoy uno de los temas más esperados de la temporada: “Bring Your Love”.
La canción que ya se encuentra disponible en las plataformas musicales, tiene una duración de más de tres minutos y medio con un estilo disco. El tema es la cuarta pista del nuevo álbum de Madonna: “Confessions On A Dancefloor: Part II”, el cual saldrá a la venta el próximo 3 de julio, marcando su regreso musical desde el lanzamiento de “Madame X”, de 2019.
“Bring Your Love” es un tema que representa la unión de dos importantes generaciones musicales al mezclar las voces de Madonna, quien durante décadas ha sido una de las figuras más importantes de la música pop, con la de Sabrina Carpenter, quien en los últimos años ha logrado construir una importante carrera en la escena musical.
Madonna y Sabrina Carpenter ya la habían interpretado en vivo durante la sorpresiva aparición que tuvo la llamada “reina del pop” en el segundo concierto de Carpenter en el festival Coachella, el pasado abril.
El lanzamiento estuvo acompañado de un video con la letra de la canción, publicado en la cuenta oficial de YouTube de Madonna. Por su parte, Sabrina realizó un posteo en Instagram en el que le agradece a Madonna por haberla invitado a formar parte de su nueva producción musical y dijo que espera poner a bailar a todos con esta nueva canción.
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La presencia de las mujeres en la música, sus procesos creativos y las distintas formas en que han construido memoria desde el sonido son el eje de “Sonoras”, la nueva exposición colectiva inaugurada ayer en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA), una muestra que reúne archivos, fotografías, instalaciones sonoras, pintura, testimonios e instrumentos para revisar el papel femenino dentro de la escena musical.
Realizada en colaboración con la Coordinación de Música de Cultura UDG y la Feria Internacional de la Música de Guadalajara (FIM GDL), la exposición permanecerá abierta hasta el 2 de agosto en la Sala 1 de planta baja del recinto universitario.
El proyecto congrega a 37 participantes y propone un recorrido que atraviesa distintas generaciones, disciplinas y formas de creación.
Curada por Regina Dorantes, Catalina Gil y Miriam Limón, “Sonoras” se construye a partir de materiales personales y colectivos que incluyen discos, partituras, notas de prensa, carteles y registros visuales que dialogan con la memoria artística de las participantes.
“‘Sonoras’ nace con la intención de poder visibilizar la actividad de las mujeres dentro de la dimensión musical aquí en la escena local”, explicó la curadora Catalina Gil en entrevista para EL INFORMADOR.
La exposición está dividida en cuatro núcleos temáticos: “Genealogías sonoras”, “El cuerpo que escucha”, “Voces de resistencia” y “Herencias expandidas”. A través de ellos, la muestra aborda desde las pioneras que abrieron camino en la música hasta las formas contemporáneas de creación interdisciplinaria que mezclan sonido, danza, fotografía y artes visuales.
“Queríamos abrir una ventana y que exista la visibilización de todo este trabajo, que muchas veces no es reconocido, tanto en temporadas actuales como en pasadas”, señaló Gil, quien además destacó que la investigación curatorial implicó un largo proceso de gestión y selección de artistas y materiales.
La curadora reconoció que el proceso de integración fue complejo debido a la gran cantidad de creadoras que podían formar parte del proyecto. “Podríamos habernos extendido muchísimo” acentuando que en Guadalajara hay mucho talento.
Uno de los aspectos que más sorprendió al equipo organizador fue la disposición inmediata de las artistas convocadas. “Siempre fue un sí”, recordó Gil. “El proceso en el que fuimos ampliando este árbol de artistas fue como una bola de nieve: una artista nos llevaba a otra y de esa manera se fue conformando toda la constelación que hoy está reunida en la exhibición”.
Para la artista, académica y cantautora Julieta Marón formar parte de la exposición representa también un ejercicio de memoria personal y colectiva. “Lo que más duele es la indiferencia y este no es el caso”, expresó. “Aquí las curadoras echaron un clavado a un desván, por decirlo así, y visibilizaron a todas nosotras, a todas las compañeras que hemos estado trabajando desde nuestras trincheras”.
Con más de cuatro décadas dedicadas a la música, la pintura, la comunicación y la docencia, Marón participa con materiales que recorren distintos momentos de su trayectoria, entre ellos un cuadro de la exposición “Del color que vivo”, la portada del disco Mexican Divas y fragmentos de una entrevista inédita realizada a la compositora Consuelo Velázquez en 2001.
“Después de que pasa el tiempo aprecias más todo: las cosas que hiciste y las personas. Esa distancia te ayuda a resignificar”, comentó la artista.
La académica recordó que aquella entrevista ocurrió en circunstancias accidentadas. La grabadora que llevaba para registrar la conversación se descompuso antes del encuentro y tuvo que conseguir otra de último momento para concretar la charla con la autora de “Bésame mucho”.
“Ahora me dan más nervios ver cómo le hice en el momento”, dijo entre risas. “En esa época no tuve tiempo de ponerme nerviosa, sino de seguir adelante. Lo único que lamento es no haberme tomado una foto con ella, porque todavía no existían los celulares como ahora, pero por lo menos está el audio”.
PARA SABER
Artistas participantes
Ana Paula Santana, Ana Ramos, Berenice Einung, Chantal Carrillo, Colectiva Tsunami, Concha Michel, Consuelo Velázquez, Emilia Gálvez, Isa Carrillo, Janine Jop, Julieta Marón, Karina Cabrera, Kuka Navarro, La Puga María, Lourdes Bonales, Mari Carmen Camarena, María Arcadia, María de Jesús Barba García, María Centeno, María Guadalupe Camacho, Mariana Motoko, Majo Petersen, Mariana San Nicolás Leyva, Marisol Jiménez, Marita Terríquez, Patricia “Pilla” R., Paula Islas, Sara Valenzuela, Sheila Ríos, Sofía Carrillo, Sofía López (Sofish), Sofía Orozco, Sofía Trejo, Sol Talamantes, Tere Estrada, Valeria Estrella y Viviana Martínez.
Trazar las “Nuevas nostalgias”
En el proyecto de “Sonoras” también participa la artista visual Marita Terríquez, quien destacó el valor afectivo y colectivo de la exposición. “Me siento muy honrada y muy alegre de participar porque ha sido un gusto coincidir con mujeres a las que he admirado y observado como creadoras y, en algunos casos, como amigas muy entrañables”.
Terríquez presenta parte de la serie “Nuevas nostalgias”, un proyecto relacionado con la memoria y la experiencia de asistir a conciertos. Entre las piezas expuestas aparece una pintura inspirada en Sara Valenzuela, figura emblemática de la escena musical tapatía.
“La música siempre ha sido algo muy importante para mí y parte de mi vida diaria, aunque me ha costado acercarme a ella como creadora”, explicó. “Entonces esta serie fue mi manera de aproximarme y generar un homenaje”.
La artista señaló que reencontrarse con archivos y trabajos de distintas etapas también le permitió revisar su propio recorrido creativo. “Ha sido sorprendente mirar hacia atrás y encontrarme con todas esas líneas de trabajo que he desarrollado”.
Además de las obras y archivos personales, “Sonoras” integra instalaciones visuales y sonoras que buscan generar una experiencia inmersiva para el público. Catalina Gil adelantó que cada núcleo combina fotografía, pintura, documentos y piezas auditivas que muestran tanto los procesos creativos como las redes de colaboración que se han tejido entre mujeres artistas.
“Lo más valioso que nos llevamos es confirmar que existe una comunidad muy fuerte dentro del campo artístico y de la música mexicana”, concluyó la curadora.
AGÉNDALO
Visita la muestra “Sonoras”
La exposición podrá recorrerse de martes a sábado de 10:00 a 18:00 horas y domingos de 10:00 a 15:00 horas en el MUSA.
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