Musica
Kraftwerk, la banda más influyente en la historia del pop
En 1997, Garry Kasparov fue vencido por la Deep Blue de IBM en una partida de ajedrez. Pero contrario a lo que esa sentencia parece (un catastrófico desenlace para la raza humana), no se trató de una simple forma de incrementar el valor de una computadora, y por ende, de una empresa.
Pura publicidad, pura imagen, pura superficialidad. Pero este evento no ha sido aislado y desde antes que sucediera, el ser humano siempre ha tenido la inquietud de revelar un conflicto con las máquinas que él/ella mismo crea. Y no sólo nos referimos a la creación misma de la máquina, sino también del problema.
10 mayo de 1997: Garry Kasparov contra Deep Blue de IBM en una partida de ajedrez. / Getty Images
Ya en 1950 Isaac Asimov escribía The Evitable Conflict sobre un sistema económico mundial dirigido por robots inteligentes que han logrado crear una sociedad económica libre de conceptos como la guerra o el desempleo. Punto para las máquinas. Pero la cosa se pone compleja.
Estás máquinas comienzan a causar problemas económicos a propósito para así poder deshacerse de figuras humanas en puestos de poder que puedan decidir dañar a las máquinas, y por ende, a los seres humanos. En resumen, el sacrificio de algunos seres por el bien de la humanidad entera. Ley de la robótica #1: Ninguna Máquina puede hacerle daño a la humanidad; o, en su defecto, permitir a la humanidad hacerse daño.
Isaac Asimov / Getty Images
¿Y quién le dijo a la máquina que razonara de esa forma?, ¿quién la programó para determinar que un ser humano debe morir a favor de la preservación de una máquina que debe proteger a la humanidad? El hombre y la mujer. Ellos son los creadores del conflicto y de las respuestas al mismo.
Pero qué pasaría si en lugar de darle órdenes a una máquina de cuidar al ser humano en sí mismo le decimos que nos ayude a preservar su memoria, su conciencia, el alma y la única cosa que nos separa del resto, la creatividad.
Eso fue exactamente lo que hicieron Ralf Hütter y Florian Schneider en la década de los 60 cuando decidieron que el ruido cotidiano podía ser música, y cuando entendieron que lo artificial se podía convertir en música. Y así fue como nació Kraftwerk.
Ralf Hütter y Florian Schneider se conocieron en el conservatorio de Düsseldorf en Alemania. Cada uno traía su escuela, pero su común denominador es que formaron parte de esa primera generación después de la Segunda Guerra Mundial que crecieron en una Alemania que tenía de todo menos el espíritu alemán (pues había sido arrebatado).
Florian Schneider, Karl Bartos, Wolfgang Flur y Ralf Hutter de Kraftwerk. / Getty Images
Algunas zonas estaban ocupadas por británicos. Otras estaban bajo el yugo comunista. Y otras no sabían para dónde voltear. Y entre estas tres, es que moldearon un gusto musical que rechazaba la música de aquellos países que los habían señalado a todos como nazis, y a su propio país con sus intenciones de superioridad y exterminio.
No se puede saber con exactitud, pero este escenario sin un referente, los condujo a un mundo de posibilidades entre varios géneros dominantes como el rock y el jazz, y por ahí se iba filtrando un sonido distinto y artificial. Y dieron en el clavo.
Kraftwerk en el Keio Plaza Hotel de Tokio en septiembre de 1981. / Getty Images
No podemos pensar en una banda o agrupación de electrónica anterior a Kraftwerk, y no hay. Quizá se pueda mencionar Organisation, la primera banda de Hütter y Schneider que logró sacar un disco titulado Tone Float que jugaba con los primeros dos géneros mencionados con anterioridad y los indicios de lo que harían después. Pero no hay más. Hicieron música desde cero.
Ahora bien. Hablamos de máquinas, pero no cómo las conocemos ahora. Kraftwerk arrancó con la automatización en sus discos Kraftwerk 1 de 1970 y Kraftwerk 2 de 1972. La banda alemana no tocaba generalmente las piezas de sus primeros discos, pero dense una vuelta con “Ruckzuck”, la primera pieza formal de Kraftwerk.
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Fue en 1974 que el hombre/máquina que hace música, la imagen que llevamos en n nuestra cabeza, nació con Autobahn… Sólo hace falta escuchar la primera pieza “Autobahn” para entender que nada nunca se había escuchado así. Y nadie tampoco ha podido imitarlo. Minimalista y tecnología, armonía.
Fue el primer disco que incluía voz y una innovación bastante interesante: una batería electrónica que sería el primer intento de una caja de ritmos creada por Wolfgang Flür en el Kling Klang Studio donde también crearon otros instrumentos que utilizaron para sonar como máquinas.
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A Autobahn, uno de los discos más vendidos en Estados Unidos, sorpresivamente, le siguieron Radio-Activity de 1975, Trans-Europe Express del 77, The Man-Machine de 1978, y Computer World del 81. Ya con estos estaba presente Karl Bartos. A partir de The Man Machine, se hizo parte de ellos la camisa roja y la corbata negra: hombre/máquina es lo mismo.
Kraftwerk “escuchaba” a las máquinas, o mejor dicho (no olvidamos las reflexiones del principio), escuchaban lo que ellos sabían podían crear con ello y con la recuperación del silencio y el ruido.
Kraftwerk en 1991./ Getty Images
La influencia de Kraftwerk está en todos lados, y es difícil no pensar en cualquier género sin reconocer que esta banda está presente. Pero primero está el pop. Kraftwerk ha sido nombrada como “The Beatles de la música electrónica” (New York Times, 1997), y son como el Star Wars del pop.
Pero también del techno, dance, dark wave, cold wave, el synthpop y hasta el hip hop. Planet Rock de Afrika Bambaataa es considerado como el primer disco de hip hop en la historia… y Kraftwerk está ahí.
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El cuarteto alemán estuvo ahí con sus tiesas presentaciones y su rechazo a lo humano tangible, apelando sólo al que es capaz de crear una pieza musical que sonara industrial, fría, dura. Irónico, pues, si pensamos en lo que ahora es la electrónica y hasta el hip hop, puro baile.
La sensación de artificialidad en la banda no sólo fue musical, sino conceptual atravesando el terreno de lo que se veía de ellos. Y el mejor ejemplo es el siguiente. La última vez que hicieron una sesión fotográfica como humanos, fue en 1978… y de ahí, la figura de la máquina, de una central de energía, de Kraftwerk.
Kraftwerk / Getty Images
La máquina y el ser humano siempre han estado en un constante conflicto de supuesta superioridad aunque irónicamente, uno no exista sin el otro y el otro ya no pueda sobrevivir sin el uno. Kraftwerk no podía existir sin la máquina, y la máquina ya no podrá sonar igual sin ellos.
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El Festival de Coachella 2026 arrancará este próximo fin de semana y contará con el regreso de grandes estrellas musicales a sus escenarios, además de una experiencia inmersiva de arte creada por Radiohead
El encuentro —uno de los más importantes de la industria musical— se celebrará en el Empire Polo Club de Indio, California, durante dos fines de semana del 10 al 12 de abril y del 17 al 19 de abril de 2026, repitiendo las actuaciones de los mismos artistas.
La cantante colombiana, Karol G, marcará un hito este domingo al convertirse en la primera artista latina en encabezar el festival, tras haber participado previamente en la edición de 2022.
Por su parte, Sabrina Carpenter, regresará al escenario principal los viernes 10 y 17 de abril como headliner de cartel. El tercer cantante que encabeza los headliners es Justin Bieber, quien cerrará las jornadas de los sábados y protagonizará su regreso formal a los escenarios tras la cancelación de su gira ‘Justice World Tour’ en 2023.
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Rock y otras sorpresas en el Coachella 2026
Si bien los protagonistas de esta edición representan el pop, el rock estará a cargo de bandas como The Strokes, The xx y el “Padrino del Punk”, Iggy Pop; también se contará con la presencia de Jack White, líder de The White Stripes, con una actuación de 45 minutos el sábado por la tarde.
Además, Coachella será el primer recinto en recibir su instalación audiovisual a gran escala ‘Motion Picture House: Kid A Mnesia’, una película compuesta por las obras de arte que Thom Yorke y el artista Stanley Donwood crearon durante la producción de los álbumes de Radiohead ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’.
Big Beat, reguetón y K-pop
Fatboy Slim, DJ pionero del big beat, ofrecerá una actuación de larga duración en la que repasará sus más de 40 años en la industria, mientras que también actuarán sus contemporáneos Groove Armada y Moby.
Si bien la presencia latina es limitada, actuarán los reguetoneros mexicanos Cachirula y Loojan, el pop rock de los colombianos Morat, el indie rock de los españoles Carolina Durante, el bedroom pop de Rusowsky, el funk de la brasileña Luísa Sonza y la cumbia de los salvadoreños Los Hermanos Flores.
A las latitudes latinoamericanas se une Creepy Nuts y Fujii Kaze de origen japonés; Taemin, quien hace debut como el primer solista de K-pop; y la banda global KATSEYE.
Mira: Netflix, HBO Max o Disney+: Qué plataforma vale más la pena pagar en abril de 2026
Lista de TODOS los artistas que se presentarán en el Coachella 2026
Viernes 10 y 17 de abril
- Sabrina Carpenter
- The XX
- Nine Inch Noize
- Disclousure
- Turnstile
- Ethel Cain
- Dijon
- Teddy Swims
- KATSEYE
- Devo
- Sexxy Red
- Central Cee
- Foster the People
- Levity
- Blood Orange
- Moby
- Marlon Hoffstadt
- Lykke Li
- Fakemink
- Gordo
- Creepy Nuts
- Joyce Manor
- BINI
- Kettama
- Groove Armada
- Joost
- HUGEL
- CMAT
- Salayyyter
- Prospa
- Hot Mulligan
- Hamdi
- Fleshwater
- Max Styler
- Wednesday
- Dabeull
- The Two Lips
- Ninajirachi
- Mac Dean x Luke Dean
- Cachirula % Loojan
- Jessica Branka
- Chloé Caillet x Rossi
- Arodes
- NewDad
- Carolina Durante
- Flowerovlove
- Febuary
- Bob Baker Marionettes
- Youna
- Sahar Z
Sábado 11 y 18 de abril
Justin Bieber
The Strokes
Jack White (solo se presentará el sábado 11 de abril)
GIVEON
Addison Rae
Labirinth
SOMBR
David Byrne
Interpol
Alex G
Solomun
Swae Lee
Taemin
Pink Pantheress
Royel Otis
REZZ
Fujii Kaze
Adriataque
Davido
Boys Noize
Geese
rusowsky
YOUSUKE YUKIMATSU
Green Velvet
Luísa Sonza
ZULAN
Los Hermanos Flores
Bedouin
Ceremony
54 Ultra
Noga Erez
Ben Sterling
Blondshell
Lambrini Girls
Ecca Vandal
Mind Enterprises
Freak Slug
SOSA
Mahmut Orhan
Riordan
Die Spitz
WHATMORE
GENESI
Yaamagucci
Domingo 12 y 19 de abril
- Karol G
- Young Thug
- Kaskade
- BIGBANG
- Laufey
- Major Lazer
- Iggy Pop
- FKA Twigs
- Wet Leg
- Clipse
- Subtronics
- Little Simz
- Mochakk
- Duke Dumont
- Worship
- Armin van Buuren x Adam Beyer
- Holly Humberstone
- Gigi Perez
- The Rapture
- Sucidal Tendencies
- BUNT
- French Police
- Black Flag
- Oklou
- Röyskopp
- The Chats
- DRAIN
- Model/Actriz
- COBRAH
- Los Retros
- WhoMadeWho
- Jane Remover
- ROZ
- Glitterer
- Carlita x Josh Baker
- MËSTIZA
- &friends
- AZZECCA
- LE YORA
- Samia
- Tomora
Con información de EFE y Vogue
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A unas semanas de su séptima edición, el Festival Akamba se prepara para volver a uno de los escenarios más distintivos de la oferta cultural y musical de Jalisco: los campos de agave que rodean el municipio de Tequila. El encuentro se realizará el 25 de abril de 2026 en los terrenos de la destilería José Cuervo, en una jornada que combinará música electrónica, arte y gastronomía dentro de un paisaje que forma parte de la identidad cultural no solo de nuestro estado, sino de México.
La programación musical continúa siendo uno de los ejes principales de Akamba, con una selección de artistas que refleja tendencias recientes de la escena electrónica internacional. Entre los DJ de la edición 2026 se encuentra el productor alemán Ben Böhmer, reconocido por sus presentaciones en formato live, así como la DJ estadounidense The Blessed Madonna y el brasileño Mochakk, una de las figuras emergentes con mayor proyección dentro de la escena electrónica actual. A ellos se suman proyectos como Adam Ten, Mita Gami, Tripolism, Zombies in Miami y María Nocheydía, quienes representan distintas vertientes del panorama electrónico contemporáneo.
Además del componente musical, Akamba incorpora propuestas de arte inmersivo y gastronomía que complementan la experiencia del público. La presencia de espacios gastronómicos y zonas de descanso responde a la intención de ofrecer una jornada prolongada en un entorno abierto, donde los asistentes puedan recorrer distintas áreas del recinto mientras disfrutan de la programación artística, integrando entretenimiento con la contemplación del paisaje agavero.
Para la edición 2026, también se reforzarán las condiciones logísticas del evento, con áreas de sombra y puntos de hidratación distribuidos en el recinto, medidas que buscan mejorar la estancia de los asistentes. Con boletos disponibles desde $1890 pesos, Akamba es una de las propuestas musicales más visibles dentro de Jalisco, al ofrecer una experiencia que articula música, arte y entorno natural en un mismo espacio. La permanencia del festival a lo largo de siete ediciones refleja el interés por eventos que integran la música electrónica con uno de los escenarios más representativos de la región.
Visita el sitio http://akamba.mx para saber más.
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El cantautor uruguayo Jorge Drexler regresará a Guadalajara para presentar su nueva etapa musical con un concierto en el Auditorio TELMEX, recinto que recibirá la “Gira Taracá”, un espectáculo concebido como una experiencia íntima y emocional que busca conectar al público a través de la palabra, la música y la sensibilidad escénica.
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¿Cuándo es el concierto de Jorge Drexler en Guadalajara?
La cita será el 27 de febrero de 2027 a las 21:00 horas, como parte del recorrido internacional con el que el artista comparte su más reciente material discográfico. La venta general de boletos iniciará el viernes 10 de abril a las 11:00 horas, disponibles a través de Ticketmaster y en las taquillas del Auditorio TELMEX, estas últimas sin cargos por servicio. Los precios van de los 990 a los mil 800 pesos, dependiendo de la zona.
Con más de tres décadas de trayectoria, Drexler se ha consolidado como una de las voces más singulares de la música contemporánea en español. A lo largo de su carrera ha publicado quince discos de estudio y ha llevado su propuesta a escenarios internacionales, construyendo un universo artístico caracterizado por la experimentación sonora y una profunda exploración poética.
Su obra destaca por entrelazar música, literatura y conocimiento, con letras que transitan entre la emoción y la reflexión científica, creando un lenguaje propio que busca tender puentes culturales y emocionales entre distintas sociedades.
“Taracá”, el nuevo capítulo de Drexler
El concierto forma parte de la promoción de “Taracá”, un álbum que representa un nuevo capítulo creativo para el músico. El proyecto plantea un diálogo entre generaciones, territorios y estilos musicales, tomando como eje el candombe uruguayo, ritmo que funciona como hilo conductor del disco. A través de once composiciones, el material combina la fuerza del tambor con una narrativa lírica que privilegia la palabra como elemento central.
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El título del álbum —una aféresis de “estar acá”— juega también con el pulso del tambor chico y propone una idea de comunidad musical. El trabajo reúne colaboraciones con artistas y agrupaciones de distintos contextos, entre ellos la Rueda de Candombe, Américo Young, la murga Falta y Resto, la rapera puertorriqueña Young Miko, el guitarrista Julio Cobeli y la cantaora flamenca Ángeles Toledano, configurando un mosaico sonoro que dialoga con diversas tradiciones musicales.
La producción estuvo a cargo de Lucas Piedra Cueva, Mauro, Tadu Vázquez, Gabo Lugo, Facundo Balta y el propio Drexler, con mezcla de Carles “Campi” Campón y masterización de Fred Kevorkian.
Para esta gira, el cantautor presenta un espectáculo completamente renovado, acompañado por siete músicos en escena. La propuesta escénica retoma el espíritu colectivo del álbum y coloca al candombe como eje rítmico del concierto, donde las canciones de Taracá compartirán espacio con temas emblemáticos de su repertorio.
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