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La trágica y emotiva historia de “Tears in Heaven” de Eric Clapton
Lo que necesitas saber:
“Tears in Heaven” es un clásico de Eric Clapton como solista. Pero detrás de esta canción hay una historia dolorosa para el guitarrista.
Hay canciones que escuchamos y que quizá, por el sentimiento de la interpretación, podemos imaginarnos que hablan de algo profundo. Sin embargo, existen casos de temas que sin la necesidad de leer la letra o entender por completo las. palabras, nos llegan directo al corazón sin saber por qué. Tal es el caso de “Tears in Heaven” de Eric Clapton.
Definitivamente, esta es una de las rolas más emblemáticas del guitarrista y cantautor británico. Tanto así que lo más probable es que haya sido la puerta de entrada para muchos a la música de Clapton. Pero detrás de esta canción que con solo la melodía nos pone en mood melancólico, se esconde una historia dolorosa y muy triste.
Eric Clapton, su complicada vida amorosa y el nacimiento de Conor
A mediados de los 80, Eric Clapton estaba pasando por una etapa personal complicada. Durante mucho tiempo, el ‘Slow Hand’ trató de tener hijos con su esposa, Pattie Boyd (sí, la ex de su mejor amigo, George Harrison, pero esa es otra historia), e incluso probaron todos los métodos posibles, como la fertilización in vitro.
Sin embargo, nada de lo que intentaron funcionó, pues lamentablemente Pattie sufrió una serie de abortos espontáneos. En medio de todo esto, Clapton tuvo varias aventuras con otras mujeres. Una de ellas fue Yvonne Kelly, la gerente de los Air Studios Montserrat, con quien comenzó a salir mientras grababa el disco Behind the Sun a pesar de que ambos estaban casados.
Fruto de esta relación, en enero de 1985 nació una niña llamada Ruth Kelly Clapton, cuya existencia mantuvieron oculta hasta que en 1991, los medios se dieron cuenta que era hija de Eric. Sin embargo, Eric Clapton también conoció a la actriz italiana, Lory Del Santo, con quien tuvo una relación extramarital y, finalmente, esa relación tuvo consecuencias, pues la también modelo terminó embarazada del músico británico.
El 21 de agosto de 1986, Lory dio a luz a Conor, el primer hijo de Clapton. Tras este suceso, tres años después se terminó el matrimonio con Pattie Boyd, quien declaró años más tarde que estaba “completamente devastada” luego de que el guitarrista le confesara lo que había pasado con Del Santo y la había dejado embarazada.
La trágica muerte de su hijo inspiró al músico a componer música
A pesar de lo turbulenta que era su vida en este periodo, Clapton estaba contento de tener un hijo y pasaba todo el tiempo que podía con él. Pero tristemente, hubo un hecho que marcaría para siempre la vida del músico británico, algo que lo afectaría profundamente y lo adentraría en una etapa de oscuridad de la cual le costó mucho trabajo salir.
El 20 de marzo de 1991, Conor Clapton murió a la edad de cuatro años. El niño cayó de la ventana de un piso 53, en el edificio del departamento donde se hospedaba su madre en la ciudad de Nueva York. Como ya lo mencionamos antes, este suceso alteró por completo a Eric, quien trató de superar de todas las maneras posibles este trágico hecho, pues perdió a su hijo durante un suceso terrible.
Una de las formas con las que Eric Clapton intentó sanar sus heridas componiendo canciones. Es por eso que comenzó a trabajar en la música para la película Rush, protagonizada por Jason Patric y Jennifer Jason Leigh, la cual trata sobre un agente de narcóticos que se vuelve adicto. Para escribir estas rolas, el ‘Slow Hand’ contactó a Will Jennings, quien ha escrito muchas canciones famosas de películas, entre ellas “My Hear Will Go On” de Titanic.
Jennings declaró a Songfacts que a través de estas canciones, Clapton quería lidiar con su dolor y rendirle un tributo a Conor, y la principal fue “Tears in Heaven”. Aunque eso sí, la composición resultó ser un momento en el que el músico británico se cuestionó todas las ideas que tenía en la cabeza sobre este suceso y sus creencias sobre la vida después de la muerte.
“Escribimos una canción llamada ‘Help Me Up’ para el final de la película… luego Eric vio otro lugar en la película para una canción y me dijo: ‘Quiero escribir una canción sobre mi chico’. Eric compuso el primer verso de la canción, que, para mí, es toda la canción, pero quería que yo escribiera el resto de los versos y el coro, aunque le dije que era tan personal que debería escribirlo todo él mismo. Me dijo que había admirado el trabajo que hice con Steve Winwood y que finalmente no quedó más que hacer lo que me pidió, a pesar de la sensibilidad. del tema. Esta es una canción tan personal y tan triste que ha sido algo único en mi experiencia escribiendo canciones”.
El propio Eric Clapton declaró en una entrevista que en ese entonces: “Estaba en el fondo de mi cabeza, pero realmente no tenía una razón de ser hasta que compuse la música para esta película… entonces tuvo una especie de razón de ser”. Y es un poco ambiguo porque podría considerarse que trata sobre Conor, pero también pretende ser parte de la película (…) Casi inconscientemente usé la música para mí como un agente curativo, y he aquí, funcionó…”.
A pesar de que Clapton no estaba seguro de querer que se lanzara esta canción, la directora de Rush, Lili Zanuck, lo convenció para usarla en la película. “Su argumento fue que de alguna manera podría ayudar a alguien, y eso obtuvo mi voto”, dijo el exguitarrista de The Yardbirds, Cream y más proyectos. Después de todo, “Tears in Heaven” llegó al soundtrack de la cinta en 1992 y suena casi al final de esta historia.
“Tears in Heaven” se convirtió en una de las rolas más emblemáticas de Eric Clapton
Sobra decir que esta canción se convirtió en un mega éxito a nivel global. En Estados Unidos llegó al segundo puesto en el Billboard Hot 100 y en el Reino Unido, alcanzó el número cinco en la lista de sencillos y también se ubicó entre los 10 primeros en más de veinte países de todo el mundo. Por la rola, Eric Clapton ganó tres premios Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina, Canción del Año y Grabación del Año en 1993.
Sin embargo, más allá del dinero y el reconocimiento que le pudiera dar “Tears in Heaven”, Clapton la utilizó para superar la muerte de Conor y al mismo tiempo, también la uso para alzar la voz para evitar que la trágica historia de su hijo se repitiera, ya que participó en varias campañas para crear conciencia sobre la protección de ventanas y escaleras para niños.
Después de todo esto, en 1998, Eric Clapton, que entonces tenía 53 años, conoció en una fiesta después de un concierto a Melia McEnery, asistente administrativa de 22 años. Salió con ella en silencio durante un año y en 2002, para sorpresa de algunos, la pareja se casó. Finalmente, el guitarrista retomó su vida y junto a su nueva esposa tuvo otras tres hijas.
A pesar de que “Tears in Heaven” era una de las canciones infaltables en sus shows, en 2004, Eric sorprendió a todos sus fans al dejar de tocar la rola en vivo junto con “My Father’s Eyes” (que también apareció en el soundtrack de Rush y escribió pensando en Conor). Al respecto, Clapton declaró lo siguiente.
“Ya no sentí la pérdida, que es una parte tan importante de interpretar esas canciones. Realmente tengo que conectarme con los sentimientos que estaban allí cuando los escribí. Se han ido y realmente no quiero que vuelvan, particularmente mi vida es diferente ahora. Probablemente solo necesiten un descanso y tal vez las presente después, para un punto de vista mucho más imparcial.”
Aunque consideraba que ya no era necesario interpretarla, con el paso del tiempo, ambas canciones volvieron a aparecer en los setlist habituales de los conciertos del músico. En 2007, dentro de su autobiografía, Eric Clapton reflexionó sobre “Tears in Heaven” y las ideas que pasaban por su cabeza cuando la escribió.
“La más poderosa de las nuevas canciones fue ‘Tears in Heaven’. Musicalmente, siempre me había perseguido la canción de Jimmy Cliff, ‘Many Rivers to Cross’, y quería tomar prestado de esa progresión de acordes, pero esencialmente escribí esta para hacer la pregunta que me había estado haciendo desde que mi abuelo murió. ¿Realmente nos volvemos a encontrar? Es difícil hablar de estas canciones en profundidad, por eso son canciones. Su nacimiento y desarrollo es lo que me mantuvo vivo durante el período más oscuro de mi vida. Cuando trato de regresar a esa época. Recuerdo el terrible entumecimiento en el que viví, retrocedo con miedo. No quiero volver a pasar por algo así. Originalmente, estas canciones nunca fueron pensadas para su publicación o consumo público: las compuse para mí una y otra vez, cambiándolas o refinándolas constantemente, hasta que fueron parte de mi ser”.
Eric Clapton es el claro ejemplo de que, el arte -específicamente la música– en muchas ocasiones y sin que seamos conscientes de ello, tiene la capacidad de ayudarnos a sanar las heridas que tenemos en lo más profundo de nuestros corazones, de esas que te quiebran el alma.
No solo escribió una de las canciones más famosas de su repertorio como solista (probablemente la más conocida), “Tears in Heaven” es un bello tributo a su hijo que nos deja con la esperanza de volver a ver a esas personas que lamentablemente se no adelantaron.
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Fiestas de Octubre: Cierran con broche de oro
Esteban Estrada, director general de la Agencia Estatal de Entretenimiento de Jalisco, realizó un balance general de las Fiestas de Octubre 2024 en entrevista con EL INFORMADOR, destacando una asistencia considerable y un desarrollo exitoso del evento que este año tuvo una duración menor a la de ediciones anteriores.
“Cerramos con broche de oro, con casa llena. Fueron menos días que en ediciones pasadas, pero logramos una muy buena asistencia promedio diaria”, señaló Estrada al referirse a los 32 días que duró la feria, en los que lograron mantener un flujo constante de visitantes. “Tenemos el corte aproximado de que asistieron cerca de 1 millón 100 mil personas, todos con saldo blanco”, anotó, subrayando que la seguridad y el bienestar de los asistentes fue una prioridad y un logro alcanzado.
Desde hace tres años, la Agencia Estatal de Entretenimiento de Jalisco ha trabajado en el mejoramiento continuo de las Fiestas de Octubre, y en esta edición, Estrada considera que el esfuerzo fue bien recibido. “La satisfacción de la gente es muy gratificante, pues hemos trabajado duro para ofrecer unas fiestas de mayor calidad. Desde mi punto de vista, y así nos lo han hecho saber, entregamos unas mejores fiestas de las que recibimos”, anotó.
Además de la organización y la seguridad, el tema del recinto fue un aspecto importante en la visión de Estrada. Actualmente, las fiestas se celebran en el Auditorio Benito Juárez, un lugar que, a sus 50 años, todavía tiene mucho por ofrecer, según el director. No obstante, considera que vale la pena evaluar otras opciones que permitan una experiencia más cómoda para los asistentes.
“El reto hacia adelante será darle un nuevo brillo a estas fiestas, buscando otro espacio, sobre todo pensando en la comodidad de los asistentes. Aunque el Benito Juárez, a sus 50 años, aún está joven, creo que vale la pena que el siguiente gobierno explore la idea de realizar las fiestas en un nuevo lugar”, explicó Estrada, sugiriendo que la Arena Guadalajara podría ser un sitio ideal para futuras ediciones.
Estrada concluyó la entrevista mostrando su satisfacción por el éxito alcanzado y destacó la importancia de mantener un esfuerzo continuo para mejorar la experiencia de las Fiestas de Octubre, tanto en organización como en espacios y oferta cultural.
“Estamos muy contentos de entregar buenas cuentas”, expresó el director, confiado en que esta edición ha sentado bases sólidas para que la fiesta continúe creciendo y ofreciendo una experiencia memorable a los asistentes en los próximos años.
Los más taquilleros
Al hablar de los artistas que más público atrajeron, Estrada destacó la sorpresa de este año: “Los Picus”. La presentación de este grupo fue la más concurrida de todas, con un total de 60 mil personas.
Otras presentaciones también lograron convocar a grandes multitudes, como Conjunto Primavera, con aproximadamente 55 mil asistentes, y Ha*Ash, que reunió alrededor de 52 mil personas.
CT
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Disney+: Los dos estrenos que no te puedes perder en Disney+
El servicio de streaming Disney+ tiene una nueva programación en noviembre, y los primeros lanzamientos del mes ya están disponibles. Conoce cuáles son y disfruta de tu tiempo de ocio audiovisual con alguno de ellos.
La música de John Williams
Es una película documental original que ya se puede ver en Disney+. El documental recomendado a partir de los 10 años, narra desde los primeros días de John Williams como pianista de jazz hasta sus 54 nominaciones y cinco premios Oscar®. El largometraje ofrece una mirada profunda a las innumerables contribuciones de Williams a la industria cinematográfica, incluidas muchas franquicias icónicas, así como sus composiciones para conciertos y su impacto en la cultura popular. La película presenta entrevistas a artistas y cineastas cuyas vidas han sido influenciadas por la inolvidable música del compositor. Dirigida por Laurent Bouzereau, el documental está producido por Steven Spielberg, Brian Grazer, Ron Howard, Darryl Frank, Justin Falvey, Sara Bernstein, Justin Wilkes, Meredith Kaulfers, Kathleen Kennedy y Frank Marshall.
Endurance
Es una especial de National Geographic que ya está disponible en Disney+. Recomendado a partir de los 14 años, este especial cuenta sobre una hazaña legendaria de liderazgo y perseverancia. El explorador de la Antártida Ernest Shackleton mantuvo con vida a su tripulación durante más de un año a pesar de perder su barco en el hielo. Un siglo después, un equipo de exploradores parte en busca del barco hundido. Estas expediciones históricas, unidas por el valor y la determinación, supieron cerrar una de las mayores sagas de la historia sobre la supervivencia y el poder del espíritu humano.
Con información de The Walt Disney Company México.
XM
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10 discos para entender el enorme legado de Quincy Jones
Lo que necesitas saber:
Quincy Jones fue uno de los nombres más importantes en la historia de la música y de plano, estos 10 discos confirman su legado.
Hay nombres sin los cuales, no podríamos entender la música que escuchamos en la actualidad. Y es que más allá de los artistas y bandas que nos gustan, existen personas sin las cuales, probablemente jamás hubieran llegado al estrellato. Tal es el caso de Quincy Jones, una verdadera leyenda de la industria musical y arquitecto del sonido de los últimos 60 años.
Quincy Delight Jones, Jr. –como en realidad se llamaba– inició su carrera como trompetista en los 50 y años después, se mudó a Nueva York para comenzar a trabahar como compositor, arreglista y productor para leyendas del jazz como Thelonious Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis e incluso su viejo amigo, Ray Charles.
Repasemos el legado de Quincy Jones con 10 discos importantes en su carrera
Después de viajar a París a mediados de la década, donde conoció a personalidades como Leonard Bernstein y hasta Pablo Picasso, Quincy Jones regresó a Estados Unidos para convertirse en vicepresidente de Mercury Records, donde grabó y produjo a artistas del tamaño de Tony Bennett, Sarah Vaughan y Peggy Lee.
Fue ahí donde comenzó a forjarse un nombre importante en la producción, aunque al mismo tiempo, a través de sus discos como solista, Quincy siguió demostrando su enorme talento musical. Sin embargo, fue a inicios de los 80 cuando su nombre se hizo mundialmente conocido por su trabajo con el mismísimo Michael Jackson.
Definitivamente, hablar de Quincy Jones es mencionar a una persona clave en la historia de la música y para rendirle tributo a las grandes aportaciones que hizo a este arte, a continuación repasaremos el legado que nos deja como arreglista, compositor y productor a través de 10 discos clave en su carrera.
‘Miles & Quincy Live at Montreux’ (1993)
Ok, arrancamos con un disco que si bien, no aparece en la lista de los mejores hechos por Miles Davis, es un retrato de la enorme y complicada carrera de esta legendaria figura del jazz. Y sí, el principal involucrado para que se hiciera realidad este proyecto tan caótico pero maravilloso fue el gran Quincy Jones.
Grabado durante la presentación que dio Miles en el Festival de Jazz de Montreux 1991 junto a Jones y su orquesta –la cual se dio tres meses antes de que Davis muriera a los 65 años–, este álbum demuestra la genialidad del músico estadounidense, tocando con fragilidad su trompeta sin olvidar el poder que siempre tuvo con este instrumento.
En conclusión, este disco confirma el increíble trabajo de Quincy Jones como productor, pues se encargó de que su amigo y colaborador sonara impecable y, sin saberlo, se luciera en lo que sería uno de sus últimos conciertos. Una verdadera joyita que de plano, es un deleite escucharlo de principio a fin.
‘In the Heat of the Night’ (1967)
Además de su enorme trayectoria en la industria musical como tal, Quincy Jones también fue un gran compositor de scores para el cine y la televisión. Y uno de sus primeros grandes trabajos en este ámbito fue lo que hizo en 1967 para In the Heat of the Night, película protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger
Por si no fuera suficiente hacerse cargo de la música original para esta cinta (la cual estuvo fuertemente cargada por un sonido sureño único con un toque de funk que en aquel momento sonaba futurista), Quincy también se encargó de componer la canción principal de esta producción, que fue interpretada por el mismísimo Ray Charles.
Todo esto dio como resultado canciones emotivas y conmovedoras a In the Heat of the Night, la cual nos cuenta la historia de policía afrodescendiente del norte de Estados Unidos que se enfrenta al racismo sureño. Y sí, la película no hubiera sido la misma sin las composiciones de Quincy Jones.
Frank Sinatra – ‘Sinatra at the Sands’ (1966)
A lo largo de su carrera, Quincy Jones trabajó varias veces con el icónico Frank Sinatra, como director de orquesta y arreglista. Sin embargo, lo que consiguió en Sinatra at the Sands junto al pianista Count Basie fue probablemente la mejor de sus colaboraciones, pues creó una colección de canciones simplemente geniales.
Para ese entonces, Jones aún era un joven que estaba iniciando su carrera, pero prometía muchísimo y dejó claro que tenía algo especial al combinar el talento de Basie con la privilegiada voz y encanto de Sinatra. A todo esto le agregó un repertorio de canciones que incluyó algunas de las mejores canciones de la trayectoria del cantante estadounidense.
Sinatra at the Sands, con los arreglos y el trabajo de Quincy Jones, ofrece a quien lo escuche la versión definitiva de Frank Sinatra, un artista en la cumbre de su vida que nos regala momentos sentimentales y grandiosos en este disco en vivo, que se siente como si el tiempo se detuviera para escuchar por poco más de una hora a una de las voces más importantes de la historia.
Quincy Jones – ‘Big Band Bossa Nova’ (1962)
Por si no fuera suficiente su carrera como productor, Quincy Jones nos regaló grandes discos como solista. Y un ejemplo de ello fue Big Band Bossa Nova de 1962, el cual es una experiencia espectacular que nos muestra el lado de Jones como líder de una banda de jazz, donde rompió un poco la barrera entre la música orquestada y con el pop y ritmos más ligero.
Quizás conozcan mejor este álbum por “la rola homónimo “Soul Bossa Nova”, famosa por ser el tema principal de la serie de películas de Austin Powers, pero también muestra el fervor autodidacta de Jones por los sonidos complejos que se unen para crear algo increíblemente agradable.
George Benson – Give Me the Night (1980)
Esta colaboración entre Quincy Jones Jones y el famoso guitarrista , George Benson es una verdadera joyita. En Give Me the Night, estas dos mentes maestras hicieron un disco fuertemente influenciado por el blues, soul, funk, jazz y R&B, que es una muestra de la enorme presencia del músico originario de Pittsburgh en la música.
Este material discográfico no solo logró que Benson volviera a entrar en el número 1 de las listas de popularidad, también le dio un revival importante a su carrera. Prueba de ello fue que ganó tres Grammys: Mejor interpretación vocal masculina de R&B por la canción principal, Mejor interpretación instrumental de R&B y Mejor interpretación vocal de jazz masculina por el blues. Si no están tan familiarizados con el trabajo de George, por aquí pueden entrarle.
Little Richard – ‘The King of the Gospel Singers‘ (1961)
Como podrán notarlo a lo largo de esta lista, Quincy Jones trabajó con un montón de artistas enormes. Uno de ellos fue Little Richard, un pionero del rock and roll quien a inicios de los 60 nos presentó The King of the Gospel Singers, un álbum en el que se aleja un montón del sonido por el que se hizo famoso.
Como su nombre indica, este disco se centra en las influencias gospel de Richard, con las que volvió a sus orígenes. Con decirles que para muchos, este material fue una de las mejores grabaciones de toda la carrera del cantautor estadounidense. Aunque eso sí, no hubiera sido lo mismo sin la mano de Jones y la orquestación que le puso a las 12 canciones.
The King of the Gospel Singers resultó ser un trabajo muy importante para Little Richard, pues indirectamente, dio con la resurrección de la carrera en el rock de este artistazo, ya que después de eso compartió escenario con The Beatles. En palabras del cantante, este álbum que hizo con Quincy Jones fue lo que realmente lo devolvió al negocio, pues lo inspiró a volver a su sonido pasado.
The Brothers Johnson – ‘Right on Time‘ (1977)
Durante muchos años, Quincy Jones tuvo varios colaboradores frecuentes. En esa lista se encuentran The Brothers Johnson, dúo conformado por los hermanos George (“Lightnin’ Licks”) y Louis E. Johnson (“Thunder Thumbs”) que trabajaron con el productor en cuatro ocasiones, aunque quizá la más importante fue Right on Time.
Con este material discográfico, su segundo álbum de estudio, este par recibió ciertas críticas por cómo juntaron el funk, el pop y el disco. Pero fue innegable que la mano de Jones le dio un toque más comercial al sonido y propuesta que querían proyectar en aquel entonces.
A fin de cuentas, Right on Time de The Brothers Johnson fue un éxito, pues el disco recibió certificación de platino y llegó al número 2 en la lista de R&B de Billboard. Por si esto no fuera suficiente, gracias a la canción “Strawberry Letter 23” –la más recordada del álbum– también le valió un Grammy a Quincy Jones.
Aretha Franklin – ‘Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)’ (1973)
A inicios de los 70, Quincy Jones tuvo la oportunidad de entrar al estudio con otra artista icónica: ni más ni menos que la ‘Reina del Soul’, la enorme Aretha Franklin. En esta década, la cantante estaba pasando por una etapa de transición y eso se notó con Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), su decimonoveno álbum de estudio.
Este álbum fue planeado originalmente para ser un material discográfico de jazz puro, con canciones como “Moody’s Mood” y “Just Right Tonight”, pero tanto Jones como Franklin (quien también le entró a la coproducción) se desviaron un poco de la idea principal e incluyeron rolas mucho más poperas.
Más allá de que no tuvo el recibimiento que esperaban, Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) resultó ser el disco más experimental de toda la carrera de Aretha Franklin y definitivamente, mostró una de las características de Quincy Jones como productor: tratar de sacar a leyendas de la música de su zona de confort.
Quincy Jones – ‘Back on the Block’ (1989)
En 1989, Quincy Jones lanzó el que para muchos, es el mejor álbum de estudio de toda su carrera en solitario: Back on the Block. Este proyecto fue sumamente ambicioso en todos los sentidos, pues reunió a músicos y cantantes de tres generaciones de la industria musical y fue una verdadera locura en cuanto a combinación de sonidos.
Para que se den una idea de cómo está el asunto, este material discográfico mezcla jazz, R&B y pop con hip-hop– Además, cuenta con invitados especiales del tamaño de Ray Charles, Miles Davis, Chaka Khan, Luther Vandross, Barry White, El DeBarge, Bobby McFerrin y George Duke, así como las últimas grabaciones de estudio de las grandiosas Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.
Con este disco, Quincy Jones volvió a conquistar los premios Grammy, pues se llevó siete categorías, incluido el Álbum del Año. Fuera de su trabajo como productor y con otros artistas enormes, este fue su mejor momento como solistas y sin lugar a dudas, demuestra el enorme poder e influencia que tenía en la industria para que nombres tan chonchos apoyaran este proyecto.
Michael Jackson – ‘Thriller’ (1982)
Por supuesto que teníamos que cerrar esta lista con Thriller, el disco más vendido de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Aunque Quincy Jones y Michael Jackson trabajaron en álbumes como Off the Wall y Bad (que son geniales), lo que lograron con este material discográfico los llevó a otro nivel.
La producción de Quincy en este discazo es impecable, aunque más allá de su trabajo en los controles, fue de mucha ayuda para aterrizar y hacer realidad las ideas locas que tenía Michael en la cabeza para su sexto álbum de estudio. Y eso se nota en la combinación de géneros, que van desde pop, disco, balada y funk hasta R&B e incluso rock. Además de incluir a colaboradores como Paul McCartney, Eddie Van Halen e integrantes de Toto.
Gracias a Thriller, la carrera de Michael Jackson explotó, y por supuesto que el trabajo que hizo con Jones en este material les valió un montón de reconocimientos, pues impuso un récord en los Grammy de 1984 al llevarse ocho premios. Aunque quizá, el mayor mérito de Quincy fue consolidar a MJ como el indiscutible ‘Rey del Pop’, con temazos como “Billie Jean”, “Beat It”, “PYT (Pretty Young Thing)” y la rola homónima.
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