Connect with us

Musica

Joyísimas: 7 discos conceptuales para entender la genialidad de las óperas rock

Published

on

Joyísimas: 7 discos conceptuales para entender la genialidad de las óperas rock

Una de las grandes revoluciones en la historia de la música, vino cuando los artistas comenzaron a trabajar en discos conceptuales. Fue a mediados del siglo veinte cuando músicos de diversos estilos, sobrados de creatividad, pensaron en alguna manera de hacer que un álbum estuviera más cohesionado dentro de una temática en específico.

La canciones ya no tenían que tratar cada una un tema por separado sin relacionarse; ahora se nos podía contar una misma anécdota desde la primera rola de un material discográfico, hasta el track final del mismo. Y de a poco, ese recurso del álbum conceptual nos llevó a las conocidas óperas rock.

Fender se rifa lanzando su primer tocadiscos de edición limitada
Imagen ilustrativa. Foto: Especial.

Con las óperas rock, se hizo más común el uso de un personaje o un hilo conductor muy específico cuya historia se desarrollaba en cada tema, funcionando estas como si fueran capítulos. Y eso es lo bonito de este tipo de trabajos musicales: los artistas ponen sus capacidades creativas al máximo para ensamblar una trama a lo largo de cualquier cantidad de canciones.

Son producciones ambiciosas en toda la extensión de la palabra, que nos muestran de cierto modo los alcances en la inspiración de aquellos que componen. Aquí, enlistamos algunas de las óperas rock/discos conceptuales más geniales que se conocen desde siempre.

The Rise Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars – David Bowie

Podemos llamarle a este uno de esos ‘accidentes’ que terminan siendo espectaculares. ¿Por qué? Bueno, porque se dice que David Bowie nunca pensó en Ziggy Stardust and the Spiders from Mars como un disco conceptual o una ópera rock. Simplemente se fue dando y terminó siendo eso.

Las canciones del disco se compusieron al mismo tiempo que en la etapa de Hunky Dory y según algunos testimonios de los músicos que trabajaron en Ziggy Stardust, nunca se habló en reuniones sobre hacer un álbum conceptual. Ken Scott, productor del disco, dijo alguna vez que solo tres canciones se unen entre sí concretamente: “Ziggy Stardust”, “Lady Stardust” y “Star”. Las demás, siendo coincidencia o tal vez no, terminaron encajando bien con la historia lineal que al final Bowie puso sobre la mesa.

Ziggy Stardust era un alienígena andrógino enviado a salvar la Tierra -o algo así-, alcanzando aquí la fama y siendo corrompido por la misma (de ahí el término de ‘el ascenso y la caída’ en el título del disco). The Spiders From Mars era su banda, inspirada por el gusto del propio David por esos artistas enormes acompañados por sus grupos como Iggy Pop and The Stooges o Lou Reed durante su época con Velvet Underground. La estética de su personaje y su historia, se sabe, estaban basadas en el solista Vince Taylor y Marc Bolan de T. Rex.

En una anécdota curiosa rescatada por la NME, se dice que David y los integrantes del grupo, vestidos con sus prendas extravagantes, estaban en los foros de la BBC pues tocarían en el popular programa Top Of The Pops… Bueno, pues la gente del canal los confundió pensando que eran extras de la serie de ciencia ficción Doctor Who. Al final, la presentación en TOTP significó efectivamente el ascenso al estrellato masivo para Bowie luego de que sus primeros discos, aunque eran buenos, no tuvieron el éxito deseado.

Tommy – The Who

Tommy de The Who, lanzado en 1969, es uno de los discos a los que el tiempo no le ha jugado una buena pasada, pues ya no se habla de él con la misma regularidad como de otras piezas de antaño. Pero este, es por mucho uno de los mejores álbumes del combo británico y para muchos, es el que definió lo que es una ópera rock como tal.

La historia que nos cuenta se centra en Tommy, un niño que crece con su madre y su padrastro sin complicaciones… Al menos hasta que se entera que su verdadero padre, un militar que se pensaba estaba muerto, regresa a casa solo para ver que su esposa ha hecho su vida con otro sujeto.

El padre biológico de Tommy mata a su padrastro frente a los ojos del joven protagonista, dejándolo con un trauma intenso que bloquea sus sentidos de la vista, el oído y el habla. Y así, nos adentramos en la dura vida de este chico, que es eventualmente abusado por primos y tíos, al tiempo que descubre su única pasión: el pinball (del que es un excelente jugador ya que su desarrollado sentido del tacto se lo permite).

Luego de algunas sesiones de terapia con un psicoanalista, la mamá de Tommy logra desbloquear la mente del chico de manera aparentemente milagrosa, devolviéndole sus sentidos. Debido a ello, se hace muy popular y sus familiares quieren ganar dinero a costa del propio Tommy explotándolo como una especie de gurú… Pero al final, notablemente afectado por su experiencia, Tommy pierde a sus seguidores quedando atrapado en sus propias fantasías.

De-Loused in the Comatorium – The Mars Volta

Intentar entender las letras de The Mars Volta es una tarea titánica porque no son lo que podríamos decir, muy literales. Cedric Bixler-Zavala es un letrista raro, en el mejor sentido de la palabra, y nunca escatima en crear sus propios términos o en hacer analogías muy técnicas o filosóficas que a primera escucha, parecieran nada entendibles. Pero eso es parte de la magia de TMV y por supuesto, del fabuloso De-Loused in the Comatorium.

Pa’ pronto…. El disco nos habla de Cerpin Taxt, un artista con tendencias suicidas que se da un pasón de morfina y veneno para ratas (dicen algunos, jeje). La intoxicación lo lleva a permanecer en coma durante varios días, conociendo un mundo fantasioso (el Comatorium) en su propia mente, que le fascina y le aterroriza casi por igual.

Las interpretaciones varían, pero una creencia muy popular dice que al final del disco, Cerpin Taxt ha despertado y se siente decepcionado del mundo convencional, en el entendido de lo que vivió mientras permanecía en coma. Y así, decide quitarse la vida lanzándose de un puente hacia una autopista. Esta de más decir que la historia está inspirada en el viejo amigo de la banda, Julio Venegas.

The Wall – Pink Floyd

Ningún listado sobre óperas rock o álbumes conceptuales puede estar completo sin The Wall de Pink Floyd. Un joya absoluta de la música que nos explica a grandes rasgos lo que es una crisis existencial, y como el trauma derivado de este u otros factores nos puede aislar dentro de un muro de autopreservación que nos condena a la soledad.

Pink, una estrella de rock deprimida, recuerda poco a poco cada uno de los traumas que ha arrastrado desde la niñez hasta su vida actual: la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, ser víctima del abuso y la intimidación escolar, la sobreprotección de su madre, la infidelidad de su pareja, la adicción, el sentimiento de soledad, entre otras cosas… Cada problema representa un ladrillo en la pared/muro que él mismo construye para aislarse del mundo.

El final del disco es ambiguo, pues si bien se establece que el muro cae luego de que Pink afronta su crisis existencial, también queda una referencia para helarte la sangre sobre que este tipo de experiencias, las crisis y los problemas nunca acaban. Libre interpretación pues, pero quizá la lección al final es que el sufrimiento es parte inherente de la vida misma y hay que aprender a lidiar con él cuando aparece; hay que saber derrumbar los muros que nos imponemos.

The Black Parade – My Chemical Romance

Si hay un disco con el que My Chemical Romance se ganó el estatus como una de las mejores bandas de su generación, ese es The Black Parade. Es justo decir que MCR regularmente sabe hacer discos conceptuales sin problema (por sí solo, Gerard Way es una maquinaria de creatividad perfecta), pero este álbum está varios peldaños por encima.

La historia se centra en el personaje de El Paciente, un hombre enfermo de cáncer en un hospital que empieza a rememorar su vida y sus relaciones en su lecho de muerte. Cada canción sirve como una explicación de sus recuerdos con su pareja, amigos, familia, así como su reflexión sobre si le tocará ir al cielo o al infierno o si eso en realidad existe, entre varias cosas más.

Estéticamente, los disfraces de la banda en este disco son alusiones a Sgt. Pepper de The Beatles, mientras que en lo musical y lo lírico David Bowie (con el ya mencionado Ziggy Stardust) y Queen (principalmente en diversos arreglos de guitarra de Ray Toro) son influencias muy notorias.

American Idiot – Green Day

Otro gran disco de los 2000 que demuestra que los álbumes conceptuales no pierden peso en la industria. American Idiot puede ser considerado el máximo éxito comercial de Green Day y es curioso eso tomando en cuenta que el material pudo no haber existido. Billie Joe Armstrong y compañía lo trabajaron luego de que otro disco que tenían en proceso, Cigarettes & Valentines, se perdiera en un robo a su estudio. AQUÍ la historia.

Pues bien, en el aclamado American Idiot, se nos presenta al Jesus Of Suburbia (o el Jesús de los Suburbios), un adolescente punk de clase media baja, problemático, con problemas familiares, adicciones y que aparentemente no tiene un lugar en el mundo. En la canción del mismo nombre, que dura casi 10 minutos, se cuenta dinámicamente su historia en varios capítulos: cómo escapa de los suburbios y de su vida apestosa donde siente que nadie cree en él.

En las demás canciones, se nos relata su viaje a la gran ciudad en busca de una oportunidad de ser alguien en la vida. Pero nada es fácil… Después de pasar un periodo de fiesta, sabe que es momento de ponerle seriedad a la vida. Pero la gran ciudad no lo ha tratado bien; él siente que no pertenece ahí y empieza a sentirse solo. Su primera idea entonces es adoptar un alter ego conocido como St. Jimmy, un tipo sin escrúpulos al que no le importa nada.

Ahora bajo su nueva identidad, se enamora de una chica de la que no recuerda el nombre (“Whatsername”), la pasan bien, pero la incapacidad de St. Jimmy para madurar y aspirar a una vida tranquila terminan esa relación. Nuestro protagonista ha fracasado en su aventura, pero ve la vida con perspectiva y se da cuenta que el inmaduro St. Jimmy -en sentido figurado- debe morir para dar paso a un nuevo ciclo de vida. Y este, consiste en regresar a casa para nuevamente empezar de cero.

Metropolis, Part II: Scenes From a Memory – Dream Theater

Por mucho, dentro de este listado, este disco de Dream Theater es el más complejo como álbum conceptual. Y es que si recuerdan bien, la banda tiene un tema llamado “Metropolis Part I – The Miracle and The Sleeper” de 1992.

Pues bien, la continuación de esa canción es un disco completo llamado Metropolis, Part II: Scenes From a Memory. Pero vayamos por partes… En “The Miracle and The Sleeper”, se nos cuenta la historia de dos hermanos, Edward y Julian, quienes están enamorados de la misma mujer, una chica llamada Victoria. Para esto, Victoria y Julian son pareja como tal.

Y entonces, viene el trancazo para volarnos la cabeza… En el disco Metropolis Part II, conocemos a un hombre llamado Nicholas quien va a hipnoterapia para analizar sus sueños. Él sueña precisamente con Victoria (la mujer de la canción anterior) y en sus visiones, Nicholas nos revela que esa mujer engaña a Julian con su hermano Edward… De locos, ¿no? Pues la cosa se pone mejor.

Resulta que Nicholas es algo así como la reencarnación de Victoria en otra vida y por eso tiene esas visiones de ella y los hermanos enamorados de esta mujer. Para no hacerles el cuento largo, en este enredo de infidelidades, Nicholas descubre en sus sueños que Julian mató a Victoria y luego este mismo se suicidó. Desencajado, Nicholas regresa a su casa y ahí mismo es asesinado por su terapeuta… Así, se nos revela que el hipnoterapeuta es la reencarnación de Edward, quien en la vida pasada se enteró que Victoria en realidad no lo amaba. ¡WTF, qué locura!

The post Joyísimas: 7 discos conceptuales para entender la genialidad de las óperas rock appeared first on Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.

Musica

Te explicamos por qué censuraron y cambiaron estas 5 portadas de discos

Published

on

Te explicamos por qué censuraron y cambiaron estas 5 portadas de discos

A lo largo de la historia, muchos artistas y bandas se han tenido qué enfrentar a algo muy grande dentro de la industria musical: sí, hablamos de la censura. A pesar de que en la actualidad existe más apertura en todos los sentidos, hay temas que a pesar de que pasen los años y el pensamiento evolucione, siguen siendo incómodos para ciertos sectores y tratan de que no se hable al respecto.

Pero en esta ocasión queremos platicarles sobre algunos casos de músicos muy famosos que se vieron envueltos en situaciones donde las disqueras e incluso la sociedad los censuraron, en particular por las portadas que crearon para sus discos. Y por supuesto, al final del día y para evitarse broncas, tuvieron que cambiar dichas carátulas para que sus canciones llegaran a todos lados. ¿Están listos? Vamos con este listado.

David Bowie – The Man Who Sold the World

A inicios de los 70, la carrera de David Bowie iba viento en popa y estaba a punto de lanzar uno de los discos más importantes de toda su carrera, The Man Who Sold the World. Como siempre, el músico británico quería que las canciones de este álbum estuviera acompañada de una portada que llamara la atención, pero la cosa se puso bastate esstraña, pues a pesar de que su compañía discográfica no estaría tan de acuerdo con sus ideas, fue el propio artista el que se censuró, o algo así.

La primera carátula incluía un dibujo creado por el amigo de Bowie, Michael J. Weller, en el cual se veía a un vaquero caricaturizado frente a un asilo mental. David quería que Weller diseñara algo que capturara el tono premonitorio y futurístico de la música, tanto así que en un inicio, la placa se iba a llamar Metrobolist (como una sátira a Metrópolis de Fritz Lang) e incluso el título se podía ver dentro de las cajas de las primeras ediciones del disco que Mercury Records lanzó en las tiendas de Estados Unidos.

Te explicamos por qué fueron cambiadas estas 5 portadas de discos
Image: Especial

Sin embargo, David Bowie no estaba tan convencido de que esa fuera la portada de su siguiente álbum. Es por eso que pidió a la disquera que contratara al fotógrafo Keith MacMillan para armar una carátula alternativa. En esta imagen –que es la que muchos conocemos–, aparece el cantautor británico usando un vestido que demostraba su interés por explorar su aspecto andrógino. A Mercury no le gustó la foto y lanzó la placa con la imagen de Michael J. Weller, algo que el propio músico jamás aprobó, pero presionó para que la versión de MacMillan fuera la tapa de The Man Who Sold the World en el Reino Unido.

Como dato curioso, hubo una versión alemana de 1971 que mostró en la portada una criatura híbrida con la cabeza de Bowie, y una mano como un cuerpo preparándose para sacudir la Tierra. Por si esto no fuera suficiente, la reedición mundial de RCA Records de 1972 utilizó una imagen en blanco y negro de la era de Ziggy Stardust en la tapa. Esta imagen siguió siendo la carátula de las reediciones hasta 1990, cuando trajeron de vuelta la tapa de David con el vestido.

Red Hot Chili Peppers – Mother’s Milk

En 1988, los Red Hot Chili Peppers se enfrentaron a uno de los momentos más tensos de toda su historia: la muerte a los 26 años de Hillel Slovak a causa de una sobredosis de heroína. Tras el fallecimiento del guitarrista, el baterista Jack Irons se fue, dejando solos a Anthony Kiedis y Flea. Sin embargo, llegaron dos musicazos que cambiaron para siempre la trayectoria de la banda, John Frusciante y Chad Smith, con quienes iniciaron una nueva etapa un año después con el disco Mother’s Milk.

La portada del álbum muestra una foto en blanco y negro del grupo sobre los brazos de una mujer completamente en topless. Cuenta la historia que Kiedis se inspiró en un póster de los sesenta de Sly and the Family Stone. Todo iba de maravilla hasta que la modelo de la carátula, Dawn Alane demandó al grupo porque no le avisaron que ella sería la imagen de la placa. Al final se llevó una buena compensación económica de 50 mil dólares, pero la polémica no paró ahí.

Te explicamos por qué fueron cambiadas estas 5 portadas de discos
Imagen: Especial

Por si esto no fuera suficiente, varias tiendas en Estados Unidos se negaron a vender el disco de los Red Hot Chili Peppers por considerar que la portada mostraba demasiada desnudez. Es por eso que decidieron lanzar una versión censurada de la misma, en la que aparecían los miembros de la banda de un tamaño más grande que en la original y tapando el pecho de la mujer.

The Rolling Stones – Beggars Banquet

Sabemos que desde sus inicios, los Rolling Stones han sido polémicos, pues se mostraban como la versión rebelde de las bandas británicas. Por supuesto que las controversias se han visto en muchas de las cosas que han hecho, desde su actitud, pasando por la música y por supuesto, las portadas de sus discos. El ejemplo claro es la “sugerente” carátula de Sticky Fingers (POR ACÁ les contamos más al respecto), pero años antes se metieron en problemas por la portada de su séptimo material discográfico, Beggars Banquet.

En 1968, los Stones lanzaron este álbum, en cuya portada se puede ver la foto de la pared de un baño cubierta de grafitis –tomada por Barry Feinstein en Los Ángeles– en donde se leen frase como “Lyndon ama a Mao” o “El sueño de Bob Dylan”. Sin embargo, los ejecutivos de Decca Records mandaron lejos a la banda, pues consideraron que la imagen era ofensiva y obscena, lo que llevo a una disputa entre la compañía discográfica y el grupo, la cual retrasó el lanzamiento del álbum durante meses.

Te explicamos por qué fueron cambiadas estas 5 portadas de discos
Imagen: Especial

Finalmente, los Rolling Stones cedieron y en la portada de Beggars Banquet mostraron el nombre de la agrupación, el título del álbum y el acrónimo RVSP sobre un fondo blanco. Este diseño representaba una tarjeta de invitación al “banquete de los mendigos” (nombre del disco en español), aunque la idea de la pared en el año estaba más cool y llamativa, ¿no creen?

Joe Satriani – Surfing With the Alien

Ok, este es un caso más peculiar, porque no la cambiaron por censura o algo por el estilo. Resulta que en 1987, Joe Satriani lanzó el que muchos consideran como uno de los discos más importantes para la historia de la guitarra y el cual lo catapultó como un virtuoso de la lira. Por supuesto que hablamos de Surfing With the Alien, el segundo material discográfico de este musicazo que sorprendió –además de los riff– por una portada que atrajo hasta a los fans de los cómics.

La portada original muestra al personaje de Marvel Comics, Silver Surfer, así como la mano de Galactus en la contraportada. La ilustración, cuya licencia fue concedida por la editorial, está tomada de un panel de Silver Surfer nº 1 (1982), dibujado por John Byrne. Aunque eso sí, el creador no recibió derechos de autor por el uso de su viñeta en la portada del álbum. Por otro lado, Satriani ni siquiera conocía a este personaje e incluso nombró el álbum y la rola homónima sin pensar en él. Sin embargo, Jim Kozlowski, director de producción de Relativity Records, era aficionado a los cómics y había utilizado el apodo de “The Silver Surfer” como nombre de DJ de radio, por lo que sugirió utilizarlo para la portada del álbum.

Te explicamos por qué fueron cambiadas estas 5 portadas de discos
Imagen: Especial

Kozlowski le mostró el álbum a Marvel y obtuvo permiso para utilizar el personaje, tanto así que le rindieron tributo al guitarrista en varias historias, mientras que Joe Satriani bautizó a varias rolas con nombre de elementos del universo del personaje. Sin embargo, la licencia para utilizar las ilustraciones del personaje era de duración limitada. Aunque la licencia se renovó varias veces, en 2018, Satriani y la casa de cómics no pudieron llegar a un acuerdo y cambiaron la portada de Surfing With the Alien por una donde se puede ver un cabezal de guitarra plateado en lugar de Silver Surfer.

Por último pero no menos importante, cerramos este listado con un disco que seguramente los acompañó durante la adolescencia, ni más ni menos que Enema of the State de Blink-182. Sin duda, este material discográfico marcó un antes y después en la carrera de Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker incluyendo algunas de sus rolas más icónicas, pero el álbum también fue llamativo por la portada controversial con la que lo promocionaron.

Como quizá ya sabrán, la protagonista de esta carátula es una pornstar llamada Janine Lindemulder, quien aparece vestida como enfermera e incluso tuvo una participación en los videos musicales de “What’s My Age Again?” y “Man Overboard”. Pero lo curioso es que la portada no causó polémica por mostrar a una actriz de cine para adultos, no, entró en la controversia porque la Cruz Roja se quejó de que en las primeras ediciones del álbum, se puede ver el emblema de la organización humanitaria en el gorro de la enfermera. Por supuesto que a la banda no le quedó de otra más que quitarlo de la carátula, aunque no fue un cambio taaan radical como los que checamos previamente.

Te explicamos por qué fueron cambiadas estas 5 portadas de discos
Imagen: Especial

The post Te explicamos por qué censuraron y cambiaron estas 5 portadas de discos appeared first on Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.
Continue Reading

Musica

5 bandas coreanas (que no son de k-pop) para tener en el radar

Published

on

5 bandas coreanas (que no son de k-pop) para tener en el radar

La música coreana se ha asentado en la industria del entretenimiento a nivel mundial gracias al k-pop. Eso, inevitablemente ha hecho que mucha gente voltee a ver a Corea del Sur para descubrir un poco más de sus diferentes escenas musicales.

Con ello a cuestas, es hora de hablar un poco del rock de aquel país. Sabemos que quizá el género en el panorama internacional no está en su auge hoy en día. Y aunque lo estuviera, hay que decirlo: muy pocas personas –aún con todas las posibilidades que nos ofrece el internet– se rifan la misión de conocer a artistas de por esos lares.

5 bandas coreanas (que no son de k-pop) para tener en el radar
Imagen ilustrativa. Foto: Pixabay.

En occidente predomina el pop, la música urbana y en el caso del rock, sigue habiendo una hegemonía importante de artistas estadounidenses o británicos. Y no está mal que sea de esta manera; así es el consumo musical a final de cuentas históricamente. Pero de repente, está chido explorar otras alternativas alrededor del mundo.

Así que si ustedes son amantes de descubrir nuevas bandas o de adentrarse en el trabajo de otros artistas que quizá no tenían tanto en el radar, acá les traemos una breve pero muy interesante lista con 5 proyectos musicales de Corea del Sur, que no son k-pop.

Rolling Quartz

Hard rock con diferentes tintes influencias y una voz poderosa… Rolling Quartz es una banda poco tiempo en el ruedo, pero ya se han ganado un lugar en el ámbito del k-rock como uno de los proyectos más geniales del momento.

Esta banda, que es la unión de dos proyectos diferentes (Rolling Girlz y Rose Quartz), comenzó su carrera en 2019 con algunas presentaciones en Seúl, logrando llamar la atención de la escena local. Sin embargo, vino la pandemia y debieron centrar su promoción a través de redes sociales.

Así, en el 2021 vino su disco debut Blaze y en febrero del 2022, lanzaron un EP llamado Fighting, con un estilo poderoso de guitarras y riffs duros para esos amantes, como dijimos, del hard rock.

SURL

Del rock de guitarras pesadas, nos pasamos al indie-rock más chido que escucharan en estos días. SURL ganaron bastante notoriedad luego de que en el 2018 ganaron el concurso Shinhan Card Rookie y desde entonces, lanzaron EP ese mismo año llamado Aren’t You.

Un año después, lanzaron otra producción de corta duración llamada I Know que los afianzó como uno de los grupos emergentes imperdibles de Corea del Sur. Su ascenso en su país ha sido marcado y rindió frutos cuando a finales del 2022, por fin trajeron su primer disco de larga duración: Of Us, que los llevará en abril de este 2023 a una gira por Estados Unidos.

Si te late la música estilo rock estilo Kakkmaddafakka, Bloc Party, Arctic Monkeys (de antaño), Circa Waves o el indie pop más suave, esta bandita es la opción.

Nell

Es hora de hablar de Nell. Seguro que muchos ya los conocerán porque llevan una carrera de más de 20 años en activo. Pero para quienes no, deben saber que se trata de una de las bandas más icónicas de Corea del Sur de la historia.

La banda se ha reinventado a lo largo del tiempo y su influencia es bastante variada, con rolas que se sienten como el indie rock británico dosmilero hasta el dance-pop, el pop-rock psicodélico. Está canijo encasillarlos en un solo estilo, verdaderamente.

Digamos que si les gusta la influencia de Radiohead, Placebo, The Killers, entre otras cosas, Nell les gustará bastante si no los han escuchado.

Hyukoh

De nuestra lista, Hyukoh es otra banda que posiblemente varios ya conozcan. Y es que son tan rifados como polémicos, pues en algún momento su tema “Lonely”, que muchos le encontraron parecido “1517” de The Whitest Boy Alive.

Se desestimó ese caso y el sello que representaba a Hyukoh, lanzó un comunicado en julio del 2015 donde esclarecían la controversia, diciendo que Erlend Oye había estado con la banda en marzo del 2015 e incluso habían tocado el tema juntos. O sea, la polémica no pasó a más.

Como sea, Hyukoh es una banda que ha ganado bastante reconocimiento más allá de todo eso, con una fusión que tiene muchos diferentes tipos de rock desde el garage hasta el indie.

End These Days

Bueno, ya fue mucho indie-rock, ¿no? Volvemos a atorarle al rock de guitarras duras y ritmos frenéticos con esta espectacular banda llamada End These Days, que en los años recientes se ha convertido en punta de lanza de la escena metalcore (muy en auge en Corea del Sur) y el hardcore.

Tal vez la única bronca es que no son tan recurrentes con sus lanzamientos de larga duración, pues entre materiales dejan pasar bastante tiempo. En 2014 lanzaron un EP, en 2017 su primer material discográfico de larga duración con Ambivalence, y el último lanzamiento que tuvieron fue del 2020, con otro extended play llamado Dead End.

Como sea, son una bandota que vale la pena si te laten los breakdowns potentes y headbangear sin parar.

The post 5 bandas coreanas (que no son de k-pop) para tener en el radar appeared first on Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.
Continue Reading

Musica

Coldplay en Los Ángeles: Así es el Music Of The Spheres World Tour

Published

on

Coldplay en Los Ángeles

¡Coldplay en Los Ángeles! La banda canceló sus conciertos en la ciudad programados para el 2022, sin embargo, finalmente reagendaron una nueva fecha para el próximo 30 de septiembre en el Rose Bowl de Pasadena.

El concierto de Coldplay en Los Ángeles será especial ya que se trata del cierre de la gira Music Of The Spheres World Tour, la cual este año recorrerá más de 10 países por Norteamérica, Latinoamérica y Europa.

Coldplay en Los Ángeles Rose Bowl
Foto: Getty Images

¿Dónde puedo conseguir boletos para el concierto de Coldplay en Los Ángeles?

La venta general del concierto de Coldplay en Los Ángeles arrancará este 27 de enero de 2023 a las 10:00am, tiempo local, en Ticketmaster (POR ACÁ te dejamos la liga). Muchos de los boletos ya fueron vendidos durante la preventa, sin embargo, te recomendamos estar al pendiente con tiempo de anticipación para que puedas acceder a los pocos boletos que aún están disponibles.

Rose Bowl Coldplay en Los Ángeles
Foto: Getty Images

Coldplay en Los Ángeles: Un concierto inclusivo

La banda busca que sus shows de la gira Music Of The Spheres World Tour sean accesibles para todos. Es por ello que el espectáculo de Coldplay en Los Ángeles contará con:

  • Un intérprete de lenguaje de señas y un subwoofer portátil para aquellos que tengan problemas de audición.
  • Equipos de apoyo y estaciones de refugio para personas con desordenes sensoriales.
  • Tours guiados para las personas con problemas de visión.

Coldplay en Los Ángeles: Un concierto amigable con el medio ambiente

El concierto de Coldplay en Los Ángeles y su gira Music Of The Spheres World Tour es único porque tiene varios compromisos con el medio ambiente. A continuación te presentamos algunos de los que nos llaman más la atención:

  • Music Of The Spheres World Tour de Coldplay busca reducir sus emisiones de carbono al 50% en comparación a su gira anterior.
  • La producción está alimentada por energías renovables y de bajas emisiones. Por medio de un suelo especial, los brincos y bailes de los fans se convierten en energía para alimentar al escenario.
  • La banda pide a los fans que lleven botellas de agua rellenables para evitar la acumulación de basura.
  • El confetti que se usa en el show es 100% biodegradable.
Coldplay en Los Angeles Rose Bowl Pasadena
Foto: Getty Images

Escucha nuestra entrevista con Coldplay

Hace unos meses entrevistamos a Coldplay durante su exitosa gira que hicieron por México. Hablamos sobre muchos temas, entre ellos, su álbum Everyday Life y la tecnología de sustentabilidad de la gira Music Of The Spheres World Tour.

Dale play por acá y prepárate para el concierto de Coldplay en Los Ángeles:

The post Coldplay en Los Ángeles: Así es el Music Of The Spheres World Tour appeared first on Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.
Continue Reading

Trending

Copyright © 2021 Digital Media. Oye Andres, powered by WordPress.