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“Dancing Queen”: La historia sobre cómo se creó el éxito pop más grande de ABBA

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La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA

En la vida hay canciones que unos aman pero otros odian. Luego, hay otras que tienen un éxito efímero pues no logran trascender más allá de la época en la que salieron… Y luego está “Dancing Queen” de ABBA, esa que para muchos evoca lo que debe ser una buena canción de pop de relevancia innegable.

Vamos, que casi uno nace conociéndola. Es de esas rolas que probablemente ni recuerdes cómo llego a tu vida pero está ahí, lista para contagiarte las ganas de bailar y no parar. Ya con eso de por medio, uno entiende el poder que tiene el grupo sueco compuesto por Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid “Frida” Lyngstad.

ABBA anuncia su regreso con los integrantes originales después de 40 años
Foto: Getty Images

La canción tiene un mérito enorme porque para mediados de los 70, no era muy común ver a un grupo europeo triunfar a lo grande si no venía del Reino Unido, el eterno ‘competidor’ del mercado estadounidense en la industria musical. El tema se llevó el #1 en las listas del RU y fue el único de la banda que alcanzó esa misma posición en EE.UU.

Y así como ese, “Dancing Queen” tiene muchos detalles detrás de su creación que la hacen única. Legado puro del llamado europop.

Comenzando a grabar su más grande hit

ABBA ya tenía un nombre muy sonado en Europa para mediados de la década de los 70. Si bien no rozaban la popularidad masiva de, por ejemplo, The Beatles (más que en su natal Suecia), era claro que tenían algo que los distinguía del resto.

Para ese momento ya habían lanzado algunos discos, cambiado el nombre de la banda, ganado el Eurovision de 1974 con el tema “Waterloo” y el siguiente paso era seguir la buena inercia que llevaba su trayectoria. Pero había que alejarse del estigma de la banda de concurso y buscar impactar el mercado internacional.

Con su disco homónimo de 1975 consiguieron un éxito modesto, pero seguía sin ser lo esperado. Así que en el mismo año en que sacaron ese material, comenzaron a producir el próximo esfuerzo de estudio: una joya de la vida llamada Arrival que salió en 1976 y que significó su boleto a la fama mundial masiva.

La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA
Portada de ‘Arrival’. Foto: Polar Studios.

Y si significó un hitazo aquel álbum, se debió principalmente ese tema exquisito que es “Dancing Queen”. Pero el proceso hasta conseguir la perfección de esa canción claro que no fue fortuito ni fue fácil. Empezando por la parte instrumental, la inspiración directa que ABBA tomó para componer su obra maestra vino de otro hit de la época como lo fue “Rock Your Baby” del cantante George McRae, lanzada en 1974.

Los suecos se dejaron llevar por las pulsaciones de la música disco que McRae había impreso en su canción. Björn Ulvaeus, Benny Andersson eran unos verdaderos maestros para tomar una o varias influencias y proyectarlas en su trabajo de manera que no se sintieran como una copia.

Ya con la mira puesta en lo que querían crear con esa canción, se metieron al estudio para empezar a darle forma.

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Björn Ulvaeus, Anni-Frid Lyngstad, Benny Andersson y Agnetha Fältskog/ Foto: Getty

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La canción que hizo llorar a Frida

Saber si una canción tiene pinta para ser un éxito, es algo que parecería subjetivo. Pero en el caso de “Dancing Queen”, los miembros de ABBA han comentado en muchas ocasiones que sabían que su composición sería un verdadero hitazo, incluso antes de que le pusieran letra.

Tan solo para que se den una idea, Frida Lyngstad dijo alguna vez a The Guardian que lloró cuando Benny Andersson y Björn Ulvaeus le mostraron la pista de la canción; solo escuchó la pura música sin voz ni nada más. “Sabía que era absolutamente la mejor canción que Abba había hecho nunca”, dijo la cantante.

La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA
Frida Lyngstad en 1975. Foto: Getty.

“Dancing Queen” no sería lo mismo sin el manager de ABBA

¿Creen ustedes que “Dancing Queen” hubiera tenido la misma repercusión en el mundo de la música si se hubiera llamado diferente? Tal vez y en una de esas no, eh. Eso sí, aunque no nos podemos imaginar que este temazo hubiese tenido otro título, la verdad es que estuvo a punto de llamarse diferente.

Mientras componían la canción, Björn Ulvaeus y Benny Andersson la desarrollaban bajo el nombre de “Boogaloo”, que era un tipo de baile muy popular entre los 60 y 70. Pero el manager de la banda, Stig Anderson, sugirió que ni de chiste se quedara con ese título, para mejor nombrarla como la conocemos.

El propio Anderson, quien era dueño de la disquera Polar Music donde ABBA estaban firmados, participó activamente en la composición de la letra como lo hizo contras composiciones del grupo.

La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA
Stig Anderson (izquierda) y Bjorn Ulvaeus a las afueras de Polar Studios en Suecia. Foto: Getty.

Ya en la escritura de la letra, las modificaciones aparecieron. En una de las versiones, las cantantes Agnetha y Frida tenían pensado un verso que iba así:

“Baby, baby, you’re out of sight

Hey, you’re looking alright tonight

When you come to the party

Listen to the guys

They’ve got the look in their eyes”

Al final, esa línea lírica quedo descartada. Como podemos ver, “Dancing Queen” pudo ser bastante diferente de lo que conocemos hoy en día. Quién sabe si con esos detalles como el primer título que tuvo y con el verso cortado, hubiera sido el mismo éxito.

La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA
ABBA durante una presentación de 1970. Foto: Getty.

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El significado y el legado

La letra es directa y no se lía tanto en su significado, al menos literalmente. La canción presenta la historia de una joven de 17 años que solo busca un lugar con buena música para divertirse; ser la “reina del baile”. Es esa la sencillez de por medio que la hace tan mágica, porque es una invitación a bailar a través de ese ritmo de música disco que la caracteriza.

Pero “Dancing Queen” de ABBA ha sido analizada a lo largo de los años de diferentes maneras y hasta se le ha encontrado un significado más trágico del que parece. Algunos dicen incluso que la letra es narrada desde la perspectiva de otra persona que está en el mismo lugar que la chica de 17 años que se menciona en la letra.

Esta persona, este presunto narrador, es alguien mucho mayor de edad que observa a la joven convirtiéndose en la reina del baile. Este sujeto misterioso que la hace de narrador o narradora, sería alguien que se visualiza a sí mismo a través de la joven pues extraña esos años de juventud. Pero esa es solo una interpretación de las muchas que se ha hecho.

“Dancing Queen” ha sobrevivido al paso del tiempo como un clásico inolvidable. Su influencia ha llegado a artistas de diferentes épocas, por ejemplo, Blondie pues el guitarrista Chris Stein dijo en alguna ocasión que su canción “Dreaming” era un intento de hacer un hit del estilo de ABBA.

Elvis Costello también dijo en su momento que su clásico, “Oliver’s Army”, tiene una influencia directa del piano y teclados del éxito sueco. Hasta proyectos musicales más actuales como MGMT se han inspirado de alguna manera en el clásico de ABBA pues, como revelaron al programa Song Exploder, compusieron su tema “Time to Pretend” utilizando el tempo de “Dancing Queen”, registrado en 101 BPM.

Por ahí hasta se cuenta una anécdota de que esta es la canción favorita de la Reina Isabel del Reino Unido. Chris Evans, un reconocido DJ de la BBC, lo platicó en alguna transmisión de hace algunos años y según en palabras de Su Majestad, ella dijo que “siempre trato de bailar cuando suena esta canción porque soy la Reina y me gusta bailar.

La historia sobre cómo se creó y evolucionó "Dancing Queen" de ABBA
Ilustrativa de la Reina Isabel. Foto: Getty.

Indudable legado el que ABBA nos ha dejado por tantos años con una de las grandes canciones de pop por excelencia. Póngansela y no paren de bailar.

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¡Se logró! Dua Lipa aceptó un Dr. Simi en su show de Monterrey

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Vaya semana que tuvimos los y las fans de Dua Lipa en México, pues el pasado 21 de septiembre la cantante arrancó con su ‘Future Nostalgia Tour’, el cual la tuvo (desde días antes) dando el rol por la Ciudad de México y nos dio un show increíble en el Foro Sol.

El concierto de Dua Lipa en la CDMX fue memorable no sólo por el setlist y el espectáculo que brindó, sino también por la pequeña polémica que despertó luego de que se viera cómo la cantante pateó un peluche del Dr. Simi y hasta un sombrero charro que le lanzaron al escenario.

Foto: Especial

Dua Lipa llegó con su ‘Future Nostalgia Tour’ a Monterrey

Entre que muchos se rompieron las vestiduras por debatir si fue una actitud de diva o no, en Monterrey alguien logró lo impensable, pues durante el concierto que la artista británica dio en la tierra de la carnita asada se le vio cantando con un Dr. Simi en el escenario.

Fue la noche del viernes 23 de septiembre cuando Dua llegó al Estadio Banorte, donde dio un show que dicen incluso estuvo más interactivo que el de CDMX. Pero bueno, regresando al tema, Dua se encontraba cantando “We’re Good” cuando alguien le lanzó un peluche del Dr. Simi.

Dua Lipa con su Dr. Simi. Foto: Especial

Y aceptó un Dr. Simi que le lanzaron al escenario

En esta ocasión, en lugar de patear al pobre muñeco y sacarlo del escenario, la también modelo tomó el peluche y aplicó un Bruce Dickinson al cantar con el Dr. Simi. Algo que por supuesto enloqueció a muchos y muchas, ya que al final se logró que Dua Lipa formara parte de esta reciente tradición.

Va el video 100% real no fake de lo ocurrido:

De paso, explicó el porqué pateó el peluche que le lanzaron en su concierto de CDMX

Y bueno, antes de que empiecen con sus teorías de si Dua Lipa amó más a Monterrey por aceptar el peluche en cuestión, la cantante se tomó el tiempo de explicar el porqué pateó el Simi Lipa que recibió en CDMX. Algo que fue más por seguridad que por otra cosa.

“Por lo general, cuando las cosas se arrojan al escenario, pueden ser un peligro para la seguridad para mí y los bailarines, pero esto fue en el momento perfecto. Estamos bien Sr. Simi”, explicó Dua en sus historias de Instagram donde se le ve con el famoso peluche.

Foto: Dua Lipa (Instagram)

Ahora sí que, después de este Dr. Simi, sus visitas a lugares icónicos de la CDMX, los tacos de Orinoco y el temblor que vivió la madrugada del 22 de septiembre, podemos decir con toda seguridad: ¡Dua, hermana, ya eres mexicana!

Qué susto: Captan a Dua Lipa durante el temblor en la CDMX y así fue su reacción

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¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos

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¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos

Para muchos, el 24 de septiembre es un día más en la vida, pues no hay algo que se festeje especialmente en esa fecha. Sin embargo, para algunos fans de la música y sobre todo del rock, ese día es bastante especial pues dos de las bandas más importantes de la década de los 90 estrenaron un par de discazos que cambiaron la historia para siempre. Así es, hablamos de Nirvana y los Red Hot Chili Peppers.

Y es que es una gran coincidencia que tanto Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, como Anthony Kiedis, Flea, Chad Smith y John Frusciante hayan escogido esa fecha pero de 1991 para lanzar los que quizá sean sus mejores trabajos. Por un lado, los de Washington irrumpieron con el legendario Nevermind, mientras que la agrupación californiana la rompió por completo su quinto álbum de estudio, Blood Sugar Sex Magik.

¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron discazos
Cartel de la gira ‘Blood Sugar Sex Magik’ donde los Red Hot Chili Peppers tenían a Nirvana y Pearl Jam como invitados/Foto: Especial

Aunque eso sí, cabe aclarar que jamás hubo una batalla encarnizada entre Nirvana y Red Hot Chili Peppers o armaron una bronca mediática para ver quién sacaba el mejor disco aquel 24 de septiembre (cof cof, así como Blur y Oasis), pues incluso ambos salieron de gira juntos, es inevitable no hacer una comparación entre ambos álbumes (aunque tengan temáticas y sonidos muy diferentes). Es por eso que aprovechando que llegó el 24 de septiembre y estos materiales que cambiaron para siempre el camino de la música de los 90 cumplen 31 años, parece un buen momento para repasar la historia de estos discazos.

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Red Hot Chili Peppers renació con ‘Blood Sugar Sex Magik’

Empecemos con la banda que en aquel entonces tenía más experiencia, los Red Hot Chili Peppers. Para 1991, la agrupación ya contaba con cierta fama. Habían conseguido un disco de oro con Mother’s Milk y tenían éxito con su nueva versión de “Higher Ground” de Stevie Wonder. Sin embargo, seguían siendo una especie de banda underground, pues aún no era un éxito nacional y mucho menos a nivel internacional. Pero no sabían que todo eso estaba a punto de cambiar.

Tras conseguir un nuevo contrato discográfico con Warner Brothers después de abandonar EMI, Anthony Keidis y John Frusciante empezaron a escribir canciones para lo que sería su primer lanzamiento para su nuevo sello. Se decidieron por Rick Rubin para producir el álbum, quien aceptó a pesar de haber rechazado trabajar con ellos en su tercer disco de estudio, Uplift Mofo Party Plan debido a las adicciones a las drogas de Keidis, Frusciante y el ex guitarrista Hillel Slovak, quien lamentablemente perdería la vida el 25 de junio de 1988 debido a una sobredosis de heroína.

¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos
Foto: Getty Images

Los Red Hot Chili Peppers decidieron que querían un ambiente interesante para las sesiones de grabación, y después de varias opciones eligieron la famosa “Houdini House”, la mansión del legendario Harry Houdini la cual se dice que está embrujada –pues hay quienes han dicho que les metieron un sustazo–. La casa, propiedad de Rubin, se equipó rápidamente con el equipo necesario y en mayo de 1991, la mayoría de los integrantes –excepto Chad Smith– decidieron mudarse a este lugar para trabajar el tiempo que sea posible en el estudio.

Un disco que le dio la libertad a la banda

La banda grabó durante un mes en la casa, y además de pasar por un momento de crecimiento musical, las canciones que estaban grabando se alejaban del sonido que presentaron en su trabajo previo. Por si esto no fuera suficiente, también se dieron un montón de libertades creativas y quien más disfrutó de esta situación fue Frusciante, pues pudo experimentar con los tonos de su guitarra tirándole más al funk y jugar con diferentes sonidos, como en el solo de “Give it Away”, que se convirtió en un gran éxito y sigue siendo una canción popular después de todos estos años.

La combinación de una producción estelar y una composición más melódica y madura resultó ser una combinación enormemente exitosa. Eso sí, las letras de estas canciones de los Red Hot Chili Peppers seguían siendo en su mayoría sobre divertirse, pero transmitieron ideas poderosas con Blood Sugar Sex Magik. Lo decimos porque Anthony Kiedis y compañía también dan mensajes antirracistas (“The Power of Equality”) y reflexiones sobre las relaciones rotas (“Breaking the Girl” y “I Could Have Lied”), concretamente las del frontman, quien canta de una manera melancólica como pocas veces podemos escuchar.

No a todos les encantó la fama y éxito

Finalmente el 24 de septiembre de 1991, el disco llegó a todas las tiendas y Warner Brothers aventó toda la carne al asador por este proyecto, encargando los vídeos de “Give it Away”, “Suck My Kiss”, “Under the Bridge” y “Breaking the Girl”, que se convirtieron en los sencillos principales del material que terminaron sonando por todos lados y algunas de las rolas más famosas de toda su discografía.

No se puede negar el impacto de Blood Sugar Sex Magik, que todavía hoy se considera como el lanzamiento más importante en la carrera de los Red Hot Chili Peppers. A todo el mundo le encantó el éxito, excepto a Frusciante, que pensó que de alguna manera manchaba la música. Su frustración lo llevó a dejar la banda a mitad de la gira y a sumergirse en las profundidades de la adicción a la heroína. A partir de ese momento, John fue y regresó en un par de ocasiones y afortunadamente ahora lo tenemos de vuelta con sus compañeros, creando discos interesantes. Sin embargo, este álbum que sacaron a inicios de los 90 y Californication probablemente sean los mejores trabajos de su historia, ¿no creen?

Nirvana se consagró con el legendario ‘Nevermind’

Ahora sí, llegó el turno de contarles un poco sobre la historia de uno de los discos más influyentes de la música, el Nevermind de Nirvana. Para 1991, Kurt Cobain y Krist Novoselic ya tenían la atención de un público pequeño pero fiel gracias a su álbum debut, Bleach. Sin embargo, en esa época llegó un elemento importante que junto a ellos conformó el trío perfecto: ni más ni menos que Dave Grohl.

Aunque había indicios de su sonido en otras bandas antes de que llegaran a la escena, ese año fue el momento perfecto para que los de Washington se abrieran paso. Su versión más austera de la fórmula versos tranquilos/estribillos fuertes, similar a la de los Pixies, y la voz ronca y característica de Cobain fueron el antídoto ideal contra el exceso de la década anterior del rock, y aunque en este disco todavía hay pequeños indicios de la producción de los años 80, la agresividad de la banda y la oscuridad de los temas líricos estaban sin duda más en sintonía con la sensación de aislamiento y pesimismo de la Generación X.

Nirvana
Foto: Getty Images

La banda creó un disco lleno de clásicos para la juventud noventera

Grabado principalmente en los estudios Sound City de Van Nuys, California con la producción del gran Butch Vig, con Nevermind, Nirvana terminó de pulir su estilo. Por un lado, teníamos los brutales golpes de batería por parte de Dave Grohl, a Krist Novoselic creando líneas de bajo discretas pero potentes y ni qué decir del sonido de la guitarra de Kurt Cobain, que con distorsión y algunos efectos, creó riffs memorables que cualquier joven que apenas comenzaba a tocar la lira podía tocar sin tener que estudiar años y años para lograrlo.

Gracias a rolas como “Come As Your Are”, “Polly”, “In Bloom”, “Something in the Way”, “Breed”, “Lithium” y más, la banda logró conectar con esos adolescentes incomprendidos de la década que encontraron en las letras de Cobain –donde hablaba de experiencias con las cuales se puede identificar en esa edad– y su manera de contarlas, una figura que tanto necesitaban pues los representaba y eso no lo veían veían en los artistas de las generaciones previas.

Sin duda, este álbum es uno de los más influyentes de la historia

Y por supuesto, no podíamos dejar pasar la canción más icónica del álbum, “Smells Like Teen Spirit”. Sabemos que la hemos escuchado hasta el cansancio, pues es uno de esos temas que las bandas de covers tocan a cada rato. Pero siendo muy honestos y analizándola un poco, esta rola es una muestra de lo que pasaba cuando Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl unían fuerzas. Con un inicio poderoso, versos tranquilos, coros estruendosos y pegajosos y un solo melódico pero memorable combinándose con el mensaje sobre rebeldía juvenil, hicieron que el movimiento de grunge explotara y le abrieron paso a muchas otras bandas.

Nevermind se estrenó el 24 de septiembre de 1991 y llegó en el momento exacto. Era música por, para y sobre un nuevo grupo de jóvenes que habían sido pasados por alto e ignorados, que no encajaban con los moldes de la sociedad. Pero no solo eso, pues con este material discográfico, Nirvana llevó al rock alternativo al público masivo, confirmando que era viable a nivel cultural y comercial. Y sí, hay un debate entre los fans porque algunos consideran que este es su mejor trabajo y otros opinan que In Utero, pero estamos de acuerdo en que los de Washington cambiaron la música de los 90 con su segundo álbum de estudio.

Cuando salió este disco,, había una pequeña división, pues un lado apoyaba a Kurt Cobain y compañía, pero los rockeros “true” estaban con otras bandas. Sin embargo, lo más cool de este asunto es que hablando de los Red Hot Chili Peppers en específico, tanto sus fans como los de Nirvana apreciaban a ambas agrupaciones.

Y ustedes, ¿con qué álbum se quedan, Blood Sugar Sex Magik o Nevermind?

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Red Hot Chili Peppers le rinde tributo a Eddie Van Halen con su nueva rola

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Red Hot Chili Peppers le rinde tributo a Eddie Van Halen con su nueva rola

Si algo no pone contentos es saber que los Red Hot Chili Peppers están de vuelta y con un montón de música bajo el brazo. Como recordarán este 2022, Anthony Kiedis, Flea, Chad Smith y John Frusciante estrenaron su duodécimo álbum de estudio, Unlimited Love. Sin embargo, en unas cuantas semanas nos presentarán otro disco llamado Return of the Dream Canteen y eso nos tiene muy emocionados.

De este nuevo material discográfico ya hemos tenido chance de escuchar el primer sencillo, “Tippa My Tongue”, el cual tiene ese sonido funk frenético de la banda que tanto nos encanta (POR ACÁ pueden checar la rola). Pero ahora y como otro adelanto, la agrupación nos presenta un tema bastante especial, pues está dedicado a una verdadera leyenda y uno de los mejores guitarristas de la historia.

Red Hot Chili Peppers anuncia 'Return Of The Dream Canteen', su segundo disco del año
Foto: Clara Balzary

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Red Hot Chili Pepper recuerda a Eddie Van Halen con su nueva rola

Este 23 de septiembre, los Red Hot Chili Peppers sorprendieron a sus fans estrenando una rola llamada “Eddie”. Este tema es sumamente especial porque con él, la banda le rinde tributo al gran Eddie Van Halen. Y no, antes de que peguen el grito en el cielo, no armaron una canción de hard rock o algo parecido, pues lo homenajean utilizando su propio estilo. Aunque eso sí, en el solo, John Frusciante usa una que otra de las míticas técnicas que el guitarrista popularizó.

A través de un post en sus redes sociales, Anthony Kiedis habló sobre la historia detrás de esta rola y dijo que no querían que el mundo recuerde a Eddie por haber muerto, sino por haber vivido su más grande sueño, dedicarse a la música:

“A veces no nos damos cuenta de lo profundamente afectados y conectados que estamos con los artistas hasta el día de su muerte. Eddie Van Halen era único en su especie. El día después de su muerte, Flea llegó al ensayo con una emotiva línea de bajo. John, Chad y yo empezamos a tocar con él y muy pronto, con todo nuestro corazón, se desarrolló una canción en su honor sin esfuerzo”.

“Se sentía bien estar triste y preocuparse tanto por una persona que había dado tanto a nuestras vidas. Aunque la canción no habla de Eddie por su nombre, habla de sus primeros días en el Sunset Strip y de la escena de rock n roll que Van Halen pintó en nuestras mentes”.

Frankenstrat: Esta es la historia de la curiosa guitarra de Eddie Van Halen
Foto: Getty Images

Por si no lo recordaban, Return of the Dream Canteen, el nuevo material discográfico de los Red Hot Chili Peppers estará disponible el próximo 14 de octubre. Pero mientras esperamos a que llegue el día para escucharlo completito y para ir calentando motores, chequen a continuación “Eddie”, su nuevo sencillo donde homenajean al gran Eddie Van Halen:

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