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Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico

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Cuando un nuevo artista comienza a hacer ruido, no faltan aquellos que inmediatamente se desviven en comparaciones. Que si se parece a este o a aquel, que si se debe encasillar en un género musical… vaya, la cosa se pone medio tensa y bueno, entendemos que quizá esos es parte del ser un artista emergente, pero de lo que no hay duda es que cada cierto tiempo, algunos como Elliot Moss llegan para hacerse de un sello propio más allá de lo que digan los demás.

Este fabuloso compositor, productor y cantautor lleva unos años y tiene ya algunos materiales discográficos de gran calidad en su espalda. Y es que detrás de su aspecto tímido y reservado, en realidad se esconde un talentoso neoyorquino que ha ido cimentando una carrera interesante desde que tenía 20 años, valiéndole comparaciones con gente de la talla de Thom Yorke, Chet Faker o James Blake… pero él, desde luego, ha labrado su propio camino.

Para la ocasión, hablaremos un poco de él, de su trayectoria y por ahí, les mostraremos algunas canciones para que agregen a sus listas de reproducción.

Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico

Elliot Moss. Foto: Getty

¿Quién es Elliot Moss?

La historia musical de Nueva York tiene a leyendas de todo tipo: desde The Velvet Underground, pasando por los Beastie Boys hasta el nuevo milenio, con The Strokes. Ahí, en medio de la imponente y majestuosa escena neoyorquina, Elliot Moss ha intentado hacerse un espacio como un compositor sobresaliente.

Él nació un 4 de noviembre de 1993 en la región de Upstate y pronto, supo que su vocación eran las artes, especialmente la música. Y no desistió de hacer lo que le gustaba, pues además en su familia también había músicos desde hace algunas generaciones. Sin embargo, este chico sería eventualmente un poco menos tradicional en cuanto lo que consideraba como su ADN musical.

Mucho de ello, lo encontró en un periodo donde sus compañeros de clase estaban listos para partir a la universidad, por allá durante los primeros años de la década del 2010. Con 19 años, él ya comenzaba a componer y a grabar sus primeras canciones, esto en una prueba de sus habilidades como productor, compositor y más. La gran sorpresa vendría pronto.

Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico

Elliot Moss. Foto: Getty.

Comenzando fuerte: ‘Highspeeds’

El gran paso en las aspiraciones artísticas de Elliot Moss llegó en 2014 con el lanzamiento de Highspeeds. Por supuesto, al tratarse de un artista independiente, la recepción a nivel internacional no fue lo que uno llamaría demoledora, pero en el sentido estricto del análisis, debemos decir que su disco debut cuajó bien donde sonó.

Con el apoyo de la disquera Bad Future como sus respaldo para distribuir, Moss se encargó de producir y componer su propio material, el cual contiene 12 temazos. Y sí: todo esto lo hizo apenas con 21 años edad. De este disco, la crítica inmediatamente alabó “Big Bad Wolf”, “I Can’t Swim”, “Faraday Cage” y “Best Light”, que eran un torbellino que te mantenía en sintonía con lo mejor del trip-hop, el rock alternativo, el soul, el blues y la música electrónica sin desentonar.

Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico

Elliot Moss. Foto: Getty.

Sin embargo, el tema que abrió las puertas para él en mayor medida fue “Slip” una sensual y siniestra melodía donde hace gala de cada una de sus facetas musicales. Pero como dijimos, un artista emergente no se escapa de las referencias ni las comparaciones. Con dicho lanzamiento, diversos medios inmediatamente le compararon Chet Faker, con Justin Vernon de Bon Iver, con el también productor James Blake y sobre todo, con Thom Yorke de Radiohead.

Siendo honestos, recibir esas comparaciones no es para nada una mala referencia de lo que significa tu trabajo y en diversas entrevistas, Elliot Moss ha abrazado bien las comparaciones tomándolas como halagos. “‘Highspeeds’ es sombrío y serio, pero se trata de esperanza. Creo que tener los dos uno al lado del otro hace que el brillo se vea más brillante y el oscuro se vea más oscuro. Quiero que la gente experimente las mismas emociones y resoluciones que inspiraron las canciones”, dijo en una entrevista con el sitio StageBuddy tras el lanzamiento del disco.

2015-2018: De gira con bandas importantes, un nuevo EP y su primer show en México

Tras la salida de Highspeeds, Elliot comenzó a tourear formalmente y en grande cuando llegó el 2015. En muchas ocasiones, sirvió de apoyo para bandas con más recorrido y del renombre de Cold War Kids, Digitalism e incluso Nada Surf (otro proyecto histórico del underground neoyorquino). En ese sentido y para demostrar que no se achicaba ante los escenarios grandes, el joven de Upstate New York llegó en 2015 al legendario festival South By Southwest, mejor conocido SXSW.

Y así rodó con algunas fechas por Estados Unidos, pero el hambre del artista despierta de la nada y cuando menos se lo imagina uno. Entonces, Elliot regresó al estudio para componer algunos temas y lanzarlos como parte del extended play (EP) titulado Boomerang, donde nuevamente pondría de manifiesto su calidad como productor. Si quieren echarle una probadita a este material, empiecen escuchando “99” y la magnífica “Closedloop”.

Para Elliot Moss, ya era momento de dar el salto a otros países lejos de la comodidad anglosajona. Así que el siguiente reto era llegar a la Ciudad de México, donde ya establecía una base de seguidores importante. Su primera presentación se iba a realizar en octubre de 2017 en el Foro Indie Rocks, pero desafortunadamente se canceló el concierto ya que por esos días, la ciudad tenía poco de haber sufrido el terremoto del 19 de septiembre.

Como sea, Moss no dejó al público mexicano con las ganas e inmediatamente reagendó la fecha para febrero de 2018. Los que estuvimos ahí, pudimos presenciar el poder sonoro y la virtuosidad de un chico que, a pesar de lucir introvertido, en el escenario se transforma por completo.

El segundo álbum de estudio y su música llegando a otros medios

Más giras, más conciertos y de nuevo, Elliot Moss entró al estudio. Como mencionamos, se trata de un sujeto que es introvertido a todas luces y que prefiere trabajar en silencio que andar constantemente haciendo anuncios. Bajita la mano y con mucha concentración, el neoyorquino, dejando la estela de promesa para convertirse en una realidad de la industria, lanzó en  enero de 2020 el disco A Change In Diet.

Desafortunadamente, la gira que planeaba -que volvería a pasar por México en marzo de ese año- debió frenarse por el tema de la pandemia, pero eso no lo detuvo de hace algunos remixes de su reciente disco, como aquel que realizó de su canción “Bodyintoshapes” (sí, así todo junto) en compañía de la colombiana Elsa y Elmar.

Pronto, su música encontró cabida para musicalizar algunas series como Power Book II: Ghost de Starz con la rola “99” y recientemente, “Slip” -su track más reconocido- se pudo escuchar en Elite de Netflix. Ahora, con los festivales regresando poco a poco alrededor del mundo, lo veremos arribar a México para tomar el escenario de Corona Capital en noviembre de 2021.

¿Qué hace especial a Elliot Moss?

Como mencionamos al principio, Elliot Moss ha sido distinguido por la crítica debido a su producción pulida, su excelente uso de elementos electrónicos y las diferentes influencias que lo llevan desde el rock alternativo hasta el blues, el soul, el trip-hop y la música dance. Aunado a ello, su música tiene una vibra melancólica muy abrazadora, muy atmosférica que nos hace entender esa comparación con artistas como James Blake o el mismo Thom Yorke.

Más allá de la influencia, debe quedar claro que Elliot Moss se ha encaminado para bien imponiendo un estilo, tanto en la producción como en la composición y en su grave voz a la que sabe sacarle provecho, de manera inteligente, en el estudio. Esa es la importancia de ser un ‘hombre orquesta‘. Sin duda, merece más proyección a futuro.

 

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Que siempre no: Simon Gallup sigue siendo integrante de The Cure

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El 2021 nos ha traído grandes noticias a nivel musical. Para empezar, el regreso de los festivales y conciertos en gran parte del mundo nos tiene muy emocionados, además también volvieron un montón de artistas y bandas luego de un buen rato en silencio. Aunque no todo ha sido maravilloso, porque también nos enteramos de cosas que nos dieron para abajo y que de plano no veíamos venir, como la salida de Simon Gallup de The Cure.

Fue en agosto de este mismo año cuando el bajista de la banda británica anunció que luego de tantos años tocando con Robert Smith y compañía, dejaría al grupo (ACÁ lo pueden checar). Por supuesto que nos agüitamos, porque junto al vocalista y frontman, era el miembro más antiguo. Sin embargo, no perdíamos la esperanza de que en una de esas, Simon recapacitara y decidiera regresar como ya lo ha hecho en el pasado, pues entre 1982 a 1984 se tomó un descanso.

Que siempre no: Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure

Foto: Getty Images

Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure

Por supuesto que luego de esta noticia, los fans de The Cure andaban tristes, ya que las líneas de bajo de Simon Gallup terminaron por consolidar el sonido clásico de la banda. Pero tranquilos, parece que no todo está perdido, pues todo indica que después de declarar que abandonaría a sus compañeros y al menos para el bajista, aún es integrante del legendario grupo… si así como lo leen, no estamos inventando nada y mucho menos nos lo sacamos de la manga.

De acuerdo con Stereogum, hace unos días el nuevo proyecto de Gallup, Alice Blue Gown, publicó una foto del músico en su cuenta de Facebook. En las respuestas, un fan preguntó: “¿Simon sigue siendo miembro de The Cure?, a lo que el propio bajista respondió: “Sí, lo soy”. Como era de esperarse, esta breve declaración le voló la cabeza a los fanáticos de la banda y muchos comenzaron a especular que regresará pronto con Robert Smith y compañía.

Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure... ¿regresará?

Foto vía Twitter: @ThatCarlTapia

A pesar de que lo que dijo Simon Gallup es importante, cabe aclarar que hasta el momento de redactar esta nota, tanto él como The Cure no han confirmado absolutamente nada sobre su regreso a la banda. Eso sí, podría ser que con sus palabras nos esté dando una pista de que pronto volverá, ¿no creen? Pero mientras esperamos a que nos aclaren cómo está eso de que aún es miembro del grupo, escuchemos una de sus mejores líneas de bajo.

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‘Music Of The Spheres’: Coldplay se pone intergaláctico para su disco más pop a la fecha

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El noveno disco de estudio de Coldplay tiene un giro aún más pop de lo que le conocemos a la banda desde su concepción, ya que Max Martin entra como jefe de producción del disco, y quien es conocido por haber hecho éxitos como “Baby One More Time”, “I Want It That Way” e “It’s Gonna Be Me”, que si de Britney Spears, Backstreet Boys, y *NSYNC

En éxitos más recientes, conocemos al sueco por “Blinding Lights” de The Weeknd o “We Are Never Ever Getting Back Together” de Taylor Swift. Todo un experto en superpop entra al equipo del cuarteto londinense con Chris Martin y compañía.

Un disco conceptual e intergaláctico

Para ésta entrega, los ingleses crearon conceptualmente doce esferas en las que la música está prohibida, hasta que una DJ extraterrestre se atreve a transmitir en una Radio Alienígena, bajo el mensaje de que todos somos uno en el universo.

El tema espacial ha sido una constante en Coldplay desde “Yellow” pero quizás nunca había acaparado por completo un disco. Con guiños desde el ‘X&Y’, y bastante presencia en ‘Mylo Xyloto’ y ‘Everyday Life’, por fin el cuarteto de Londres se lanza completamente a un viaje intergaláctico y de un superpop que busca sonar en todos lados.

 

Bastantes canciones pudieron haber funcionado mejor en una paleta de sonidos clásica de los londinenses, sin embargo, optaron por considerar beats y sintetizadores, como muestra, “Let Somebody Go” una balada sobre beats prácticamente finalizada por Chris Martin, en la que dialoga con Selena Gómez sobre un amor que se acaba.

Parece la muestra más clara de la decisión de Coldplay por ir hacia el pop muuuy pop, en un tema que fácilmente se hubiera quedado en una versión sencilla y propia de haber sido elaborada durante sus primeros discos, ahora se va hacia la producción sofisticada y enorme.

La exploración de sintetizadores e interludios

Entre canciones tituladas como emojis (que por cierto… ¿cómo se les llamará para referirse a estas rolas?), sintetizadores intensos y fantasías explorando los sonidos digitales, identificamos a Coldplay por la voz de Chris Martin al frente y algunos motivos en los coros, pero se logra ubicar por completo a ésta banda que dejó a un lado los instrumentos como guitarras y bajo para mudarse a nuevos géneros poco orgánicos.

La canción que abre el disco seguramente abrirá los shows de ésta gira, en palabras de la banda, y nos muestra la elección de sonidos muy particulares para denotar o dar una pista de los tracks que siguen. Posteriormente, encontramos “Humankind” la celebración de la unión con Max Martin, quien no solo produjo, sino que se unió como un invitado a tocar en éste disco. Un elemento persistente son las progresiones en sintetizadores a la “Baba O’Riley” de The Who.

Posiblemente sea la canción más apegada a lo clásico de Coldplay, considerando la presencia de guitarras acústicas y una letra más introspectiva que el resto del disco. Envuelta en una producción de superpop, ésta canción está pensada para ser tocada en estadios, lo que le emociona bastante a la banda. El coro llama a repetirse en tu cabeza y quedarse ahí un buen rato, muestra de la experiencia de los ingleses en el pop.

Inmediatamente después, el interludio de emoji de estrellas sirve para sacudirte un poco y esperar lo que viene. En vivo, posiblemente encontremos estos interludios como transiciones para cambiar instrumentos o presentar algún video en pantallas.

Colaboraciones nuevas y retomar viejas canciones

Además de Selena Gómez y BTS; se unen en éste trabajo las armonías vocales distintivas de Jacob Collier abriendo “♥”, con el apoyo de We Are KING, con quiénes Coldplay ya ha trabajado en vivo recientemente. Es, sin duda alguna, la canción más distinta al resto del disco, es un canto a manera de lamento gospel. Será muy interesante escuchar esto en vivo. Y claro que sí, acá se nota toooda la influencia de Jacob Collier, hasta parecería que le dieron plena libertad de proponer y probablemente dirigir las voces y armonías. Grande, Jacob.

Retoman “People of the Pride” de las sesiones de Viva la Vida, es el tema en el que la banda parece tomar de nuevo las guitarras, con un riff de glam rock que sigue sobre arreglos de beats y sintetizadores. Un llamado a la revolución con arreglos orquestales que sin duda se generó en el pasado, pero al que retocan con su nuevo concepto artístico.

Entre intento, prueba y errores

No todos los nuevos temas bajo la producción recién estrenada son gratos, ya que de plano “Biutyful” es una incursión sumamente ajena e incómoda con una voz procesada, supuestamente atribuible a un alien. Se generó para ‘Everyday Life’, sin embargo, no parece haber evolucionado a una versión final que llegara al nivel de los demás temas. O sea, el ritmo para este soft pop está curioso, pero… ¿era necesario? Sepa… pero eso sí, de que la letra es linda, es muy linda. Habla de amor a la vida, comprensión, y hasta un poco de empatía.

Llega una de las canciones más esperadas del disco: “My Universe” con BTS. Una colaboración un tanto polémica pero que ha sido muy bien recibida por el público, sobre todo por los fans del gigante del k-pop. Y es que sí, está muy para cantar y seguro en vivo sonará mega macizo. Un tema súper pop que hasta pone de buenas nomás de escucharlo. ¿Suena a Coldplay? Al que solíamos conocer hace una década, no en lo absoluto. ¿Suena interesante e innovador? Totalmente.

Un acierto en la exploración es “∞” la progresión de notas en sintetizadores y con beats no tendrá falla en vivo para bailar, y éste interludio es la explosión de todo lo anterior.

Que por cierto, no olviden que Coldplay anunció su gira mundial en el WTC, y como parte de dicha gira estarán visitando México en el 2022 para dar tres conciertos: en CDMX, GDL, y MTY. Acá puedes encontrar la info de precios de boletos y demás.

El cierre que vale la escucha del disco

Coloratura” cierra ésta entrega como la canción más larga que ha hecho Coldplay, inspirada en la vida después de la muerte. La canción es una pieza musical completa e intensa en sí misma, con una estructura que fue difícil de descifrar para la banda. Para el final del disco, la banda retomó instrumentos como el piano, las guitarras y el bajo.

El propio puente y transición son una unión positiva entre los inicios de Coldplay y la actual propuesta que tienen, inmersa en lo digital y pop. Es la canción con la que han cerrado los primeros shows promocionales del álbum, un acierto para no olvidar sus raíces.

Tracklist de ‘Music Of The Spheres’ de Coldplay

1.- ⦵ (Music of the Spheres)
2.- Higher Power
3.- Humankind
4.- *✧ (Alien Choir)
5.- Let Somebody Go (ft. Selena Gomez)
6.- ♡ (Human Heart) (ft. We Are King & Jacob Collier)
7.- People of the Pride
8.- Biutyful
9.- ❍ (Music of the Spheres II)
10.- My Universe (ft. BTS)
11.- ∞ (Infinity Sign)
12.- Coloratura

Music of the Spheres

Foto: Especial

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