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Así ha sido la evolución de los shows en vivo de Linkin Park

Published

2 meses ago

diciembre 31, 2024

Lo que necesitas saber:

A lo largo de los años, Linkin Park se ha reinventado, incluso en sus conciertos. Aquí repasamos la evolución de sus shows en vivo.

Hay bandas que hemos tenido el privilegio de seguir desde sus inicios hasta la actualidad, las cuales llevan años en la industria musical reinventándose y tratando de salir de su zona de confort. En esa lista por supuesto que tenemos a Linkin Park, quienes no han dejado de innovar a la hora de dar sus shows en vivo.

Parece que fue ayer cuando esta agrupación estadounidense irrumpió en la escena musical de California con su álbum debut, Hybrid Theory, en la última época dorada del nu metal. Después de eso, se convirtieron en un proyecto sólido al combinar rock con hip-hop, electrónica y más sonidos

Recordemos la primera vez que Korn y Linkin Park tocaron en México — Linkin Park en los premios Grammy 2002/Foto: Getty Images

Con el paso de los años, Linkin Park nos siguió regalando discazos como Meteora, Minutes to Midnight o A Thousand Suns, con los que siguieron experimentando y ampliando su sonido. Más tarde vinieron otros álbumes, entre ellos Living Things, The Hunting Party y One More Light, que los mantuvieron como una de las bandas más importantes de su generación.

Sin embargo, todo cambió para la agrupación en 2017, cuando lamentablemente, su vocalista y frontman, Chester Bennington murió a los 41 años. Desde entonces, los integrantes restantes se dedicaron a otros proyectos, dejando en la cuerda floja el futuro de la banda originaria de California.

La mamá de Chester Bennington opina sobre Emily Armstrong como la nueva vocalista de Linkin Park — Con la muerte de Chester Bennington, era incierto el futuro de Linkin Park/Foto: Getty Images

Tuvieron que pasar siete años para que Mike Shinoda, Joe Hahn, Brad Delson y Dave Ferrell regresaran como Linkin Park. De entrada, lanzaron su octavo álbum de estudio, From Zero, pero también volvieron con una alineación completamente nueva, con Emily Armstrong y Colin Brittain como cantante y baterista respectivamente.

Como verán, la historia de esta banda siempre se ha tratado de reinventarse, de innovar. Y eso se puede ver incluso en sus conciertos. Es por eso que acá repasaremos la evolución de este grupazo en vivo, desde que eran una agrupación en ascenso hasta ser uno de los proyectos de rock más relevantes de los últimos tiempos.

Linkin Park junto a Emily Armstrong — Emily Armstrong es la nueva vocalista de Linkin Park. Foto: James Minchin III

Así ha sido la evolución de Linkin Park en vivo

Desde sus inicios, Linkin Park se caracterizó por dar presentaciones potentes. En particular, llamaban la atención por esa combinación única de hip-hop y rock. Y eso lo llevaron al escenario, pues mientras Brad, Dave y Rob Bourdon armaban una base ponchada de guitarra, bajo y batería, Joe le daba duro a las tornamesas, mientras que Chester se rifaba con su impresionante voz y Mike Shinoda hacia lo propio como MC.

Durante la época de Hybrid Theory, a la banda le bastaba con usar un telón de fondo con su nombre (y la tipografía de su disco debut) para prender a todo el público que se lanzaba a verlos. Y la verdad es que no necesitaban nada más, pues lo más importante era que lograban llevar su sonido crudo a sus shows en vivo. Y así los vimos por primera vez en México en 2002, cuando acompañaron a Korn en el antiguo Foro Sol de la CDMX (acá repasamos ese momento).

Para la era de Meteora, Linkin Park mantuvo esa onda “sencilla” en sus conciertos, pues seguían enfocándose más en la música y cómo sonaban en vivo (que podríamos decir que es lo más importante). Sin embargo, se nota que en ese entonces ya se preocupaban por mostrar una propuesta visual en sus presentaciones.

Lo decimos porque además del telón que ya usaban desde la etapa anterior, durante la gira de su segundo material discográfico, su escenario estaba adornado con imágenes que hacían alusión a la identidad gráfica de la portada de este álbum. Así que desde ese lado, dieron un pasito adelante para evolucionar sus shows.

De ‘Meteora’ hasta ‘A Thousand Suns’

Entre 2007 y 2009, Linkin Park anduvo promocionado su tercer álbum de estudio, Minutes to Midnight. Para eso, armaron una gira que pasó por gran parte de Europa, Estados Unidos, Asia, Australia y Nueva Zelanda. Sin embargo, durante esa gira se vio otro pequeño cambio en cuanto a sus actuaciones en vivo.

Lo decimos porque para las fechas que daban en solitario, la agrupación introdujo una serie de pantallas en donde proyectaban visuales que acompañaban el mood de cada una de las rolas que tocaban. Aunque eso sí, para las presentaciones en festivales, volvieron a usar el clásico telón con su nombre. Dependiendo del lugar en donde dieran show, mostraban algo diferente.

Para la era de A Thousand Suns, Linkin Park le metió más producción a los conciertos de esta gira. Lo decimos porque durante las presentaciones de su cuarto material discográfico, sorprendieron agregando una enorme pantalla en forma de cubo que le daba otra perspectiva al escenario donde tocaban.

Eso sin contar que también presentaron un nuevo show de luces, que en conjunto con los visuales y claro, las canciones y presencia de la banda, daban como resultado una combinación potente para quienes los vieran en concierto. Definitivamente, esta fue una de las mejores etapas de la agrupación en vivo.

Linkin Park dio un gran salto para ‘Living Things’ y ‘The Hunting Party’

Entre 2012 y 2013, Linkin Park armó una gira mundial como parte de la promoción de Living Things, su quinto álbum de estudio. Y para estos conciertos, decidieron dar un salto en cuanto a la calidad de su show, pues apostaron por una puesta en escena impresionante que incluyó una pasarela en forma de X sobre el escenario donde los integrantes de la banda podían dar la vuelta y lucirse. Además de agregar pirotecnia en unos cuantos momentos de sus conciertos.

Fue en esta época y con esta misma presentación que, después de una década sin visitar México, la agrupación decidió regresar a nuestro país para aventarse dos fechas en Monterrey (que incluso se grabó para el programa MTV World Stage) y en la Arena Ciudad de México. A continuación les dejamos un par de videos de ese par de conciertazos.

Para la era de The Hunting Party, Linkin Park una vez más salió de gira y en esta ocasión decidieron optar por reinventar su espectáculo en vivo. Lo decimos porque durante los conciertos de este tour, llevaron todo al siguiente nivel con tres pantallas centrales en forma de triángulo que se ubicaban arriba de la banda, pero podían subir y bajar dependiendo de la rola que sonara.

Eso sin contar que tanto Mike Shinoda como Joe Hahn y Rob Bourdon tocaban dentro de unas plataformas en forma de cubo que, al igual que las pantallas, mostraban una serie de visuales que era una verdadera locura. Lamentablemente, con este show fue la última vez que vimos a la agrupación en México con Chester Bennington, pues en 2015 regresaron para presentarse una vez más en Monterrey y la CDMX.

Los últimos conciertos con Chester Bennington y una nueva etapa para la banda

Como ya lo comentábamos antes, en 2017 murió Chester Bennington. Sin embargo, meses antes de que ocurriera la tragedia, Linkin Park se embarcó en una gira para darle vuelo a su séptimo material discográfico, One More Light. Aunque en esta ocasión, decidieron apostarle a un espectáculo en vivo un tanto “sencillo”, en donde de nuevo, lo importante fuera la música y nada más.

Solamente un par de torres de luces LED acompañaban a la banda en el escenario y, como en sus inicios, le dieron más peso a la interpretación de sus canciones y a cómo sonaban en directo que a otra cosa. Lamentablemente, el 6 de julio de aquel año en la Barclaycard Arena de Birmingham, Reino Unido, la agrupación tocó por última vez con Chester, cerrando la etapa más exitosa del proyecto y de plano una era en su carrera.

Tras la pérdida de Chester Bennington y un enorme descanso para pensar las cosas, pasaron siete años para que Linkin Park diera señales de vida. En 2024 y después de meterle mucho suspenso al asunto, la banda anunció que regresaba com Emily Armstrong como su nueva vocalista y con la noticia del lanzamiento de From Zero, un álbum de estudio completamente inédito.

Para presentar a su nueva líder, la agrupación dio un concierto que se transmitió en línea donde además de tocar sus clásicos, también presentaron rolas recién salidas del horno y un espectáculo nuevo. Quizá lo más impresionante de este show de vuelta fue que sobre los integrantes, montaron una pantalla que proyectaba unos visuales que junto a la música, lucían brutales.

Sin embargo, para las fechas que armaron por distintas partes del mundo para presentar From Zero, Linkin Park tiró la casa por la ventana. Una vez más, le tiraron a una escenografía con un par de pantallas en forma de cubo que mostraban visuales alucinantes y un juego de luces que en vivo deben ser una locura. No cabe duda que esta banda sabe cómo impresionar con sus shows en vivo.

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Musica

La banda apoyada por Mogwai que te hará volver a creer en el shoegaze

Published

11 min ago

febrero 26, 2025

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Si son fans del shoegaze y andan buscando bandas actuales con este sonido, tienen que darle una oportunidad a Bdrmm.

A pesar del cambio de tendencias en la industria musical, el shoegaze sigue siendo un género que cautiva a las nuevas generaciones. Gracias a las redes sociales, muchos jóvenes han descubierto este sonido e incluso lo tomaron para hacer su propia música. Tal es el caso de Bdrmm, un grupazo que les volará la cabeza.

Se sabe que históricamente, el Reino Unido siempre nos ha dado bandas muy rifadas. Y vaya que en la actualidad, siguen saliendo proyectos bastante interesantes de este lado Pero si lo de ustedes son los guitarrazos densos y atmosféricos, combinados con melodías de ensueño, tienen qué escuchar a esta bandota.

BDRMM: La banda que te hará recordar el buen shoegaze — BDRMM/Foto vía Facebook de la banda

El nacimiento de Bdrmm y su ascenso a la fama

Bdrmm es una banda británica originaria de Kingston upon Hull, en el Reino Unido. Su historia comenzó en 2016, cuando Ryan Smith decidió empezar a componer y producir música en su cuarto (de ahí el nombre proyecto, que viene de la abreviatura de bedroom). Sin embargo, la dirección que lo que quería hacer cambió por completo.

Poco a poco, la complejidad de las canciones de Ryan fue creciendo, a tal grado de que tuvo que reunir a un un grupo para tocar en vivo. Es por eso que junto a su hermano Jordan Smith, Joe Vickers, Danny Hull y Luke Irvin armó la primera alineación de la banda, con la que sacó sencillos de manera digital como “C:U”.

Con el apoyo del sello londinense Permanent Creeps, que se aseguró de que dicha rola sonara en la radio británica (específicamente en la BBC Radio 1), Bdrmm se ganó la atención de la industria musical. Al mismo tiempo, la banda se la pasó dando un montón de conciertos y sacando sencillos con los que se fueron ganando una base de fans.

Bajita la mano, la agrupación despertó el interés de Sonic Cathedral, discográfica especializada en shoegaze que los firmó en 2019 y un año después, lanzó su EP debut, If Not, When? Es gracias a este trabajo que empezaron a hacer giras por el Reino Unido, donde los fue conociendo más gente.

La banda terminó firmando con el sello de Mogwai

A pesar de la pandemia, el 2020 fue bueno para Bdrmm, pues a mediados de aquel año estrenaron su primer material discográfico, simplemente titulado Bedroom. Con este álbum bajo el brazo, la banda creció su nombre como una de las grandes promesas de la música británica y eso no solo les dio la oportunidad de tocar en más ciudades, incluso visitar otras partes de Europa, como Países Bajos.

Para 2022, el grupo se la pasó toureando por Alemania, Francia, Irlanda, Bélgica, Dinamarca, España e incluso Lituania. Pero en esta época también dieron uno de los pasos más importantes de su carrera al firmar con Rock Action Records, el sello discográfico de Mogwai, lo que les dio un gran apoyo. Y los cambios siguieron, pues Danny Hull y Luke Irvin se fueron, aunque en la batería llegó Conor Murray para cerrar la alineación definitiva del grupo.

En 2023, Bdrmm sacó el que quizá sea su trabajo más ambicioso hasta la fecha, su segundo álbum de estudio, I Don’t Know. En este disco, la banda expandió su sonido, pues a pesar de que mantuvieron la esencia shoegaze que tanto los ha caracterizado, también incluyeron más géneros como ambient, slowcore, trip-hop y hasta jazz.

Como ya es una tradición de la agrupación británica, durante gran parte del 2024 se la pasaron tocando tanto en festivales como en conciertos propios por todo el Reino Unido y varios países de Europa. Sin embargo, en medio de todos estos shows, se dieron el tiempo de componer más canciones y pronto las podremos escuchar completas.

Bdrmm reavivará el cariño que tienes por el shoegaze

El 2025 pinta para ser un gran año para Bdrmm, pues a finales de febrero lanzan su tercer material discográfico, Microtonic, el cual promete muchísimo. De entrada, los sencillos que sacaron (entre ellos “John on the Ceiling”, “Infinity Peaking” y “Lake Dissapointment”) nos dejaron con un gran sabor de boca, pero además incluirán colaboraciones con otros artistas emergentes británicos como Working Men’s Club y Olivesque.

Definitivamente si son fans del shoegaze, de ese sonido lleno de voces apenas perceptibles, distorsión y efectos de guitarra, feedback y volumen pesado, tienen que darle una oportunidad a este grupazo, porque estamos seguros que cuando los escuchen van a recordar por qué aman tanto este género. Van calados y garantizados.

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Toy Selectah y el IMS harán la música del Mundial 2026

Published

2 horas ago

febrero 26, 2025

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Toy Selectah y el IMS lanzarán cada uno una versión especial del tema oficial del Mundial 2026. Te explicamos qué son los Sonic ID.

Estamos a poco más de un año de que se realicé la Copa del Mundo de la FIFA, que tendrá como sedes a Estados Unidos, México y Canadá. Y considerando que esta será la edición más grande de la justa futbolera hasta el momento, también se está cocinando algo nuevo en la parte de la música del Mundial 2026.

Se trata de un proyecto llamado Sonic ID y en esto, están inmersos tanto Toy Selectah como el Instituto Mexicano del Sonido, esto con el objetivo de mostrarle al mundo la diversidad cultural de los países sede.

Toy Selectah y el IMS en la música del mundial 2026 con los Sonic ID — Imagen ilustrativa de la Copa Mundial de la FIFA 2026. Foto: FIFA.

Primero, la diferencia entre canción oficial y tema oficial

Siempre que se acerca el Mundial, muy aparte del fútbol, se habla mucho de las canciones y temas oficiales del torneo. Y en ese sentido, la FIFA ya había compartido desde hace un tiempo el tema oficial para la justa del 2026.

Ojo, que el tema oficial de la Copa y las canciones oficiales son cosas distintas. La diferencia es que las canciones oficiales, por lo regular tienen un título específico y son interpretadas por uno o más artistas (como “La copa de la vida” de Ricky Martin o el “Waka Waka” de Shakira).

Y por otro lado, los temas oficiales son esas piezas instrumentales que, sobre todo, escuchamos la mayoría de las veces al inicio de las transmisiones televisivas de los partidos acompañadas de una intro animada. Aquí abajo te dejamos el tema oficial del Mundial del 2026.

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Un homenaje a Violeta Parra: Mon Laferte y Javiera Parra comparten escenario por primera vez

Published

4 horas ago

febrero 26, 2025

Luis Ontiveros

En el marco de la Feria Internacional de la Música de Guadalajara (FIM GDL), se llevó a cabo un homenaje a Violeta Parra con una charla y un performance especial en la Sala 2 del Conjunto Santander de Artes Escénicas. El evento reunió a la cantante Mon Laferte y a Javiera Parra, nieta de la legendaria artista chilena, en un escenario compartido por primera vez.

La conversación, moderada por Margarita Hernández Ortiz, Coordinadora General de Extensión y Difusión Cultural de la Universidad de Guadalajara, también contó con la participación de Beatriz Bustos, curadora de la exposición Recolectoras, actualmente exhibida en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA).

A lo largo del encuentro, las invitadas compartieron sus vínculos personales y artísticos con Violeta Parra, reflexionando sobre su impacto en la música, la cultura y la identidad latinoamericana.

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Un legado que trasciende generaciones

Cuando se les preguntó sobre su primer acercamiento con Violeta Parra, Javiera Parra relató cómo la figura de su abuela la marcó desde la infancia.

“Mi vínculo con ella siempre ha sido un poco onírico. Fue hasta los tres o cuatro años cuando escuché su voz por primera vez, una voz tan particular, con un timbre maderoso, tierno y fuerte a la vez. Me daba pena escucharla, creo que porque la tenía asociada a la tristeza de mi padre, que ya no estaba más. Desde entonces, su voz siempre significó algo profundo y potente para mí”, compartió.

Javiera recordó que, con el tiempo, comenzó a descubrir el humor y la denuncia en las canciones de su abuela, describiéndola como “una cuentacuentos”. Más adelante, con respeto y admiración, se atrevió a interpretarla. “Hoy siento que ya estamos fusionadas, que ella es parte de mí y yo soy parte de ella”, afirmó.

Por su parte, Mon Laferte recordó que su primer contacto con la música de Violeta fue en la escuela.

“En Chile nos enseñan a la Violeta desde que somos muy chiquitos. Tocábamos sus canciones en la flauta, pero en ese momento no profundizábamos en el mensaje, solo aprendíamos la melodía. Después, mi mamá la escuchaba mucho y, cuando empecé a componer mis propias canciones en la adolescencia, me di cuenta de lo que realmente significaba su obra. Me enamoré de su escritura”, relató.

Mon destacó la dualidad en la obra de Parra. “Violeta tenía una parte muy punk y visceral, pero también un sentido del humor muy filoso. Podía pasar de ser graciosa a desgarradora con una facilidad impresionante. En mi adolescencia, conecté mucho con su forma de escribir”.

La presencia inquebrantable de Violeta

Para Beatriz Bustos, el legado de Violeta Parra ha atravesado la historia de Chile de una manera única. Recordó su primer recuerdo de la artista el día de su fallecimiento.

“Mis padres siempre hablaban de Violeta. Tengo una imagen muy clara: una cocina amarilla y mi mamá diciendo ‘Murió Violeta, murió Violeta’. Su legado ha estado presente siempre, desde los vinilos en mi casa hasta mi nieta de siete años, que hoy canta La Jardinera. Violeta es cultura viva”, expresó.

Javiera complementó la idea al describir la devoción de la gente por su abuela.

“Es como una rockstar espontánea y real. A su tumba la gente va a dejar flores todo el año. Hay músicos ambulantes que pasan por ahí y se instalan a cantar. El año pasado, para su cumpleaños, fui con una prima que vive en Bélgica. Al llegar, encontramos a un grupo de personas con sillas, listos para un concierto. Era el sindicato del Colegio de Profesores de Chile, haciéndole un homenaje íntimo, sin público ni prensa, solo por la necesidad de darle gracias. Eso es muy lindo, es cultura viva”, destacó.

La influencia de Violeta en la música de hoy

Mon Laferte habló sobre cómo la honestidad y visceralidad de Violeta Parra han influenciado su propia carrera.

“Cuando escribo una canción, si no tengo nada que decir, no la escribo. Y en Violeta encuentro eso: cada canción es un diario de vida. Ella escribía con tripa, con todo, pero también con una inteligencia impresionante. Yo decido ser completamente honesta en mi música, sin miedo ni vergüenza, y creo que Violeta fue la maestra de eso”, afirmó.

Para Javiera, la obra de su abuela se caracteriza por la curiosidad y la humildad.

“Violeta quería aprender de todo. Su mayor trabajo fue recopilar el folclore de Chile, viajando por el país, rescatando cantos, ritmos e historias. Pero lo increíble es que, después de aprender, de incorporar ese conocimiento, lo deconstruyó. Creó un universo lleno de personajes, volcanes, pájaros y tierra. Eso es un ejemplo hermoso para cualquier músico: primero observar, respetar y admirar, pero luego atreverse a crear algo propio”, reflexionó.

Javiera también compartió una anécdota poco conocida sobre el origen de las arpilleras de Violeta.

“Ella empezó a bordarlas porque tuvo hepatitis y el médico la obligó a guardar reposo. Como no podía tocar ni viajar, miró la sábana de su cama y la vio como un lienzo en blanco. Así comenzó su desesperación por crear. No dibujaba los diseños antes de bordarlos, todo estaba en su cabeza. Fue una carrera paralela a su música y su poesía, una necesidad de expresión que trascendía cualquier medio”.

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El arte textil como forma de protesta

En la exposición ‘Recolectoras’, actualmente en el MUSA, se exhibe una arpillera de Violeta Parra titulada ‘La Huelga de los Campesinos’. Como parte del homenaje, Mon Laferte creó su propia arpillera contemporánea, ‘La Huelga de las Putas’, inspirada en la lucha contra la violencia de género.

“Cuando Beatriz me propuso hacer una obra que dialogara con la de Violeta, pensé que estaban locos. Pero tomé el reto y usé una técnica de bordado aprendida de mujeres arpilleristas chilenas. Mientras bordaba, escuchaba su música e imaginaba a Violeta en la misma posición, sacando su necesidad de expresión más allá de la música y la poesía. Ella era una artista sin importar el medio”, relató Mon.

Sobre el mensaje de Violeta que sigue vigente, Javiera reflexionó.

“Ella habría seguido haciendo música maravillosa, probando todas las técnicas, vinculándose con los jóvenes. Me encanta su desprejuicio, su capacidad de aprender del otro. Su obra nos propone vivir con honestidad, en un mundo donde todo es efímero y superficial. La vida real es tocarse, quererse, frustrarse. Y Violeta nos recuerda eso”.

Para finalizar la charla, se leyeron algunos poemas de Violeta e interpretaron canciones junto a Mon Laferte y Javiera Parra.