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10 discos para entender el enorme legado de Quincy Jones
Lo que necesitas saber:
Quincy Jones fue uno de los nombres más importantes en la historia de la música y de plano, estos 10 discos confirman su legado.
Hay nombres sin los cuales, no podríamos entender la música que escuchamos en la actualidad. Y es que más allá de los artistas y bandas que nos gustan, existen personas sin las cuales, probablemente jamás hubieran llegado al estrellato. Tal es el caso de Quincy Jones, una verdadera leyenda de la industria musical y arquitecto del sonido de los últimos 60 años.
Quincy Delight Jones, Jr. –como en realidad se llamaba– inició su carrera como trompetista en los 50 y años después, se mudó a Nueva York para comenzar a trabahar como compositor, arreglista y productor para leyendas del jazz como Thelonious Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis e incluso su viejo amigo, Ray Charles.
Repasemos el legado de Quincy Jones con 10 discos importantes en su carrera
Después de viajar a París a mediados de la década, donde conoció a personalidades como Leonard Bernstein y hasta Pablo Picasso, Quincy Jones regresó a Estados Unidos para convertirse en vicepresidente de Mercury Records, donde grabó y produjo a artistas del tamaño de Tony Bennett, Sarah Vaughan y Peggy Lee.
Fue ahí donde comenzó a forjarse un nombre importante en la producción, aunque al mismo tiempo, a través de sus discos como solista, Quincy siguió demostrando su enorme talento musical. Sin embargo, fue a inicios de los 80 cuando su nombre se hizo mundialmente conocido por su trabajo con el mismísimo Michael Jackson.
Definitivamente, hablar de Quincy Jones es mencionar a una persona clave en la historia de la música y para rendirle tributo a las grandes aportaciones que hizo a este arte, a continuación repasaremos el legado que nos deja como arreglista, compositor y productor a través de 10 discos clave en su carrera.
‘Miles & Quincy Live at Montreux’ (1993)
Ok, arrancamos con un disco que si bien, no aparece en la lista de los mejores hechos por Miles Davis, es un retrato de la enorme y complicada carrera de esta legendaria figura del jazz. Y sí, el principal involucrado para que se hiciera realidad este proyecto tan caótico pero maravilloso fue el gran Quincy Jones.
Grabado durante la presentación que dio Miles en el Festival de Jazz de Montreux 1991 junto a Jones y su orquesta –la cual se dio tres meses antes de que Davis muriera a los 65 años–, este álbum demuestra la genialidad del músico estadounidense, tocando con fragilidad su trompeta sin olvidar el poder que siempre tuvo con este instrumento.
En conclusión, este disco confirma el increíble trabajo de Quincy Jones como productor, pues se encargó de que su amigo y colaborador sonara impecable y, sin saberlo, se luciera en lo que sería uno de sus últimos conciertos. Una verdadera joyita que de plano, es un deleite escucharlo de principio a fin.
‘In the Heat of the Night’ (1967)
Además de su enorme trayectoria en la industria musical como tal, Quincy Jones también fue un gran compositor de scores para el cine y la televisión. Y uno de sus primeros grandes trabajos en este ámbito fue lo que hizo en 1967 para In the Heat of the Night, película protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger
Por si no fuera suficiente hacerse cargo de la música original para esta cinta (la cual estuvo fuertemente cargada por un sonido sureño único con un toque de funk que en aquel momento sonaba futurista), Quincy también se encargó de componer la canción principal de esta producción, que fue interpretada por el mismísimo Ray Charles.
Todo esto dio como resultado canciones emotivas y conmovedoras a In the Heat of the Night, la cual nos cuenta la historia de policía afrodescendiente del norte de Estados Unidos que se enfrenta al racismo sureño. Y sí, la película no hubiera sido la misma sin las composiciones de Quincy Jones.
Frank Sinatra – ‘Sinatra at the Sands’ (1966)
A lo largo de su carrera, Quincy Jones trabajó varias veces con el icónico Frank Sinatra, como director de orquesta y arreglista. Sin embargo, lo que consiguió en Sinatra at the Sands junto al pianista Count Basie fue probablemente la mejor de sus colaboraciones, pues creó una colección de canciones simplemente geniales.
Para ese entonces, Jones aún era un joven que estaba iniciando su carrera, pero prometía muchísimo y dejó claro que tenía algo especial al combinar el talento de Basie con la privilegiada voz y encanto de Sinatra. A todo esto le agregó un repertorio de canciones que incluyó algunas de las mejores canciones de la trayectoria del cantante estadounidense.
Sinatra at the Sands, con los arreglos y el trabajo de Quincy Jones, ofrece a quien lo escuche la versión definitiva de Frank Sinatra, un artista en la cumbre de su vida que nos regala momentos sentimentales y grandiosos en este disco en vivo, que se siente como si el tiempo se detuviera para escuchar por poco más de una hora a una de las voces más importantes de la historia.
Quincy Jones – ‘Big Band Bossa Nova’ (1962)
Por si no fuera suficiente su carrera como productor, Quincy Jones nos regaló grandes discos como solista. Y un ejemplo de ello fue Big Band Bossa Nova de 1962, el cual es una experiencia espectacular que nos muestra el lado de Jones como líder de una banda de jazz, donde rompió un poco la barrera entre la música orquestada y con el pop y ritmos más ligero.
Quizás conozcan mejor este álbum por “la rola homónimo “Soul Bossa Nova”, famosa por ser el tema principal de la serie de películas de Austin Powers, pero también muestra el fervor autodidacta de Jones por los sonidos complejos que se unen para crear algo increíblemente agradable.
George Benson – Give Me the Night (1980)
Esta colaboración entre Quincy Jones Jones y el famoso guitarrista , George Benson es una verdadera joyita. En Give Me the Night, estas dos mentes maestras hicieron un disco fuertemente influenciado por el blues, soul, funk, jazz y R&B, que es una muestra de la enorme presencia del músico originario de Pittsburgh en la música.
Este material discográfico no solo logró que Benson volviera a entrar en el número 1 de las listas de popularidad, también le dio un revival importante a su carrera. Prueba de ello fue que ganó tres Grammys: Mejor interpretación vocal masculina de R&B por la canción principal, Mejor interpretación instrumental de R&B y Mejor interpretación vocal de jazz masculina por el blues. Si no están tan familiarizados con el trabajo de George, por aquí pueden entrarle.
Little Richard – ‘The King of the Gospel Singers‘ (1961)
Como podrán notarlo a lo largo de esta lista, Quincy Jones trabajó con un montón de artistas enormes. Uno de ellos fue Little Richard, un pionero del rock and roll quien a inicios de los 60 nos presentó The King of the Gospel Singers, un álbum en el que se aleja un montón del sonido por el que se hizo famoso.
Como su nombre indica, este disco se centra en las influencias gospel de Richard, con las que volvió a sus orígenes. Con decirles que para muchos, este material fue una de las mejores grabaciones de toda la carrera del cantautor estadounidense. Aunque eso sí, no hubiera sido lo mismo sin la mano de Jones y la orquestación que le puso a las 12 canciones.
The King of the Gospel Singers resultó ser un trabajo muy importante para Little Richard, pues indirectamente, dio con la resurrección de la carrera en el rock de este artistazo, ya que después de eso compartió escenario con The Beatles. En palabras del cantante, este álbum que hizo con Quincy Jones fue lo que realmente lo devolvió al negocio, pues lo inspiró a volver a su sonido pasado.
The Brothers Johnson – ‘Right on Time‘ (1977)
Durante muchos años, Quincy Jones tuvo varios colaboradores frecuentes. En esa lista se encuentran The Brothers Johnson, dúo conformado por los hermanos George (“Lightnin’ Licks”) y Louis E. Johnson (“Thunder Thumbs”) que trabajaron con el productor en cuatro ocasiones, aunque quizá la más importante fue Right on Time.
Con este material discográfico, su segundo álbum de estudio, este par recibió ciertas críticas por cómo juntaron el funk, el pop y el disco. Pero fue innegable que la mano de Jones le dio un toque más comercial al sonido y propuesta que querían proyectar en aquel entonces.
A fin de cuentas, Right on Time de The Brothers Johnson fue un éxito, pues el disco recibió certificación de platino y llegó al número 2 en la lista de R&B de Billboard. Por si esto no fuera suficiente, gracias a la canción “Strawberry Letter 23” –la más recordada del álbum– también le valió un Grammy a Quincy Jones.
Aretha Franklin – ‘Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)’ (1973)
A inicios de los 70, Quincy Jones tuvo la oportunidad de entrar al estudio con otra artista icónica: ni más ni menos que la ‘Reina del Soul’, la enorme Aretha Franklin. En esta década, la cantante estaba pasando por una etapa de transición y eso se notó con Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), su decimonoveno álbum de estudio.
Este álbum fue planeado originalmente para ser un material discográfico de jazz puro, con canciones como “Moody’s Mood” y “Just Right Tonight”, pero tanto Jones como Franklin (quien también le entró a la coproducción) se desviaron un poco de la idea principal e incluyeron rolas mucho más poperas.
Más allá de que no tuvo el recibimiento que esperaban, Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) resultó ser el disco más experimental de toda la carrera de Aretha Franklin y definitivamente, mostró una de las características de Quincy Jones como productor: tratar de sacar a leyendas de la música de su zona de confort.
Quincy Jones – ‘Back on the Block’ (1989)
En 1989, Quincy Jones lanzó el que para muchos, es el mejor álbum de estudio de toda su carrera en solitario: Back on the Block. Este proyecto fue sumamente ambicioso en todos los sentidos, pues reunió a músicos y cantantes de tres generaciones de la industria musical y fue una verdadera locura en cuanto a combinación de sonidos.
Para que se den una idea de cómo está el asunto, este material discográfico mezcla jazz, R&B y pop con hip-hop– Además, cuenta con invitados especiales del tamaño de Ray Charles, Miles Davis, Chaka Khan, Luther Vandross, Barry White, El DeBarge, Bobby McFerrin y George Duke, así como las últimas grabaciones de estudio de las grandiosas Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.
Con este disco, Quincy Jones volvió a conquistar los premios Grammy, pues se llevó siete categorías, incluido el Álbum del Año. Fuera de su trabajo como productor y con otros artistas enormes, este fue su mejor momento como solistas y sin lugar a dudas, demuestra el enorme poder e influencia que tenía en la industria para que nombres tan chonchos apoyaran este proyecto.
Michael Jackson – ‘Thriller’ (1982)
Por supuesto que teníamos que cerrar esta lista con Thriller, el disco más vendido de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Aunque Quincy Jones y Michael Jackson trabajaron en álbumes como Off the Wall y Bad (que son geniales), lo que lograron con este material discográfico los llevó a otro nivel.
La producción de Quincy en este discazo es impecable, aunque más allá de su trabajo en los controles, fue de mucha ayuda para aterrizar y hacer realidad las ideas locas que tenía Michael en la cabeza para su sexto álbum de estudio. Y eso se nota en la combinación de géneros, que van desde pop, disco, balada y funk hasta R&B e incluso rock. Además de incluir a colaboradores como Paul McCartney, Eddie Van Halen e integrantes de Toto.
Gracias a Thriller, la carrera de Michael Jackson explotó, y por supuesto que el trabajo que hizo con Jones en este material les valió un montón de reconocimientos, pues impuso un récord en los Grammy de 1984 al llevarse ocho premios. Aunque quizá, el mayor mérito de Quincy fue consolidar a MJ como el indiscutible ‘Rey del Pop’, con temazos como “Billie Jean”, “Beat It”, “PYT (Pretty Young Thing)” y la rola homónima.
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El regreso de Maná a la ciudad tendrá un impacto que irá más allá de la música. La banda anunció que el pago que recibirá por su concierto gratuito del 17 de junio en La Minerva, en el marco del Mundial, será destinado a la plantación de árboles en la Zona Metropolitana de Guadalajara (ZMG) y municipios como Puerto Vallarta, como parte de su compromiso ambiental.
“Las ganancias que nos pasó el Gobierno las regresamos a los árboles de Jalisco. Vamos a hacer una plantación masiva. Creemos que la causa más importante ahorita es revertir el cambio climático a través de la siembra de árboles y la disminución del CO2. No es un discurso, es una realidad, y debemos dejar un mejor futuro a nuestros hijos y nietos”, expresó Fher Olvera durante una rueda de prensa.
El vocalista detalló que la iniciativa se realizará en colaboración con autoridades estatales. Maná mantiene un vivero en Ahuisculco, con producción cercana a 10 mil árboles al año.
La presentación en La Minerva llega unos días después de que Maná se presentara en la inauguración de la Copa Mundial 2026, un momento que la agrupación considera el punto más alto de sus cuatro décadas de carrera.
“Fue el evento donde más gente nos ha visto en nuestra historia. Después de tantos años de trabajo como banda, imagínate, llegamos a este momento tan satisfactorio”.
Ahora, la banda ofrecerá su primer concierto gratuito: un espectáculo de unas dos horas con producción a gran escala, pantallas, iluminación, sonido a lo largo de la avenida Vallarta y algunas sorpresas.
“Va a estar perrísimo. Es completamente gratis para que vaya la abuelita, la tía… es una verbena tapatía. Para nosotros es agradecerle a la ciudad que nos dio cancha para crecer y desarrollar nuestra carrera”.
Por su parte, Alex González aseguró que el concierto será una noche histórica para Guadalajara. “Aquí empezaron esos sueños de algún día ser una banda famosa, y mira hasta dónde ha llegado. Se lo debemos a los fans de Guadalajara, de Jalisco y de todo México”.
El regreso de los profetas
Después de haber aparecido ante los ojos del mundo durante la inauguración de la Copa Mundial de la FIFA 2026, Maná volverá a sus raíces. La banda tapatía ofrecerá este 17 de junio un concierto gratuito en La Minerva, un espectáculo que representará su primer show masivo sin costo en Guadalajara y una celebración de cuatro décadas de carrera junto a la ciudad donde comenzó un sueño que terminó por conquistar escenarios internacionales.
Su reciente participación en la apertura del Mundial marcó un antes y un después. Acostumbrados a tocar ante miles de personas alrededor del planeta, el alcance de aquel momento fue algo distinto.
“Fue el evento donde más gente nos ha visto en nuestra historia, en nuestra carrera. Después de 40 años de trabajo de los ‘Manás’ llega este momento tan satisfactorio. Echamos todo el corazón y esos nervios se convierten en energía para poder interpretar bien lo que hacemos”, recordó Fher Olvera.
Sergio Vallín coincidió en que, pese a la larga trayectoria del grupo, la experiencia mundialista tuvo una dimensión especial.
“Nunca habíamos tenido la experiencia de estar en un Mundial. Fue algo increíble. Estamos acostumbrados a tocar para muchas personas, pero lo del Mundial fue una sensación de sentir a todo México unido con el rock and roll de Maná”, expresó.
La repercusión también sorprendió a la agrupación. Alex González señaló que tras su aparición comenzaron a recibir mensajes y reacciones de lugares donde incluso nunca se habían presentado.
“Te empiezan a llegar cosas de Japón, Alemania, Francia, Italia, de países donde quizá nunca hemos tocado, y ahí te das cuenta del nivel de exposición que tuvo. Mucha gente ya conocía a Maná y otros empezaron a investigar quién era esta banda”, comentó.
Ese impulso mundial llegará ahora a Guadalajara, en un escenario cargado de simbolismo. La Minerva, uno de los íconos más reconocibles de la ciudad, recibirá por primera vez un concierto gratuito de la banda que nació en sus calles.
Alex recordó, incluso, una anécdota personal con el monumento y aseguró que el espectáculo representa una especie de regreso al punto de partida. “Se lo tenemos que agradecer a los fans de Guadalajara, de Jalisco y de todo México, porque de aquí salimos para el resto del mundo”.
Para Maná, la noche de mañana miércoles será también una forma de reencontrarse con los tapatíos que los vieron tocar en pequeños foros antes de convertirse en uno de los grupos más importantes de habla hispana.
“Nos hemos ganado el cariño y el amor de los tapatíos a base del esfuerzo. Aquí tocábamos en los antros más pequeños que te imaginas. No somos de otro lado, somos tapatíos y hemos puesto en alto la música hecha en Guadalajara”, dijo Fher.
Un gusto heredado
A cuatro décadas de su nacimiento, Maná reconoce que una de las razones de su permanencia es que sus canciones dejaron de pertenecer únicamente al grupo para formar parte de las historias personales de millones de personas.
“Lo más bonito es cuando la obra se vuelve más importante que el artista. (Por ejemplo) ‘El reloj cucú’ nació de algo que me pasó con la muerte de mi padre, pero ahora pertenece a mucha gente que también ha perdido a alguien”, reflexionó Fher.
Alex añadió que en las giras recientes han visto cómo nuevas generaciones llegan a sus conciertos y cantan temas que conocieron gracias a sus padres y abuelos.
El aniversario número 40 de la banda continuará con una gira por estadios de América Latina, con presentaciones en ciudades como Buenos Aires, Bogotá, Lima y Santiago, además de su regreso a México con un concierto en el Estadio GNP.
También adelantaron que trabajan en la posibilidad de lanzar un documental con material de archivo que han conservado desde sus primeros años, con la intención de contar cómo se construyó la historia de una banda que salió de Guadalajara para convertirse en un referente mundial del rock en español.
Dos horas de éxitos
El concierto de Maná está planeado como una fiesta popular. La agrupación adelantó que ofrecerá cerca de dos horas de música con un repertorio lleno de éxitos, una producción de gran formato, pantallas, iluminación especial y sistemas de audio distribuidos a lo largo de la avenida Vallarta para que los asistentes puedan disfrutar de la experiencia.
El grupo abridor será la agrupación tapatía Afro Brothers, mientras que Maná subirá al escenario alrededor de las 21:00 horas. Además, la banda confirmó que, como acostumbra, el concierto será grabado en audio y video para conservar el registro de una noche que consideran histórica.
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¿Sabías que el último gran legado de Oliver Tree no fue una canción, sino un valiente grito contra el acoso escolar? Tras su trágica muerte en Brasil, su mensaje final en Instagram invita a las personas a replantearse cómo tratamos a los demás en el día a día.
Lee también: Así reaccionó Rubius EN VIVO a la muerte del youtuber Gaspi tras choques de helicópteros en Brasil
El excéntrico cantante estadounidense, conocido mundialmente por éxitos virales y pegadizos como “Life Goes On”, perdió la vida el 14 de junio de 2026 en un fatal accidente aéreo. Dos helicópteros colisionaron trágicamente en el cielo de Río de Janeiro, apagando de forma repentina la voz de un artista verdaderamente irrepetible.
Sin embargo, poco antes de la tragedia que conmocionó profundamente a la industria musical global, el músico decidió usar su enorme plataforma digital para un fin noble. En una publicación que ahora da la vuelta al mundo, abordó con total crudeza y honestidad el doloroso impacto del bullying.
Un mensaje que trasciende la música
A través de su cuenta oficial, el artista compartió una reflexión íntima sobre las profundas cicatrices emocionales que deja el acoso en los jóvenes. Sus palabras resonaron de inmediato entre sus millones de seguidores, mostrando una faceta vulnerable y muy alejada de su habitual personaje cómico e irreverente.
Aunque siempre se caracterizó por su humor absurdo y su estética extravagante, esta vez decidió hablar desde el corazón para defender a quienes sufren en silencio. Esta declaración cobró un significado aún más poderoso al conocerse su repentino fallecimiento, convirtiéndose en un testamento imborrable de empatía y respeto mutuo.
El artista no solo hablaba del tema por compromiso mediático, sino que lo integraba orgánicamente en su filosofía de vida y en su innovadora propuesta artística.
Su postura frente al acoso escolar se basaba en acciones concretas que buscaban generar un cambio real y tangible en su joven audiencia. A continuación, destacamos los pilares fundamentales de su incansable lucha contra esta grave problemática social:
- Vulnerabilidad como fortaleza: Siempre animó a sus fans a abrazar sus rarezas y a nunca avergonzarse de ser diferentes al resto de la sociedad.
- Apoyo a las víctimas: Utilizaba sus multitudinarios conciertos para crear espacios seguros donde la tolerancia y la inclusión eran las únicas reglas permitidas.
- Alianzas estratégicas: Su estrecho vínculo con diversas ONGs demostró un interés genuino y sostenido en erradicar la violencia en las aulas escolares.
- Mensaje directo: Sus letras, especialmente en canciones icónicas como Jerk, ya anticipaban su rechazo frontal y sin tapujos hacia los abusadores.
El impacto de su despedida en la sociedad actual
La pérdida de Oliver Tree nos deja una lección invaluable sobre la extrema fragilidad de la vida y el peso de nuestras palabras. La rápida viralización de su último post nos recuerda que el ciberacoso y el bullying presencial siguen cobrando víctimas silenciosas a diario en todo el planeta.
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El legado de este ícono del pop alternativo ya no se mide únicamente en reproducciones de Spotify o en visualizaciones masivas dentro de TikTok. Su verdadera herencia es un llamado urgente a la acción colectiva: debemos ser más amables, proteger a los vulnerables y jamás callar ante la injusticia.
Esta nota fue redactada con ayuda de inteligencia artificial y revisada por un editor.
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La sorpresiva noticia sobre la muerte de Oliver Tree en un trágico accidente aéreo ha conmocionado a internet. Conocer su legado a través de sus canciones más icónicas es la mejor forma de entender por qué este artista logró conectar de manera tan genuina con toda una generación.
De empezar siendo un domingo tranquilo como cualquier otro, el pasado 14 de junio pasó a ser uno de los días más tristes para la comunidad digital. A través de diversos medios de comunicación se informó el lamentable fallecimiento del cantante estadounidense en un fatal accidente de helicóptero ocurrido en Río de Janeiro, Brasil; sin embargo, las autoridades de esta ciudad no han confirmado el fallecimiento.
Alrededor de las 9:30 de la mañana, los primeros reportes comenzaron a circular en las plataformas informativas, generando desconcierto. Poco después se confirmó oficialmente que el músico viajaba junto con el reconocido creador de contenido YouTuber Gaspi en una de las aeronaves que colisionaron trágicamente en pleno vuelo cerca de las 8:59 horas.
El innegable talento musical de Tree saltó de YouTube a la viralidad masiva en las redes sociales en muy poco tiempo. Sus composiciones destacaban por una lírica capaz de transmitir sentimientos profundos, logrando que sus fans empatizaran con facilidad gracias a su ritmo contagioso, siendo casi inevitable no bailarlo.
Oliver Tree y sus canciones llenas de autenticidad
Una de las piezas fundamentales que cimentó su carrera artística fue “Alien Boy”, un verdadero himno para los incomprendidos. Esta canción ayudó a fijar su identidad como un artista outsider y orgullosamente incómodo, cruzando magistralmente géneros como el pop alternativo, el hip hop y la música electrónica con un concepto único.
Posteriormente, el lanzamiento de “Life Goes On” representó su salto definitivo al gran público y a las listas de popularidad globales. Con una producción mucho más limpia y un coro inmediato, el tema aborda el control emocional y la imperiosa necesidad de seguir adelante incluso cuando una relación se desgasta por completo.
Vulnerabilidad detrás del surrealismo de Tree
Aunque su peculiar imagen de ropa oversize y corte de tazón parecía construida exclusivamente para la comedia, temas como “Hurt” y “Let Me Down” revelaron su lado más vulnerable. Estas pistas muestran una escritura sumamente emocional, marcada por la decepción, la fragilidad humana y el constante miedo a fallar o ser abandonado.
Por otro lado, el éxito “Miss You” se consolidó rápidamente como un fenómeno viral indiscutible que dominó las tendencias digitales. Al mismo tiempo, con Cash Machine explotó su faceta más satírica, criticando duramente el consumo desmedido, la fama vacía, el dinero y el narcisismo imperante en la cultura digital moderna.
El impacto del legado musical de Oliver Tree
Para comprender a fondo la esencia de su obra y su impacto cultural, hay elementos clave que explican por qué lo hicieron destacar en la industria:
- Autenticidad: Nunca temió mostrarse como alguien diferente o extraño ante los medios.
- Fusión musical: Mezcló rock, pop y electrónica sin ningún tipo de prejuicios.
- Mensaje profundo: Escondía reflexiones sobre la salud mental detrás de ritmos alegres.
- Crítica social: Cuestionó constantemente la superficialidad del internet y las apariencias.
El lamentable fallecimiento de Tree nos recuerda de manera dolorosa lo efímera que puede ser la vida y cómo todo cambia en pocos minutos. Artistas y seguidores lo despiden hoy recordando siempre sus valiosos mensajes sobre la importancia de que nunca falte el amor propio en nuestro día a día.
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