Cine y Tv
Películas que comenzaron como cortometrajes y no sabías
Los consolidados cineastas no saltaron a las grandes ligas de Hollywood de la noche a la mañana. Como en la mayoría de los inicios profesionales, tuvieron que escalar pequeños peldaños que, en el caso de la industria audiovisual, se traducen en la realización de comerciales, videos musicales o cortos. Este artículo va dedicado, precisamente, a éstos últimos. Echamos un vistazo a aquellas pequeñas producciones que, sin duda, sirvieron para impulsar la carrera de diversos directores al convertirse en importantes y exitosos largometrajes. A continuación, nuestra lista de películas que comenzaron como cortometrajes y no sabías.
12 Monos (Terry Gilliam, 1995)
Basado en el cortometraje: La Jetée, de Chris Marker (1962)
La Jetée es narrada a través de fotos fijas en blanco y negro, voz en off y una banda sonora tan inquietante como melancólica. Marker nos sumerge, de forma magistral, en la historia de un hombre prisionero que, tras la III Guerra Mundial, es utilizado para realizar viajes en el tiempo cuyo objetivo es buscar una alternativa para revertir el caos de una sociedad, ahora, sumergida en la tragedia. Mientras eso sucede, nuestro protagonista también trata de reconstruir el recuerdo de su amada en tiempos de guerra. Me atrevo a decir que, entonces, La Jetée es una auténtica obra maestra de la ciencia ficción.
Terry Gilliam se “roba” el argumento para construir el universo posapocalíptico de 12 monos, una película sobre viajes en el tiempo donde un preso es enviado al pasado para descubrir qué condujo al fin de la civilización. Sin embargo, el también director de Brazil, ingeniosamente, no sólo adereza su aclamada versión con la temática del tiempo y los recuerdos rotos, sino que a su vez se atreve a introducir a un grupo terrorista conocido como The Army of the Twelve Monkeys perpetradores de un virus mortal contra la humanidad. La película ofrece grandes actuaciones de la mano de Bruce Willis y Brad Pitt, quien, por cierto, obtuvo una nominación al Óscar.
Distrito 9 (Dir. Neill Blomkamp, 2009)
Basado en el cortometraje: Alive in Joburg, de Neill Blomkamp (2006)
Alive in Joburg fue concebido como un falso documental de ciencia ficción (mockumentary) que funge como una alegoría a temas como el apartheid acaecido en países como Sudáfrica. Esta versión distópica situada en el país africano sigue a un grupo de refugiados extraterrestres, quienes llegan a la Tierra y así acentuarse entre la población humana. La inesperada visita se convierte en caos cuando los alienígenas adoptan un carácter nómada, lo que provoca una tensión creciente entre los refugiados extraterrestres y la población civil de la Tierra.
Tiempo después de haber lanzado este proyecto, Neill Blomkamp —quien ya había hecho cortos inspirados en Halo— figuraba como el director de una posible adaptación fílmica de la exitosa serie de videojuegos bajo la producción de Peter Jackson (El señor de los anillos). Sin embargo, el proyecto nunca se concretó y esto significó, digámoslo así, un golpe de suerte para el cineasta sudafricano, pues Jackson le facilitó a Blomkamp $30 millones de dólares para que los invirtiera en el proyecto que quisiera y así nació Distrito 9, con la participación protagónica, de nueva cuenta, de Sharlto Copley. Distrito 9 fue nominada a cuatro premios Óscar, entre ellos Mejor guion adaptado y Mejor película.
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Frankenweenie (Tim Burton, 2012)
Basado en el cortometraje: Frankenweenie, de Tim Burton (1984)
Frankenweenie también nació como cortometraje en 1984 o del mismo modo podríamos clasificar este título como un remake. Resulta que aquel material ochentero en blanco y negro fue dirigido por Tim Burton, cuando tenía 25 años, para Disney.
Sin embargo, en aquella época la Casa del Ratón consideró que el cortometraje no era apropiado para el público infantil, ya que se trataba de un niño que resucitaba a su perro muerto —una historia bastante terrorífica para los ejecutivos del estudio, ¿no?—, y entonces lo archivó con la clasificación PG, pese a que estaba planeado estrenarlo en cines antes del reestreno de Pinocho, el 21 de diciembre de 1984. Tiempo después, cuando Tim Burton experimentó el éxito con Beetlejuice y Batman, Disney liberó el cortometraje Frankenweenie en formato casero en el año de 1994. Actualmente, el cortometraje aparece como extra en la película El extraño mundo de Jack (1993).
De hecho, Tim Burton le dijo a EW que haber filmado el cortometraje Frankenweenie en live action fue un golpe de suerte porque el actor Paul Reubens le llamó para dirigir La gran aventura de Pee-Wee (1985) después de ver el cortometraje. Como consecuencia prosiguieron los éxitos antes mencionados Beetlejuice, Batman y, obviamente, el largometraje animado (stop- motion) Frankenweenie en 2012. La película obtuvo una nominación al Óscar en la categoría de Mejor película animada.
Saw: Juego del miedo (James Wan, 2004)
Basado en el cortometraje: Saw 0.5, de James Wan (2003)
La saga completa de Saw, sin duda, se ganó un lugar especial en los anales del cine de horror y sigue tan vigente como una serie de larga duración que hasta Chris Rock se aventuró a protagonizar Espiral: el juego del miedo continúa (2021). Pero antes de llegar a ese punto, Saw inició como un cortometraje desarrollado y filmado en 2003 por el director australiano James Wan y su amigo de la universidad, el también director Leigh Whannell (El hombre invisible, 2020), quien, por cierto, también lo protagonizó en el papel de David. Es de destacar que David se convirtió en Adam Stanheight, quien fungió como personaje principal de la película Saw (2004) y posteriormente apareció en las siguientes entregas, pero a partir de cameos (vía).
Así pues, ambos directores llamaron la atención de Lionsgate y finalmente Saw se convirtió en un largometraje cuyo estreno se efectuó —antes de llegar a salas comerciales— en el Festival de Cine de Sundance. Podemos decir, entonces, que el atractivo principal de Saw ha sido la tortura fisca y psicológica de un juego sangriento y mortal donde ninguna víctima escapa.
El despertar del diablo (Sam Raimi, 1981)
Basado en el cortometraje: Within the Woods, de Sam Raimi (1978)
Todos ubicamos esa dupla compuesta por el actor Bruce Campbell y el director Sam Raimi gracias a El despertar del diablo. Sin embargo, sus colaboraciones datan desde los años 70 gracias a varios cortos con los que dio inicio la carrera del también director de Spider-Man. El despertar del diablo, justamente, es muy importante en la carrera de Raimi, pues significó su debut como director. Pero esta ópera prima, perteneciente al género de horror, no se habría convertido en un filme de culto, de no ser por la realización de Within the Woods en 1978.
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Sam Raimi llamó a su viejo amigo Bruce Campbell para filmar con una cámara Super 8 Within the Woods con un presupuesto estimado de apenas $1,600 dólares. El propósito de Raimi era, por supuesto, llamar la atención de los productores y así convertir su cortometraje de bajo presupuesto en una de las franquicias de terror más importantes del cine. El cometido se logró tras proyectar Within the Woods junto con El show de terror de Rocky en un cine local (vía). El resto es historia y actualmente Within the Woods es considerada una precuela de la exitosa franquicia El despertar del diablo.
Boogie Nights: Juegos de placer (Dir. Paul Thomas Anderson, 1997)
Basado en el cortometraje: The Dirk Diggler Story, de Paul Thomas Anderson (1988)
De entrada, esta película de Paul Thomas Anderson debe considerarse como uno de los mejores filmes que nos regaló la década de los años 90 y que además consolidó su carrera, otorgándole una nominación al Óscar en la categoría de Mejor guion original. La película, protagonizada por Mark Wahlberg, sobre un joven que busca construir una exitosa carrera dentro del cine pornográfico en California durante los años 70, pero que se da de topes por los altibajos en dicha industria, también comenzó como un cortometraje.
El material se llama The Dirk Diggler Story y fue escrito y dirigido por Paul Thomas Anderson cuando apenas tenía 17 años. Valiéndose del falso documental (mockumentary), el también director de Magnolia nos cuenta la historia sobre el ascenso y la caída de una estrella porno ficticia llamada Dirk Diggler. Por otra parte, dicho argumento está inspirado en la polémica vida de John Holmes, uno de los actores porno más famosos de la industria durante los años 70 y 80 (vía).
Whiplash: Música y obsesión (Dir. Damien Chazelle, 2014)
Basado en el cortometraje: Whiplash, de Damien Chazelle (2013)
Aunque la carrera de Damien Chazelle comenzó con Guy and Madeline on a Park Bench (2009), la realidad es que sus inicios como director resplandecieron con la película Whiplash en el año 2014, la cual obtuvo varios reconocimientos, entre ellos tres victorias en los premios Óscar: Mejor edición, Mejor edición de sonido y Mejor actor de reparto por la estupenda interpretación de J.K. Simmons como Fletcher. Cabe acotar que Chazelle también recibió su primera nominación al Óscar por este trabajo.
Pero nada de eso hubiera sido posible, si, un año atrás, el cineasta no hubiera vertido parte de la idea original dentro de un cortometraje del mismo nombre protagonizado por J.K. Simmons y por Johnny Simmons —y no Miles Teller— como Andrew Neiman. Resulta que para levantar el largometraje y conseguir financiamiento, Chazelle se propuso rodar una de las escenas del guion original, convertirla en cortometraje, participar en concursos destinados a este tipo de trabajos y, finalmente, presentárselas a los productores para llamar su atención (vía).
Su intento rindió frutos y, de hecho, el cortometraje Whiplash consiguió el Premio del Jurado de Cortometraje en el Festival de Cine de Sundance. Lo que queda claro del cortometraje y el largometraje Whiplash es que nadie, absolutamente nadie como J.K. Simmons para interpretar a ese profesor de música con tan peculiares y rigurosos métodos de enseñanza.
Cuando las luces se apagan (Dir. David F. Sandberg, 2016)
Basado en el cortometraje: Lights Out, de David F. Sandberg (2013)
Antes de ¡Shazam!, el cineasta sueco David F. Sandberg había dirigido un buen puñado de cortos. Atraído por el terror, puso en marcha Lights Out, un cortometraje de casi 3 minutos que siempre hace preguntarnos: ¿qué es lo peor que puede pasar cuando estamos solos en nuestra habitación? El impacto fue tan avasallador en internet que, de inmediato, llamó la atención de los productores de Hollywood y así nació, tres años después, Cuando las luces se apagan, que con tan sólo un presupuesto de $4,900,000 MDD, alcanzó $148,868,835 MDD en taquilla global.
Mamá (Dir. Andy Muschietti, 2013)
Basado en el cortometraje: Mamá, de Andy Muschietti (2008)
Al inicio de este artículo hablamos de como Peter Jackson “apadrinó” a Neill Blomkamp para hacer realidad la película Distrito 9. Ahora toca el turno de cómo el ganador del Óscar Guillermo del Toro impulsó la realización de Mamá, de Andy Muschietti, para convertirla en una exitosa película de terror.
El cortometraje del cineasta argentino fue descubierto por el director tapatío, quien, como todos sabemos, es un auténtico aficionado al terror, lo sobrenatural y a las criaturas fantásticas. Así, tras tal descubrimiento, Mamá significó la ópera prima de Muschietti, quien hizo todo lo posible por mantener la idea original y pura de su cortometraje para extenderla en la película protagonizada por Jessica Chastain (vía). Sobra decir que Guillermo del Toro funge como productor de la película Mamá.
De hecho, existe una versión reeditada del cortometraje que se utilizó como parte de la campaña de promoción de la película y que incluye una introducción de Guillermo del Toro. “Este cortometraje tiene un estilo limpísimo, técnicamente perfecto, y está cargado de emoción, de terror […] profundamente emocionante. Este cortometraje tiene un plano secuencia muy largo construido de varios planos unidos a través de la edición digital. Me demostró instantáneamente que Andy [Muschietti] era un director con estilo, pero con conciencia muy grande de la narrativa”, relata el director de La forma del agua.
Relic: Herencia maldita (Natalie Erika James, 2020)
Basado en el cortometraje: Creswick, de Natalie Erika James (2017)
En Relic: Herencia maldita, ópera prima de Natalie Erija James, se utilizan las convenciones del terror para enfrascarnos en una historia que explora las maldiciones familiares, el paso del tiempo y el deterioro del cuerpo a nivel físico y mental. Sin embargo, para verter todos esos elementos en una misma historia, la cineasta japonesa-australiana se basó en una experiencia personal; así como en el cortometraje de su propia autoría: Creswick.
Aunque hemos mencionado que Creswick inspiró el argumento de Relic: Herencia maldita y no es precisamente el cortometraje convertido en película, vale la pena por los elementos en común: la herencia de las enfermedades mentales, la dificultad para afrontar viejos traumas y la presencia de entidades malignas dentro de una casa. Cabe acotar que Creswick también se refiere a una ciudad australiana, sitio donde toma lugar tanto el cortometraje homónimo como Relic.
Bonus – Películas que comenzaron como cortometrajes
- The Babadook (2014) – Monster (2004)
- This Is The End (2013) – Jay & Seth vs. The Apocalypse (2007)
- Sin City (2005) – Frank Miller’s Sin City: The Customer Is Always Right (2004)
- 9 (2009) – 9 (2005)
- THX-1138 (1971) – Electronic Labyrinth THX 1138 4EB (1967)
- Juegos, trampas y dos armas humeantes (1998) – The Hard Case (1995)
- Buscando el crimen (1996) – Bottle Rocket (1992)
- Napoleón Dinamita (2004) – Peluca (2002)
- Sling Blade (1996) – Some Folks Call It a Sling Blade (1994)
- Cashback (2006) – Cashback (2004)
- Half Nelson (2006) – Gowanus, Brooklyn (2004)
- Enredos de Oficina (1999) – Milton (1991)
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
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Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
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Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
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Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
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Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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