En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.

Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.

Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.

El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine

El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.

Detalles técnicos del estímulo

• Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
• Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
• Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
• Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.

Formatos elegibles:

• Largometrajes y series de ficción.
• Largometrajes y series de animación.
• Largometrajes y series documentales.
• Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.

Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine

• Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
• Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
• Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.

Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual

Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.

Descripción y alcance

• Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
• Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
• Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
• Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.

Infraestructura y formación profesional

La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.

Educación y capacitación

• Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
• Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
• Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.

Infraestructura

• Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
• Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
• Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.

Impacto social, económico y narrativo

El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.

• Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
• Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
• Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.

El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social. 

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Después de haber recibido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reconocimientos y alabanzas que fueron coronadas con múltiples candidaturas al Premio de la Academia, la película Valor sentimental se coloca como favorita en al menos dos categorías: Mejor película internacional y Mejor actor de reparto para Stellan Skarsgård, quien interpreta al frío y distante cineasta Gustav Borg.

Durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de entrevistar al actor sueco sobre su relación con su personaje, los cineastas como maniáticos peculiares y hasta el estado del cine contemporáneo.

Cine Premiere: Sabemos que tuviste un derrame cerebral alrededor de la época en la que estabas haciendo la segunda temporada de Andor y de lo difícil que fue volver a la actuación. ¿Qué tanto batallaste para hallarte a ti mismo delante de la cámara para Valor sentimental?

Stellan Skarsgård: No me gusta la idea de enfatizar que sobreviví o que estoy luchando con las secuelas de un derrame… En aquella época también estaba haciendo Duna 2 y en ocasiones tenía problemas para recordar mis líneas y para ello usaba apoyos visuales, como el prompter o un apoyo auditivo. También lo hice en ésta película. Quizá por ello me volví mejor actor, porque ¡los tres proyectos que hice después de ese ataque se convirtieron en grandes éxitos! (risas) Pero realmente no creo que eso me haya hecho mejor, no me gusta el efecto que tuvo en mí.

CP: Has trabajado con varios cineastas a lo largo de tu carrera, me preguntaba si basaste tu interpretación o tomaste algún gesto de alguno de ellos para tu papel en Valor sentimental…

SS: No para ésta película. El problema es que si quieres hacer algo “basado” en alguien más, se tiende más bien a hacer una parodia de la persona y no quería hacer eso. Quería que mi personaje se sintiera como un ser humano auténtico. Lo interpreté como si fuese un panadero, plomero o cualquier otra profesión u oficio. Pero lo específico de su labor tiene que ver con la relación que tiene con sus hijas, porque está obsesionado como cualquier otro director.

No hay directores “normales”… Todos son maniáticos de alguna manera, pero yo soy actor y me encanta estar en el set con otras personas. Esa pasión, esa adicción es muy difícil de vivir cuando tienes una familia. Yo tengo 8 hijos y solo trabajo 4 meses al año y Gustav (mi personaje) no tiene los problemas que yo tengo, yo soy más moderno que él. Gustav está peleando con roles tradicionales masculinos. Tiene esa creencia arraigada de que el padre es mejor, que sabe más, pero realmente eso no es necesariamente cierto.

CP: Uno de los detalles más llamativos de tu personaje es su incapacidad para lidiar con aspectos de la vida cotidiana muy simples. Como aquella escena con la toalla de la cocina o cuando no sabe dónde colgar la ropa…

SS: Sí, esos detalles estaban en el guión. Joachim no deja escapar nada…

CP: Decías anteriormente que los cineastas son “maniáticos”, en ese sentido, ¿qué tipo de maniático es Joachim Trier?

SS: Es el maniático más dulce y encantador. Es muy rígido en algunos aspectos de su película pero no permite que eso destruya su relación con las personas. El otro Trier (Lars Von Trier) es un tipo de maniático diferente, pero ambos son personas sumamente gentiles en el set. Es maravilloso trabajar con ellos porque la atmósfera incita a la creatividad y hay confianza suficiente para poder proponer cosas. En el set de Joachim no hay por ejemplo jerarquías por que somos un equipo relativamente pequeño…algo muy escandinavo (risas)…¡que se jodan las jerarquías!

CP: ¿Qué tan fácil fue para ti establecer un buen rapport con Elle Fanning o Renate Reisnve, considerando que son mucho más jóvenes y cercanas en edad a tus hijos?

SS: Diría que fue tan simple como lo es con cualquier actor, realmente. Se construye una relación cercana en solo segundos. Desde luego que tienes que confiar en ellos y viceversa, ¡pero yo confío en todos! (risas) Y esas chicas me conocen bien, no me tienen miedo (risas)

CP: En la película se hace burla de los junkets, de Netflix, incluso del cine mismo. ¿Cuál es tu postura personal sobre el estado del cine actual?

SS: La industria siempre ha dependido del dinero, dado que es muy caro hacer películas. Ahora las decisiones están basadas en ganancias, pero no hay una conexión real entre lo que haces y el mundo financiero y eso es atemorizante. Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece y cuando se trata de arte, se vuelve peligroso…

CP: Uno de los chistes más celebrados del festival fue cuando le regalas en la película a un niño DVDs de La maestra de piano de Michael Haneke e Irreversible de Gaspar Noé. ¿Tú hubieras metido alguna película en la que hayas trabajado?

SS: ¡Desde luego! Y aunque es un gran chiste, creo que revela algo importante sobre mi personaje. No sigue las reglas de la sociedad, no las reconoce. Pero yo pienso igual, puedo enseñarle a mis hijos una película pornográfica sin problema. Las convenciones sociales dirían que estoy loco. Hace un par de años en Nueva York me tocó presenciar un debate en el que se discutía a qué edad se debería decir a los niños ¡que las hamburguesas están hechas de vacas! Totalmente demencial…

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Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.

Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?

Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.

CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?

YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?

YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.

CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?

YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.

CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?

YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima. 

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