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Multiverso en Marvel y DC: Historia y cómo funciona

Desde que las dos casas editoriales de historietas más populares del mundo comenzaron a poblar el cine con sus personajes e historias, era inevitable pensar que llegaría cierto momento en el que sus sagas tendrían que llegar a su final. Como se dice, todo lo que empieza tiene que acabar. Un dicho que, sin embargo, ha sido ignorado por los cómics durante generaciones y probado como erróneo. Y es que una de las características más atractivas de los cómics de DC y Marvel es que sus historias pueden ser infinitas, gracias a la creatividad de sus escritores, pero sobre todo a la idea científica real de la existencia de un multiverso. Esa noción promete ser explorada a lo grande en el cine.
Como recordaran, el final de la primera temporada de Loki introdujo por primera vez de lleno a las consecuencias de un multiverso en el MCU. No obstante, se trataba de un concepto que ya había sido mencionado con anterioridad. Primero de forma velada y sutil en Ant-Man (2015), Doctor Strange (2017) y Spider-Man: Lejos de casa (2019). Todas ellas migajas para la siguiente gran etapa del MCU: la Saga del Multiverso. De ella, ya se han expuesto en detalle sus implicaciones en Spider-Man: Sin regreso a casa (2021) y Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022).

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DC también ha hecho lo propio. Gracias a Barry Allen, era lógico inevitable explorar las posibilidades de una ruptura temporal en su película en solitario. En Flash (2023), lo mismo convivieron héroes del DCEU, íconos del pasado como Michael Keaton y personajes alternos como la Supergirl de Sasha Calle. Además, hubo espacio para numerosos cameos de personajes clásicos de series y películas de la marca.
Desde luego, dicho universo verá un reinicio en el corto plazo. No obstante, James Gunn y Peter Safran, copresidentes de DC Studios, ya se mencionaron que la idea del multiverso seguirá abierta con el sello “Elseworlds”. Ahí, tendrán cabida producciones ambientadas en universos independientes como el Batman, de Matt Reeves, o el Guasón, de Todd Phillips.
La duda es: ¿cómo DC y Marvel lograrán sortear tales incongruencias narrativas en sus sagas? Afortunadamente, la cultura narrativa del cómic tiene la respuesta: si hay multiversos, hay posibilidades infinitas. Y eso significa, desde el punto de vista creativo y económico, la mejor defensa contra la vigencia.
El origen del multiverso
La palabra multiverso no es ninguna invención de Stan Lee o similares. Fue acuñada por el filósofo William James en el ensayo Is Life Worth Living de 1895. En ese momento, él no tenía mundos paralelos en mente; en cambio, escribió sobre las múltiples posibilidades disponibles en una vida. No fue hasta que Michael Moorcock la reutilizó para su novela, El campeón eterno (1970), que ésta adquirió el significado que tiene hoy le atribuimos: un conjunto de muchos universos existentes en simultáneo.
La ciencia lo ha explicado de distintas maneras dependiendo el origen científico de la teoría. Algunos consideran que estos muchos universos coexisten entre sí como producto de la gran explosión del Big Bang. Aunque todos ellos estarían regidos por composiciones distintas. Mientras nuestro universo es físico y tridimensional en donde la materia es tangible, habría otros en los que las reglas físicas sean distintas o inexistentes. Para la escuela cuántica, en cambio, los distintos universos podrían ser origen de la probabilidad. Estos contarían con las mismas reglas físicas, pero con variaciones entre la existencia de las personas que habitan en ellos. Lo que comúnmente entendemos como “realidades alternas”.

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Tanto Marvel como DC también han explorado ambas ideas del multiverso en sus muchos cómics, incluso antes de que el término fuese aceptado como tal. Estudiosos del tema consideran que Wonder Woman No. 59 (1953) es es el primer caso en un cómic de DC o Marvel donde un personaje cruce a un plano paralelo. Sin embargo, es The Flash #123 (1961) quien estableció las bases para el cruce entre variantes del mismo héroe de universos distintos.
En esa historia, Barry Allen desaparece repentinamente tras usar su súper velocidad. Él termina una ciudad que solo conoce por ser el hogar de una leyenda: Jay Garrick, el primer Flash. Así inicia una aventura donde ambos unen fuerzas para salvar el mundo del Flash de la Edad Dorada.
Después de esta historia continuaría la exploración del multiverso en La Sociedad de la Justicia de América No. 21 (1961) y, más tarde, en crossovers como Crisis en Tierras Infinitas (1985), Infinite Crisis (2005), 52 (2006) o Final Crisis (2008). De parte de la Casa de las Ideas, el primer precedente lo sentaron los intrigantes What If? (1977). Pero el punto de inflexión vino con los cómics de Capitán Britania (1981), cuando se designó por primera vez a la continuidad principal como Tierra-616. Y el resto es historia.
Y aunque las historietas no son el único medio literario o de entretenimiento que lo ha mostrado, lo divertido en este caso es que ha permitido a ambas editoriales crear una gran variedad de sagas que presentan variaciones novedosas de los mismos personajes o incluso la oportunidad de un reinicio.
¿Cómo funciona el multiverso en Marvel y DC?
Ahora, sería importante explicar cómo funcionan estos mundos, realidades y espacios en los cómics, series y películas de ambas compañías. Básicamente, existen cuatro conceptos o niveles de multiverso que han sido útiles para los escritores de los impresos.
En el Nivel 1 del multiverso de los cómics se entenderían aquellos universos burbuja que coexisten uno encima del otro de manera independiente. Su origen deviene desde la gran explosión del Big Bang, que lanzó la materia en tantas direcciones en una ola de expansión que creó una variedad de realidades una encima de la otra como si se tratara de una suerte de matrioska. Bajo esta idea se construye la saga icónica saga Crisis en Tierras Infinitas de DC. En el MCU, este concepto es el que utiliza Quentin Beck/Mysterio (Jake Gyllenhaal) para explicarle a Peter Parker su origen proveniente de otra realidad.
Por otro lado, el Nivel 2 nos hablaría de la existencia de otros mundos o realidades que son distintas a la nuestra. Comúnmente llamados como “dimensiones”, de estas provienen los seres más increíbles o abominables que desafían a las leyes de la física como la conocemos. En Doctor Strange, por ejemplo, pudimos ver en plenitud la Dimensión Oscura, el hogar del malvado Dormammu, un ser que desafía por completo nuestro entendimiento de lo conocido. Y, por supuesto, en Ant-Man aprendimos que al entrar en un estado microscópico acelerado, seríamos capaces de conocer otros reinos como el cuántico.

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Más interesante resulta aún el Nivel 3, quizás también el más complejo de entender. Éste se rige por la probabilidad y el albedrío de todos sus habitantes para crear con una simple decisión infinitas variaciones de una misma realidad. Este tipo de universos generalmente se originan debido a los viajes en el tiempo y son la base más utilizada por la ficción, desde Doctor Who hasta Volver al Futuro. Tanto Marvel como DC ya han colocado muestras de estos conceptos en el cine. Así, el Flash de Ezra Miller pretendió cambiar el destino de su familia al evitar la muerte de su madre. Y desde luego, Loki explora los conceptos de las variantes creadas por un solo cambio en la “Sagrada Línea del Tiempo”.
Finalmente, existe el Nivel 4 del multiverso que sería aquel que permita la mezcolanza de todos los anteriores y el que será probablemente el referente para estos dos grandes universos cinematográficos. De hecho, si reflexionamos cuidadosamente Marvel ya ha utilizado los tres conceptos anteriores en sus varias películas y series. Así como existen realidades distintas originadas por los cambios que hizo la variante de Loki, en cada una de estas nuevas líneas temporales habrá un diferente Dormammu con su propia Dimensión Oscura; o en terrenos más confirmados: distintas versiones de Kang el Conquistador.
¿Qué provocará el concepto del multiverso en el MCU y el DCU?
Para Marvel tal parece que el primer paso para explorar el multiverso de los cómics fue aliarse con Disney para concretar una alianza con Sony para presentar a una nueva versión de Spider-Man, así como la compra de todos aquellos personajes que pertenecían a Fox. Ahora que tienen acceso a este amplio catálogo, hemos visto retornar a actores con sus versiones o incluso variantes de aquellas sagas antaño.
En un extracto del libro The Marvel Cinematic Universe – An Official Timeline de Marvel Studios, Kevin Feige presidente de Marvel Studios, confirmó que los universos creador por Sony, Fox y Netflix, también son canon para el MCU.
“En lo que respecta al Multiverso, reconocemos que hay historias, películas y series que son canónicas de Marvel pero que fueron creadas por diferentes narradores durante diferentes períodos de la historia de Marvel”, escribe Feige. “La línea de tiempo presentada en este libro es específica de la Línea de Tiempo Sagrada del MCU. Pero, a medida que avanzamos y profundizamos en la Saga del Multiverso, nunca se sabe cuándo las líneas de tiempo pueden chocar o converger (guiño, guiño /alerta de spoiler)”.
Como sabemos, se avecina una guerra multiversal en el MCU, impulsada por las variantes de Kang, que amenaza con poner fin a todo. Por ahora, los rumores apuntan a que Avengers: Secret Wars servirá como una suerte de despedida a todas esas sagas del pasado. Esto dará pie a un reinicio que dejé solo aquello que funcione, junto a la introducción de nuevos actores en papeles icónicos, como los nuevos X-Men.

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DC y Warner, por su parte, también tienen la intención de renovar su universo cinematográfico y desprenderse de todo aquello que, según sus nuevos mandos, no funcionó. Después de una larga lista de fracasos comerciales y de crítica, se ha reportado que no veremos de vuelta a las estrellas del DCEU: Henry Cavill, Ben Affleck, Gal Gadot, Jason Momoa o Ezra Miller. Borrón y cuenta nueva implica la introducción de versiones frescas de los héroes insignia de la Liga de la Justicia, iniciando con Superman: Legacy en 2025, protagonizada por David Corenswet.
Por otro lado, prometen mantener una fórmula muy interesante e inteligente que ya funcionó en la era del DCEU. Mientras que Marvel utilizará el multiverso para evitar la monotonía, DC lo seguirá empleando para dar libertad plena a creadores con apuestas únicas.
“Como ustedes saben, DC ha estado desconectado en cine y televisión por un largo tiempo. Así que mi trabajo y el de Peter [Safran] es venir y asegurarnos que el DCU esté conectado en películas, series, videojuegos y animación. Asegurarnos que los personajes sean consistentes, que sean interpretados por los mismos actores y que funcionen dentro de una historia”, declaró Gunn al anunciar los primeros proyectos del DCU en enero de 2023. “Si algo está fuera de eso, como el Batman de Matt Reeves o el Joker de Todd Phillips, o Teen Titans Go!, será denominados como DC Elseworlds, que están afuera de la continuidad principal del DCU”.
Sin embargo, aún genera mucha confusión el hecho de que James Gunn y Peter Safran sí conservarán a ciertos actores de producciones previas. Volverán Viola Davis como Amanda Waller, Xolo Maridueña como Blue Beetle o John Cena como Peacemaker, por mencionar algunos. Asimismo, advierten que las historias de ciertos personajes sean consistentes con cosas que ya hemos visto en el pasado.
“Nada es canon [en el DCU] hasta Creature Commandos [en 2024] —una especie de aperitivo para el DCU— y después una inmersión más profunda con Superman: Legacy. Es un impulso muy humano querer entenderlo todo siempre, pero creo que está bien estar confundido sobre lo que está sucediendo en el DCU ya que nadie ha visto nada del DCU todavía”, escribió James en Threads en septiembre de 2023. “Y, sí, algunos actores interpretarán personajes que ya han interpretado en otras historias. Y algunos puntos de las tramas podrían ser consistentes con otras docenas de películas, programas y proyectos animados de DC que han llegado en el pasado”.

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Más que seguir especulando, sólo nos queda esperar para ver lo que nos tienen deparado. A final de cuentas, el multiverso de los cómics será la herramienta perfecta que permitirá a Marvel Studios y DC renovar y explotar hasta sus últimas consecuencias a todas sus licencias. Aunque muchos cineastas de prestigio y un sector cinéfilo asegure que las películas de superhéroes están en soporte vital, todo parece indicar que Warner y Disney están muy lejos de dar el brazo a torcer.
Nos vemos en la siguiente realidad.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
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Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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