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La historia de la desastrosa gira de Blur por Estados Unidos que dio paso al britpop
Hay momentos sustanciales que marcan a las bandas más grandes de la música, para bien y para mal. En ese sentido, la gira de Blur por Estados Unidos de 1992 debe ser uno de los momentos más escabrosos en la historia del grupo. Pero también fue un parteaguas para que se encumbraran como una de las grandes del britpop.
Aquel tour le abrió los ojos a Damon Albarn, Alex James, Graham Coxon y Dave Rowntree sobre el terreno que estaban pisando en la escena musical mundial. Y de igual manera, los ayudó a forjar su identidad… Aunque esto último, vendría con una no muy agradable experiencia en suelo estadounidense.
El lanzamiento de ‘Leisure’ y la primera gira de Blur por Estados Unidos
Ya en este punto, no es necesario meternos de lleno en el origen de Blur. La banda se cambió el nombre a petición de su disquera, Food Records, ya que a estos últimos nos les convencía del todo el nombre Seymour. Siendo sinceros, ¿hoy serían la bandota que son y hubieran llegado tan lejos como lo han hecho con ese nombre? Quién sabe, pero probablemente no.
Pero bueno… Una vez que Food Records logró su cometido rebautizando a la banda, se vendrían toda la promoción para impulsarlos: el lanzamiento de los sencillos “She’s So High” (a finales de 1990) con una recepción moderada, el hitazo de “There’s No Other Way” a mediados de 1991 seguida por “Bang” en ese periodo.
La escena británica los volteaba a ver. ¿Eran la nueva banda sensación del Reino Unido? Para eso pintaban, sobre todo en una época donde los grandes ídolos del movimiento Madchester como The Stone Roses o las glorias del shoegaze decaían en los inicios noventeros. Y encima, el grunge ganaba terreno internacional. Así, vendría la primera gira de Blur por Estados Unidos.
Con Leisure lanzado en agosto de 1991 bajo la producción del legendario Stephen Street, emprendieron un breve viaje a Canadá y EE.UU en octubre y noviembre de ese año. El manager de promoción Jon Cohen de la SBK Records (y eventual fundador de la revista The Fader), los recibió en Boston para llevarlos a una pequeña promoción por algunas de las principales ciudades del país.
Ahí en Boston, tocaron en la reconocida estación WBCN y luego, se presentaron en un venue llamado The Paradise, donde dieron un show enérgico. El propio Jon Cohen escribió en 2015 un artículo donde dijo que tras esa visita a Boston, el gerente de aquella estación de radio quedó tan impresionado que prometió que serían los primeros en reproducir la música de la banda en EE.UU.
La primera gira de Blur por Estados Unidos salió bien, a secas. Y aunque parecía que el grupo tenía potencial para ser un acto potente en ese país, las cosas cambiarían drásticamente al año siguiente.
1992: Se vinieron problemas para la banda
Aún cuando la primera gira de Blur por Estados Unidos no había salido mal, el proyecto se enfrentaba a algunos problemas. El más notorio de todo es que Leisure quizá no fue el álbum debut que se esperaba, y la banda no logró cubrir la expectativa que sus primeros sencillos previos provocaron.
Muchos expertos mencionan que ese material, considerado uno de los menos sobresalientes en la discografía del grupo, no funcionó porque estaba influenciado justamente por las escenas del Madchester y el shoegaze que iban en picada para inicios de los 90. El propio Albarn en 2007 calificó el disco como ‘horrible’, para que se den una idea.
Encima de todo, durante el comienzo de 1992, los miembros de Blur se dieron cuenta que tenían un severo problema financiero por atender. Su manager, Michael Collins (quien además era su amigo cercano), no supo administrar las ganancias de la banda y los dejó con una deuda de 60 mil libras esterlinas (incluso se dice que Collins les habría robado dinero).
Por si fuera poco, la banda se empezaba a ganar mala fama por sus constantes shows a los que subían a tocar intoxicados. Y ese periodo, la escena británica empezaba a ver con muy buenos ojos a Suede, fundados en 1989 por Brett Anderson y Justine Frischmann (quien se separó de esa banda para formar Elastica y que eventualmente tuvo una relación con Damon Albarn).
El nuevo manager de la banda, Chris Morrison, de la mano de Food Records, hizo que la banda entrara al estudio. Así llegó el sencillo “Popscene”, que veía un cambio sustancial con el grupo apostando por guitarras de influencia punk e instrumentos de viento… Ahora, se acercaba la segunda gira de Blur por Estados Unidos.
Ahora sí, la desastrosa segunda gira de Blur por Estados Unidos
La banda venía de un tour medio pesado en Reino Unido junto a The Jesus & The Mary Chain, My Bloody Valentine y Dinosaur Jr., esto en marzo de 1992. Además, Blur estaban un poco golpeados ya que en el periodo en que se gestó “Popscene”, habían compuesto suficiente material para un nuevo disco, pero Food Records rechazó la idea.
Y todavía tenían que solventar la deuda acarreada por su antiguo manager, por lo que se armó la segunda gira de Blur por Estados Unidos en abril de ese mismo año. En teoría, parecía un buen negocio: Damon Albarn y compañía darían más de 40 conciertos en el país norteamericano, durante dos o tres meses… pero no fue lo que se esperaba.
Food Records logró que SBK Records financiara la nueva gira de Blur por Estados Unidos (ambas disqueras eran propiedad de EMI Music). Al ser un tour muy extenso, se gastó bastante dinero para organizar todo… El propio Alex James dijo en una entrevista del 2021 con Mark Hoppus que apenas saldaron el pago de esa gira en los años recientes.
Pero bueno, ese no era el problema más duro que enfrentarían. Blur se encontró en 1992 con un público estadounidense muy apático que básicamente los ignoró. En ese momento, el grunge estaba en su máximo apogeo a nivel mundial y todos los ojos se fijaban en el llamado ‘sonido de Seattle’.
El cuarteto inglés debió soportar una gira desastrosa en la que andaban casi siempre ebrios, donde se sintieron básicamente más humillados que exitosos y donde ya había fricciones entre los miembros. Otro problema importante es que los británicos realizaban este tour solo con un puñado de canciones nuevas, y con el no muy recordado Leisure en su repertorio.
En alguna entrevista, el propio Alex James dijo que fue una mala idea regresar a EE.UU solo con ese disco baggy (que es considerado el estilo musical en el que se hizo la transición del Madchester y el shoegaze al britpop) como carta de presentación.
A final de cuentas, ¿por qué imaginaron que los estadounidenses iban a preferir ver a una banda británica que a sus estrellas nacientes del grunge? Error rotundo. La segunda gira de Blur por Estados Unidos rompió el ánimo de la banda y les caló profundo… Pero no todo estaba perdido.
La mala experiencia en EE.UU los inspiró para resurgir con ‘Modern Life Is Rubbish’
Durante la segunda gira de Blur por Estados Unidos, Damon Albarn se empezó a sentir nostálgico por el Reino Unido. Y no era para menos, teniendo en cuenta lo ignorados que fueron en su paso por EE.UU… Guardando las proporciones, la banda se quedó con algo de resentimiento hacia la escena musical estadounidense.
Mientras viajaban en ese tour, el vocalista empezó a escuchar música de bandas británicas clásicas como The Kinks o The Jam, sintiendo nuevamente esa emotividad sobre la música que culturalmente marcó a su tierra natal.
Y además, cuando regresaron a su país hacia los últimos meses de 1992, Blur se encontró con que Suede les había ganador el terreno como la banda más prometedora del Reino Unido. El grupo nacido en Colchester estaba atravesando una pésima racha.
Blur recibió la advertencia de su disquera, Food Records, de que debían tomarse las cosas más en serio o de lo contrario, romperían su contrato. Y así vino un periodo donde Albarn empezó a escribir canciones… El vocalista la tenía clara: su pesimismo respecto a la experiencia en Estados Unidos, lo orilló a componer temas que hablaran más sobre la cotidianidad británica.
Y musicalmente, el nuevo material se inspiraría un poco en esas bandas de pop-rock británicas clásicas que Damon escuchaba para no pasarla tan mal en la horrible gira estadounidense de 1992. Iniciaron entonces las sesiones de grabación de lo que se convertiría eventualmente en Modern Life Is Rubbish, disco que lanzaron en mayo de 1993.
Fue un disco complicado, sobre todo porque Food Records y SBK Records exigieron canciones que fueran más comerciales (de ahí los agregados de “For Tomorrow” y “Chemical World”). Y en cima, en Food no veían con buenos ojos que la banda cambiara de productor al despedir a Andy Partridge de XTC para meter a su viejo conocido, Stephen Street. Pero se logró.
Regresan a la cima y consagraron al britpop
Con Modern Life Is Rubbish de 1993, Blur logró captar nuevamente la atención del público en el Reino Unido y la crítica lo recibió de muy buena manera; definitivamente mejor de lo que había pasado con Leisure.
Debido a las temáticas y el comentario social sobre la cotidianidad británica, este disco es considerado uno de los que definió lo que sería el britpop a mediados de los 90. Así, colocando a la banda de Colchester como una de las más grandes de su generación y de ese movimiento.
Y si bien Modern Life Is Rubbish no consiguió el éxito masivo de Parklife (1994) o la consolidación de The Great Escape (1995), es justo decir que estos dos últimos son lo que son gracias al avance que hubo en el disco de 1993. En suma de todo, irónicamente la gira de Blur por Estados Unidos de 1992 los convirtió en amos absolutos del britpop como movimiento.
Como dijo Albarn en una entrevista con Mojo del 2000: “Suede y Estados Unidos alimentaron mi deseo de demostrarles a todos que Blur valía la pena”. ¿Qué les parece la historia de la desastrosa gira de Blur por Estados Unidos?
Ahora que andamos en esas, recordemos otro capítulo de Blur echando el vistazo a la batalla del britpop contra Oasis por acá. También les dejamos nuestro quiz para expertos en britpop, a ver si es cierto que le saben.
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El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
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Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
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La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
Lee: INAPAM 2026: Requisitos exactos para recibir el pago triple en mayo
La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
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