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Artistas culpan a Marvel por los malos efectos visuales de Ant-Man and The Wasp: Quantumania

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Ant Man Quantumania efectos visuales

Aunque los números en taquilla de Ant-Man and The Wasp: Quantumania son bastante positivos, los comentarios hacia sus efectos visuales no lo son. Además del guion, el ritmo y el uso de ciertos personajes, la mayoría de críticas negativas hacia la película han criticado el aspecto visual de la cinta. Ante la polémica por lo mal que luce la cinta, son los artistas de efectos visuales de Quantumania quienes justifican los resultados.

Tres artistas que trabajaron en la cinta se acercaron a Vulture para revelar lo ocurrido. El año pasado, varios proyectos de Marvel fueron duramente criticados por sus malos efectos visuales. Esto destapó el trato que le da la compañía a sus trabajadores: les da muy poco tiempo para su labor, los tiene en jornadas exhaustivas de trabajo, e incluso los pone en una lista negra si estos se quejan.

Ante la polémica, el estudio intentó corregir el problema. ¿Cómo lo hizo? Destinando más tiempo, dinero y equipo a la post producción de Pantera Negra: Wakanda por siempre. Sin embargo, se enfocaron demasiado en esa película, y los efectos visuales de Ant-Man and The Wasp: Quantumania quedaron en el olvido. Esto comentó uno de los artistas de efectos visuales.

En términos de prioridad, Wakanda por siempre estaba al principio de esa lista. Todo el dinero se fue en ella. Y también los mejores recursos. Es entendible dado su contexto, pero disminuyó la habilidad para sacar adelante Ant-Man. En la película hubo muchos cambios editoriales, y es notorio que hubo atajos. Algunas cosas se usaron para cubrir trabajos incompletos. Hubo cortes editoriales para no mostrar tanta acción o efectos, simplemente no había tiempo para renderizar todo. Se sintió como si algunas escenas fueran alteradas para ahorrar tiempo o dinero”.

De nueva cuenta, el tiempo fue el principal problema para los efectos visuales de Marvel. Wakanda por siempre se estrenó en noviembre de 2022, tres meses antes que Quantumania, y cuando el equipo de efectos visuales terminó con la primera película, el tiempo para pulir la segunda ya era mínimo. Quizá eso explica la falta de grandes secuencias de acción, su irregular edición, y su breve duración (125 minutos contando créditos).

“Mi experiencia en Quantumania fue comparable con la mayoría de producciones en las que trabajamos. Nuestras condiciones de trabajo en ocasiones son menos que ideales, y Quantumania simplemente fue otra en una larga línea”, añadió otra fuente anónima.

El diseño final de MODOK fue uno de los efectos visuales más criticados en Ant-Man and The Wasp: Quantumania

Sin embargo, no todo fue problema del empalme de proyectos. Un tercer trabajador reveló que Peyton Reed, director de la cinta, no tenía claro lo que quería mostrar en pantalla. El equipo sabía qué personajes aparecerían dentro del Reino Cuántico, pero no recibió una explicación consistente de lo que sucedería con ellos. Este trabajador también refiere que Wakanda por siempre se convirtió en la consentida de Marvel.

“Había un equipo más pequeño trabajando en Ant-Man. Estaba en un segundo plano, algo menos apremiante. Quizá el director sabía lo que quería, pero no era 100% claro. Teníamos diseñados vagos escenarios, y a algunos personajes. Pero, para ese momento, no nos habían dicho dónde tenían que estar los personajes. Solo hacíamos lo que se sentía correcto. Hubo mucho trabajo doble, mucha ineficiencia. Una escena rápida que quizá toma 2 segundos, se tenía que hacer hasta 20 veces. Con tantos proyectos de forma simultánea, empieza a faltar la calidad. Los recursos se vuelven mínimos. No pueden esperar que las compañías de efectos visuales den la mejor calidad si trabajan con el presupuesto más bajo”.

Hasta ahora, Ant-Man and The Wasp: Quantumania se sitúa como la peor película de Marvel en Rotten Tomatoes y CinemaScore. Si ya la vieron, ¿están de acuerdo en que sus efectos visuales no son convincentes? Y si no la han visto, ¿estas declaraciones les quitaron las ganas de hacerlo?

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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