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Cuarón, Del Toro e Iñárritu hablan sobre su amistad y lo que los llevó al éxito en Hollywood

Además de poner a México en alto, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu comparten una amistad desde hace décadas. Aun cuando ninguno de ellos era conocido por sus aportaciones al séptimo arte, los tres ya compartían historias, consejos, y sobre todo, sueños en común. Dicha amistad se volvió aún más fuerte con el paso del tiempo, y a pesar de sus complicadas agendas, siguen estando el uno para el otro cuando es necesario.
En la actualidad, los tres directores ya acumulan varias nominaciones al Óscar por su excelente filmografía. Lo que antes parecía un sueño, hoy es una realidad: son de los cineastas más aclamados y respetados por la industria hollywoodense, un historial de éxitos los rodea, y son vistos por muchos actores, como personas con las que les gustaría trabajar.
En una charla para Deadline, el trío, que se hace llamar “Los Tres Amigos”, habló sobre lo que ha acontecido en su carrera cinematográfica desde hace más de 30 años. Ha habido triunfos, fracasos y momentos difíciles, pero, ante todo, una amistad que los ha motivado para seguir adelante.
“Alfonso y yo nos conocimos en los 80s”, menciona del Toro. “Habíamos escuchado el trabajo del otro por amigos en común. Y recuerdo pensar: ´¿Quién es este tipo que a todos les gusta? ¿Por qué a todos les agrada?´ Nos conocimos en la sala de espera de La hora marcada, un programa en el que yo iba a realizar los efectos de maquillaje y Alfonso escribía y dirigía. Recuerdo haberle dicho: ´Mira, haré el maquillaje si me dejas dirigir y escribir algunos episodios´”, comentó.

El encuentro entre Iñárritu y Cuarón se dio unos años después, cuando el segundo se preparaba para dirigir Grandes esperanzas. Para Iñárritu, Cuarón ya era “todo un rockstar”, y es que su nombre ya era conocido en la industria hollywoodense. Hasta ese momento, el único contacto que tenían era a través de Emmanuel “El Chivo” Lubezki.
“A Guillermo (del Toro) lo conocí en el 99, cuando editaba Amores perros. La película ya estaba terminada, pero Guillermo y yo pasamos tres o cuatro días en el estudio discutiendo la película. Él trató de sacar un poco de conciencia de este tipo terco. Y supongo que tuvo éxito, porque esa es la película tal como la conocen ahora”, añadió Iñárritu.
Este tipo de dinámicas fue, precisamente, lo que hizo cada vez más sólida su amistad. El talento de los Tres Amigos es indiscutible, pero aun con ello, permiten la retroalimentación de sus colegas para perfeccionar cada una de sus obras. Es cierto que cada uno de ellos tiene un estilo muy particular a la hora de dirigir, pero esa diferencia es lo que les ha permitido llegar a semejante nivel de éxito.
“Pueden hablar de nuestras diferencias, pero yo las veo más como complementos. Esto en el sentido de que estamos muy conscientes de nuestras limitaciones y fortalezas. Tenemos una forma de hacer cine, pero cada uno de nosotros entiende de dónde viene el otro. Cuando hay desacuerdos, por ejemplo, si quiero hacer algo en específico, y uno de ellos pone una bandera roja en ello, sé inmediatamente que debo ser cuidadoso con ello”, mencionó Cuarón.

Aun cuando mantienen una profunda amistad, Cuarón, del Toro e Iñárritu saben que eso pasa a segundo plano cuando se trata de retroalimentar el trabajo del otro. La amistad no va a hacer que una película sea mejor o consiga más premios. Lo que sí lo hará, es la objetividad.
“Cuando Alfonso dice ´brutal´, él se refiere a algo brutal. Les podrías enseñar un corte, y ellos se harán a un lado para decir: ´Mira, no importa lo que creas que esto sea, esto es lo que te dirá la audiencia, y esto es lo que te dirán los críticos. Cámbialo o no, pero eso es lo que debes aceptar´”, agregó del Toro.
Actualmente, los Tres Amigos han ganado el Óscar a Mejor dirección. Y aunque no tienen un proyecto reciente donde hayan compartido su talento, sí han trabajado en conjunto dentro de varios proyectos. El trío estuvo involucrado en la producción de Rudo y cursi. “Es más que solo producir. Me siento inspirado por ellos”, dijo del Toro.
Lo más importante de todo, es que los tres han realizado la mayoría de sus proyectos con presupuestos mínimos. Claro que saben trabajar con grandes cantidades de dinero, pero su talento no se ve limitado por la disponibilidad de dinero. Iñárritu lo define con una frase que inspiró al realizador de La forma del agua: “Un presupuesto es un estado de ánimo”.

Evidentemente, la relación entre estos cineastas les ha permitido llegar muy lejos, no solo en términos de territorio, sino también de ideas. Con semejante trayectoria, y con muchos años por venir, el trío sabe que aún hay muchas historias por contar. A nadie del público o de la industria le sorprendería ver a Cuarón, del Toro e Iñárritu como la inspiración para una nueva generación de jóvenes directores.
“El único ejemplo en el que puedo pensar, de directores que se conocen tan bien, es Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, y Martin Scorsese. Pertenecen a la misma generación, al mismo país, la misma cosa. Nosotros tres compartimos las mismas circunstancias, venimos del mismo mundo, y entendemos profundamente quienes somos, no solo como cineastas, sino como personas”, dijo Iñárritu.
Vista en retrospectiva, la amistad de Cuarón, del Toro e Iñárritu es una que sirve como ejemplo del verdadero apoyo. Aunque al principio conseguir el éxito se veía como una meta complicada, hoy es algo que pueden contar como una meta alcanzada. Sin embargo, eso no los ciega. El cine que realizan no pretende grandes recaudaciones, sino retratarlos en la pantalla grande. Guillermo del Toro lo resume de una forma perfecta: “Nuestras películas son una biografía de cada uno de nosotros”.
“La meta de nuestras conversaciones ni siquiera es sobre las películas, sino lo que estas van a significar en nuestras vidas, y cómo seguirán construyendo las vidas que queremos. Eso es lo más importante, compartir el éxito y lo fracasos con el otro, entender cómo eso nos impacta, y lo que aprendemos de ello”, añadió Cuarón.
Por ahora, pueden disfrutar de los más recientes trabajos de Iñárritu y del Toro. BARDO: Falsa crónica de unas cuantas verdades, y Pinocho, se encuentran disponibles en Netflix. Por su parte, Cuarón se encuentra ajustando detalles para el estreno de Disclaimer, su primera serie, la cual llegará a Apple TV Plus.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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