Cine y Tv
GIFF 2022: Las mejores películas del festival
La vigésimo quinta edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF) llegó a su fin el pasado 31 de julio y, en su paso por León, San Miguel de Allende e Irapuato dejó varios títulos para tener en la mira el resto del año. O el tiempo que requieran para un posible estreno comercial o su paso por más festivales y plataformas. Aquí algunas de las mejores películas que tuvimos oportunidad de ver en el pasado GIFF 2022.
Además de su palmarés (que coronó a A Piece of Sky como la Mejor ficción internacional y a Children of the Mist en la categoría Documental), las distintas secciones, en muestra o en competencia, presentaron un nutrido panorama del cine global, incluyendo el mexicano.
Backflip (Dir. Nikita Diakur)
Ya que GIFF nació como un festival especializado en películas de formato cortometraje, no es extraño que varios de los trabajos más destacados de esta edición pertenezcan a este formato. Es el caso de Backflip (Nikita Diakur), ganador como Mejor cortometraje experimental. Un ¿documental? ¿animado? donde el director crea una inteligencia artificial de sí mismo para que dé una voltereta hacia atrás, algo que él desea, pero teme el riesgo de intentarlo en el mundo real. Es hilarante ver al avatar contorsionándose miles de veces para aprender a hacer la pirueta (imaginen un Jackass virtual), pero la gradual experiencia acumulada permite también reflexionar sobre nuestra identidad y la relación con las máquinas.
Otros cortos destacados de sus distintas secciones fueron Llueve (Carolina Corral y Magali Rocha), El grillo (Carlos Hernández), Hoya (Mauricio Aguilar), Toomas Beneath the Valley of the Wild Wolves (Chintis Lundgren y Drasko Ivezic) y Staging death (Jan Soldat).
Crímenes del futuro (Dir. David Cronenberg)
La presentación especial de Crímenes del futuro, el más reciente trabajo de David Cronenberg, resultó en una de las películas más concurridas del GIFF 2022 en León, justo como clausura de la sede.
La historia distópica presenta un futuro donde la ausencia del dolor físico en los humanos da paso a nuevas mutaciones genéticas, pero sobre todo reconfiguraciones extremas del arte y el sexo. En medio de imágenes de asesinatos, mutilaciones y erotismo, el director apuesta por constantes diálogos como conductos para imaginar una posible evolución humana al abrazar nuestra propia decadencia.
Crímenes del futuro ya puede verse en MUBI.
Constant (Dirs. Sasha Litvintseva y Beny Wagner)
Aunque durante el Festival fue tratada como largo, esta producción germano-británica ganó como Mejor cortometraje documental internacional -tal vez su duración de 40 min le habrá facilitado al jurado contemplarla como tal, aunque en ediciones anteriores películas con metrajes similares habían triunfado en la categoría principal.
Más allá de ese tecnicismo, Constant (de Sasha Litvintseva y Beny Wagner) resultó una de las propuestas más curiosas: Una exploración lúdica sobre el contexto político de los sistemas métricos a través de recreaciones de época, material de archivo, imágenes 360° y fotogrametría (técnica de mapeo 3D). Constant se apropia de la tecnología de medición para revelar el aparato político detrás de las abstracciones con las que aprendernos a reconocer el mundo, a través de algo tan aparentemente sencillo como preguntarse qué es un metro.
Entre las películas del GIFF 2022, merece mención aparte el acertado conjunto de cortometrajes con el que el equipo de programación decidió exhibirla, sumando cuestionamientos sobre las políticas tecnológicas y del lenguaje: Con In Flow of Words (Eliane Esther Bots), Our Ark (Deniz Tortum, Karthryn Hamilton) y muy especialmente What Travelers Are Saying About Jornada del Muerto (Hope Tucker), éste bloque fue una de las funciones más enriquecedoras del GIFF.
Efímera (Dir. Luis Mariano García)
Si hubo una tendencia en las películas de ficción en el GIFF 2022, fue el coming of age: No vayas a clases mañana, Donde duermen los pájaros y Oliverio y la piscina coinciden en el subgénero, con formas muy diversas. Pero Efímera destaca especialmente por el rango actoral de sus protagonistas (Danae Reynaud y Carla Adell) y la tan natural sencillez con la que toca temas como la ansiedad y la muerte, así como su inteligencia al retratar el romance entre sus dos protagonistas desde una mirada empática y nada morbosa.
La película sigue a Emilia, una chica que puede ver brillar a la gente que está próxima a morir y cómo se enamora de Renata, a quien conoce en un funeral, previo a entrar a la universidad. La fantasía, en Efímera, se da por hecho para poder centrarse en el corazón de la película: el amor entre dos adolescentes que les permite crecer.
Además, valga decir que éste es el año de Danae Reynaud: la actriz participó en este GIFF con Efímera y un corto (Tickle Where It Hurts) en competencia, protagoniza Lecciones para canallas, que tuvo una presentación especial como cinta inaugural en Irapuato, y fue presentadora en la ceremonia de clausura.
Fire of Love (Dir.ª Sara Sosa)
Que las salas son el lugar ideal para las películas ya lo sabemos, pero se agradece la imponencia de una película como Fire of Love (Sara Dosa) para recordarlo. El documental se conforma a partir del material de archivo del matrimonio Krafft, una pareja francesa devota de la volcanología que dedicaron su vida a estudiar el comportamiento de los cráteres más letales e impredecibles de la Tierra.
La narración de Miranda July hila las filmaciones de Katia y Maurice, a quienes la directora observa con la misma fascinación que a los volcanes que atestiguaron. Hay un interés científico en el material, pero también el asombro humano ante la obsesión compartida, el amor profesado y la belleza artística de su trabajo, tal vez una poética involuntaria.
Fire of Love podrá verse pronto en Ambulante y, al ser una producción de National Geographic, no descartemos su llegada a salas o streaming en México.
Montegelato (Dir. Davide Rapp)
GIFF ha sido una plataforma pionera para el cine en realidad virtual en México, y Epicentro -la sección dedicada a este tipo de películas- se ha vuelto poco a poco una de las claves del Festival.
Entre lo poco visto este año -considerando la cantidad de trabajos disponibles en muestra y competencia-, el italiano Montegelato (Davide Rapp) destaca sin dudar. Presentado también en el Festival de Venecia, este trabajo explora las cascadas de Monte Gelato a través de casi 200 películas que las han utilizado como locación desde que se inventó el cine. Spaghetti westerns, eróticas, cine de aventuras; todas estas escenas se empalman a nuestro alrededor para formar un retrato panorámico de un paisaje que cuenta, también, una parte de la historia del cine italiano y revela las maneras en las que concebimos historias a partir de cómo miramos los lugares.
Teorema de tiempo (Dir. Andrés Kaiser)
La doble ganadora del Festival (triunfó como Mejor largometraje documental mexicano y recibió el Premio de la prensa) fue ésta, la segunda película de Andrés Kaiser. Como buena parte del documental latinoamericano contemporáneo, Teorema de tiempo arranca con el descubrimiento de cientos de rollos de películas familiares realizadas por el abuelo del director. La particularidad es que, además de viajes y cumpleaños, Arnoldo Kaiser filmó también un montón de ficciones amateur con las primeras cámaras de la familia, y con su complicidad.
Teorema de tiempo rescata esos ejercicios de aficionado para pensarlas como películas, a la vez que narra la historia de un artista impedido por su propia familia, poniéndolo en la perspectiva del nieto que sí ha podido dedicarse a ser cineasta. El material encontrado se acompaña de entrevistas que resignifican las imágenes, a la vez que cuestionan la realidad de lo que hay en ellas -la película implica a la audiencia no sólo a través de lo emocional, sino al permitirnos ver con una mirada contemporánea a la aristocracia del pasado.
Al final, el repaso por el linaje de abuelos, padres y nietos, resulta también una meditación sobre la masculinidad en el México del siglo XX. Una película elegante y riquísima en forma y fondo.
Teorema de tiempo podrá verse pronto, también, durante el Festival Internacional de Cine de Monterrey, tanto en salas como en Cinépolis Klic por tiempo limitado.
The Timekeepers of Eternity (Dir. Aristotelis Maragkos)
En Cine entre muertos, muestra del GIFF dedicada al horror, presenciamos una función de medianoche de The Timekeepers of Eternity, una delirante cinta que cruza lo mejor de la vanguardia experimental y de los thrillers clásicos estilo La dimensión desconocida.
El director Aristotelis Maragkos se apropia de la miniserie noventera The Langoliers (basada en un cuento de Stephen King) al fotocopiar cada cuadro y reanimarla con un stop motion que condensa la historia original e incorpora la fragilidad del papel para hacer collages, transiciones y efectos especiales inimaginables, creando un ambiente macabro que da paso a una nueva película.
Toda una osadía técnica, pero siempre al servicio de una historia intrigante sobre diez personajes que despiertan en un vuelo para notar que el resto de los pasajeros y tripulación han desaparecido. Una película fresca, que hace notar que el cine aún está reinventándose.
Uma & Haggen (Dir. Benito Fernández)
No podemos concluir sin mencionar Uma & Haggen (Benito Fernández), animación mexicana que se presentó fuera de competencia resultando una agradable sorpresa. Con una historia clásica sobre una princesa y un guerrero de distintas culturas que deben recuperar el reino del que ella es heredera legítima.
El humor casi siempre tiene un timing atinado, y el universo destaca porque, si bien tiene la prudencia de no proclamarse así para poder tener libertad creativa, está claramente inspirado en la posibilidad de que los vikingos tuvieran contacto con el México precolombino.
En un aspecto técnico está bastante lograda (mención aparte para el doblaje, donde agrada encontrar a Humberto Vélez), pero es el final lo que elevó a esta clásica cinta infantil de aventuras que sigue la fórmula sin fallar, en un relato que sabe sorprender con sus imágenes.
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Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
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Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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