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Titane o la irrelevancia del género: una charla con Agathe Rousselle

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La película triunfadora del pasado Festival de Cannes despertó comentarios interesantes. No solo por su estatus como ganadora, sino por su visión disruptiva sobre la identidad de género. El argumento sigue el viaje de una mujer que vive una transformación física impresionante a lo largo del filme. Una suerte de metamorfosis que deviene de un embarazo inusual entre ser humano y máquina. No obstante, a pesar de sus elementos de horror, Titane –protagonizada por Agathe Rousselle–, en realidad es el punto de partida para erigir una convulsa reflexión sobre la irrelevancia del género.  

David Cronenberg probablemente estaría orgulloso. Titane, segundo largometraje de la directora Julia Ducournau (Voraz), bebe de lo mejor del body horror, un subgénero del terror que se caracteriza por sus demostraciones grotescas en cambios físicos y biológicos. A su vez, la película es también la historia de una asesina en serie, pero un análisis más profundo podría argumentar que es un himno que le canta a los inadaptados y a lo que están dispuestos a hacer para sobrevivir. En dicho panorama se asoman, sin mucho velo, reflexiones importantes sobre lo trans y la identidad de género. Y así, el filme alcanza cotas de intención y significado que despiertan el debate. 

Agathe Rousselle Titane

Para interpretar al personaje central, Ducournau eligió a la debutante francesa Agathe Rousselle, cuya figura dentro del elenco resulta significativa: no sólo es actriz, sino también periodista y modelo. Su trabajo en el periodismo se ha enfocado principalmente en posicionar en el reflector a las culturas emergentes y al pensamiento posmoderno. Su participación en la revista General Pop y su título como cofundadora de la revista Peach son testimonio de ello. Especialmente la segunda, ya que se trata de una publicación feminista que se encarga de difundir la creación artística de mujeres en diversas industrias culturales.

Aunque guarda algunas participaciones en algunos cortometrajes, Titane representa su debut histriónico y cinematográfico. Es un papel salvaje, que bien podría intimidar hasta a las actrices más experimentadas. Sin embargo, Rousselle no temió en ningún momento dar un paso al frente para tomarlo. Para la actriz de 33 años, el mayor atractivo que observó en principio de cuentas fue el de obtener un protagónico absoluto en la película de la directora Julia Ducournau. En realidad, Agathe no tuvo que pensarlo por mucho tiempo después de leer, en sus palabras, el guion loco e inteligente de Titane

«Tomar este papel tenía sentido para mí porque sabía que sería un trabajo muy físico y yo soy una persona muy física. Pero sobre todo porque tendría la oportunidad de trabajar con toda esta situación del género, que es algo con lo que he lidiado durante toda mi vida», explicó la actriz. «No hace tres días que alguien me dijo ‘señor’. Me pasa todo el tiempo desde que era una niña pequeña. Se trata de algo que es muy importante para mí y tenía sentido por muchas razones». 

La película analiza el género y la sexualidad desde dos frentes distintos. Uno es la inusual atracción que la protagonista tiene por los automóviles, al grado de tener relaciones sexuales con ellos. El otro asoma cuando el personaje debe disfrazarse de un hombre para sobrevivir en un mundo de varones. 

Agathe Rousselle Titane

«Siento que esta película muestra cómo el género ya no es relevante hoy en día», aseguró Agathe Rousselle. «Ella usa el género para sobrevivir, no porque tenga una crisis de identidad. Ella no es una persona trans para nada. Es solo que la única forma que encuentra para escapar de la policía es hacerse pasar por este sujeto».

Sin embargo, la cinta sí presenta una crisis de identidad totalmente intencional, pues la directora cruza distintos géneros: el thriller sigue a una psicópata, mientras que como filme de horror art house muestra a una mujer que se embaraza de un automóvil, con consecuencias tan extremas como extrañas para su cuerpo. Agathe se tuvo que enfrentar a la construcción de un personaje que no está diseñado para ser amado por el espectador. 

«Tuve que encontrar la forma de quererla», explicó Rousselle sobre Alexia, la protagonista. «Porque no es un personaje fácil de querer y no tiene nada para ser amado. Tuve que encontrar la manera de entrar en ella. Lo hice al personificarla. Al tratar de entender su soledad y el hecho de que parece no pertenecer a ningún lado. Con esas cosas sí me puedo relacionar. Tenemos eso en común. Por supuesto, yo no soy una sociópata, una psicópata, ni asesino gente. Pero con ciertas cosas me puedo identificar. Tuve que encontrar esa pequeña puerta hacia ella». 

El viaje de Alexia en esta película inicia cuando de pequeña tiene un accidente de tránsito. Su cabeza recibe un golpe tan fuerte que los médicos deben adaptar en su cráneo una placa de metal que le acompañará de por vida. Al salir del hospital, ella se acerca al automóvil familiar para abrazarlo y darle un beso. Esa conexión sentimental evoluciona hasta el presente. 

La escena posterior muestra al personaje de Agathe Rousselle a través de un plano secuencia de casi 10 minutos de duración. El espacio es una exhibición de automóviles, en donde ella trabaja como bailarina exótica. Se sube al toldo de un antiguo Cadillac y baila sobre él con una colección de movimientos eróticos de varios minutos sin cortes, en donde la coreografía de Rousselle y el movimiento de la cámara deben ser perfectos. 

Según Rousselle, aquella fue la escena más difícil que tuvo que filmar. «No sabía que tendríamos que hacerla 34 veces, pero la hicimos», comentó. De acuerdo con la actriz, Ducournau es una cineasta tan perfeccionista y con ideas tan claras, que en el set no hay lugar para las sugerencias o aquellas aportaciones que no estén planeadas desde el primer momento el guion. 

«En esta película nada vino de mí», admitió. «La coreografía fue diseñada por Doris Arnold, quien es un bailarín de pole dance en París. Todo lo que hice en esta película fue tratar de encajar en la visión de la directora […] La preparación del personaje fue básicamente la directora explicando su visión y yo tratando de encajar en ella». 

Julia Ducournau ha compartido en entrevistas anteriores que elegir el automóvil para tal escena fue una tarea importante. Para empezar porque en su mente el «personaje» del Cadillac tiene género femenino. El hecho de que este motor sobre ruedas sea capaz de embarazar a un humano puede resultar confuso para el espectador, al igual que el género mismo de la película. Sin embargo, aunque pareciera un thriller de horror, para Rousselle la historia de Titane es el viaje de una persona inadaptada que no encuentra su lugar en el mundo, por lo que inevitablemente le habla a aquellos espectadores que buscan comprenderse a sí mismos. Especialmente a aquellos que tienen un conflicto provocado por lo que entendemos por género. 

«Es difícil ponerle una etiqueta a esta película, porque no es de horror. Es una pieza rara. Sé que no es una película de horror porque puedo verla. Es una mezcla de romance, amor: es algo muy profundo. Una pieza rara. Y eso es lo que la hace tan fuerte y confusa para las personas cuando la ven porque no saben cómo etiquetarla. Y pienso que es lo mismo con las personas. Es probablemente por eso que las personas trans pasan malos ratos al andar por la calle. Porque la gente no puede ponerles una etiqueta y eso resulta provocador para muchas personas». 

Titane se estrenó en los cines mexicanos el pasado mes de diciembre. Aunque la película ha salido prácticamente de casi toda la cartelera nacional, ya se puede ver en la plataforma de streaming MUBI. 

La entrada Titane o la irrelevancia del género: una charla con Agathe Rousselle se publicó primero en Cine PREMIERE.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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